Учебное пособие «Из истории нотной записи»
Содержание
Реформа нотного письма Гвидо д'Ареццо 15
Современная музыкальная нотация 36
СТАРИННЫЕ ГРАФИЧЕСКИЕ ПАРТИТУРЫ 47
От автора:
Музыка – универсальный язык человечества. Но, не зная нот – специальных знаков записи музыкальных произведений, – нельзя их прочитать и графически отобразить музыкальное произведение. Нотное письмо прошло огромный многовековой путь развития, и не всегда ноты имели современный вид, к которому мы привыкли.
Данная работа посвящена истории развития нотации от древнейших времен до наших дней. В ней затрагиваются отдельные вопросы, связанные с особенностями графического отображения звуков в зарубежной и русской музыке от начала формирования музыкальной культуры до XX века. Материал, представленный в работе, выдержан в хронологическом порядке, в качестве визуального сопровождения используется много иллюстраций.
Структура работы предполагает следующие разделы:
Введение.
Древние приемы записи музыки.
Особенности нотации в средние века в западноевропейской музыке:
невменная нотация
хоральная нотация
реформа нотной записи Гвидо д'Ареццо
мензуральная нотация
табулатуры.
Особенности нотной записи в России – знаменная нотация.
Современная нотация:
Классический способ записи звуков
Особенности нотации в музыке XX века.
Образцы необычных графических партитур.
Заключение.
Работа адресована педагогам, интересующимся историей музыки, обучающимся музыкальных студий, музыкальных школ и школ искусств среднего и старшего школьного возраста в качестве дополнительной литературы по элементарной теории музыки и музыкальной литературе, а также всем интересующимся историей музыкальной культуры.
Музыка – это наука. Она точна и конкретна. Партитура, лежащая перед глазами дирижера, напоминает график, где обозначены скорость, интенсивность, громкость звучания произведения, регламентированное время. Музыка сродни математике. Ее ритм основан на делении времени на доли, причем это деление производится не на бумаге, а физически.
Музыка – это история. Она отражает эпоху, в которую была создана, культуру страны.
Музыка – это иностранный язык. Большинство музыкальных терминов – из итальянского, немецкого или французского языков. А сами ноты? Это тоже язык, что-то вроде стенографической записи звуков. Музыка – самый универсальный язык на земле.
Изобретение нот – одно из величайших изобретений. Оно помогло сделать музыкальную память человечества вечной и необъятной. Ноты, написанные в одной стране, прекрасно понимают музыканты в любой другой, нотная грамота не требует перевода на разные языки, она – одна на весь мир.
Вот какими незабываемыми словами описывал процесс сочинения музыки Бетховен: «Я подолгу вынашиваю мысли, прежде чем они вылетят на бумагу... Я изменяю многие вещи, многие отбрасываю и затем пробую снова и снова до полного удовлетворения, потом тщательно разбираю произведение в уме — вширь, ввысь и вглубь, и, поскольку я твердо знаю, что должен сделать, основная музыкальная линия никогда не уходит от меня. Она поднимается, вырастает. Я слышу и вижу перед собой общую картину под разными углами, слышу и вижу так, как она будет звучать, и тогда остается лишь все записать». Но без многолетнего опыта использования нотного письма вдохновенные видения Бетховена, Вагнера и Стравинского так и остались бы только в их представлении.
Нотное письмо, нотация (от лат. notatio – записывание, обозначение) – система графических знаков, применяемых для записи музыки, а также сама запись музыки.
Невозможно представить, что было время, когда на свете не существовало нотной записи, и музыка передавалась только устно. Настоятельная потребность найти способ сохранения музыкальных напевов привела к созданию нотной записи. Усилиями многих поколений создавались все более совершенные системы перевода "живого" звучания музыки на язык условной графической записи - нотации. Сравнивая образцы нотного текста разных времен и народов, можно увидеть, что они не похожи. Но при всем различии в них есть и общее: музыка фиксируется с помощью специальных условных знаков. Они менялись на протяжении многовекового развития музыкальной культуры, и прошло много времени, прежде чем люди пришли к той форме нотной записи, которая используется сейчас.
Из всех известных способов самым древним является обозначение мелодий, передаваемых по слуху, с помощью рисунков. Образцы такой записи обнаружены при изучении древнеегипетских памятников. Ученые разных стран пытаются расшифровать древнейшие музыкальные записи.
Двое итальянских ученых из университета города Бари – музыковед Анна Габриэлла Кальдарало и Недим Влера, специалист в области культурологии и археоастрономии (эта наука изучает положение звезд на небе в различные исторические эпохи) – утверждают, что им удалось расшифровать и перевести на современный нотный язык записи древнеегипетских гимнов, исполнявшихся на церемониях погребений фараонов.
По их версии, древние египтяне использовали для записи музыки иероглифы, изображавшие небесные светила. Среди них – Солнце, Луна и звезды: Сириус, посвященный богине Изиде, и Венера, которая в мифологии древних египтян служила олицетворением божества времени. И именно по месторасположению звезд в иероглифе удалось датировать возникновение нотных символов. По свидетельству Влера, иероглиф нотного знака, обозначающий Сириус, фиксирует такое расположение этой звезды над горизонтом, которое было характерно для середины четвертого тысячелетия до нашей эры.
Ученым удалось восстановить 12 религиозных гимнов, записанных на папирусах и барельефах. Итальянские исследователи подобрали и инструменты для наиболее адекватного звучания древней музыки. Это арфа, барабаны и арабская гитара. По свидетельству знатоков, эта музыка имеет очень нежное звучание.
По версии других исследователей, нотная грамота могла зародиться на территории современной Сирии. С таким утверждением выступили сирийские ученые, завершив исследования записей, обнаруженных в древнем городе Угарит на северо-западе Сирии в 50-х годах прошлого века. Тогда археологам удалось найти записанные музыкальные символы, относящиеся к середине второго тысячелетия до нашей эры. Завершенное исследование подтвердило, что сделанная в Угарите находка – одна из древнейших найденных записей музыкального произведения. Тексты нанесены на глиняную табличку, написаны горизонтально, слева направо, на хурритском языке – одном из древних языков Сирии.
Ученые сумели расшифровать эти ноты и тексты. Отдельно написана музыка, отдельно – слова. И еще подробная инструкция о том, как совмещать их. Музыка называется «Гимн Никале» (Никала – жена бога луны, по мифологии хурритов).
Дальнейшее развитие музыкальной письменности связано с буквенным обозначением звуков, указывающих на их высоту. (Буквенная нотация – разновидность музыкальной нотации, в которой для обозначения высоты звука используются буквы алфавита (греческого, латинского и др.), а также их графические модификации. Буквенная нотация – древнейшая разновидность нотации, сохраняющая своё значение до наших дней).
Зародившись в Древней Греции, эта система получила широкое распространение. Музыка Древней Греции сохранилась в немногочисленных фрагментах, которые представляли собой надписи, высеченные на каменных колоннах и гробницах. Для музыкального письма использовали буквы греческого и финикийского алфавита. В 1893 году французские археологи, делавшие раскопки в Дельфах, священном городе бога Аполлона, обнаружили две любопытные каменные пластинки. На них обычным греческим алфавитом конца II в. до н. э. были записаны гимны в честь Аполлона. Но от других греческих манускриптов, найденных ранее, их отличали бросающиеся в глаза дополнительные знаки, вырезанные между строками гимнов. Эти частично уцелевшие музыкальные партитуры являются самыми ранними образцами музыки Древней Греции.
Множество из них записано на папирусах, часто очень маленьких бесформенных кусочках, которых, впрочем, достаточно, чтобы понять, что они в основном являются отрывками из музыкальных композиций для сопровождения таких древнегреческих произведений, как знаменитая драма "Орест", написанная Эврипидом около 450 г. до н. э. Эти редкие археологические находки определяют как древнегреческие нотные записи.
Алипий – древнегреческий теоретик музыки в III или IV в. н. э. создал довольно удобную нотную систему, ставшую классической для греческой музыки. Он составил список используемых символов (смесь алфавитных и псевдоалфавитных знаков) и дал подробное объяснение их значений. К счастью, его работа сохранилась благодаря усиленному копированию, распространенному в средние века. Знание древнегреческой системы нотной записи никогда не терялось – фактически наша современная система нот, начавшая развиваться в средние века и выкристаллизовавшаяся окончательно в XVII в., основана на греческом образце.
У греков существовала нотация двоякого рода: одна древнейшая, диатоническая с момента своего появления, сохранившаяся впоследствии в качестве инструментальной нотации; другая позднейшая, энгармонически-хроматическая, была введена для пения.
В римской теории музыки греческие буквы, обозначавшие высоту звука, были заменены на латинские. Эта акция приписывается Боэцию. Вместо нисходящего тетрахорда греков, буквы A, B, C, D, E, F, G были привязаны к восходящей системе звуков.
Сейчас латинские обозначения звуков широко используются в современной музыкальной практике.
В средние века появляется невменная нотация, характерная для религиозной католической музыки. Одна из ее разновидностей – русское крюковое, или знаменное письмо.
Слово «невма» – от позднелатинского neuma (знак, намек), которое в свою очередь происходит от древнегреческого πνεῠμα («пневмо» – дыхание).
Условные обозначения – невмы – представляли собой набор различных знаков и их комбинаций, проставляемых над текстом псалмов и обозначали отдельные звуки или мелодические обороты, ходы голоса вверх и вниз, повторение одного и того же звука, характер и способ исполнения. Невмы применялись для записи вокальной музыки и показывали направление движения мелодии, не определяя ее точного высотного положения.
Не указывая точной высоты звуков, невмы наглядно изображали мелодическую линию, помогая певцам вспомнить мелодии знакомых им по слуху песнопений. Существовали многочисленные местные разновидности невменного письма. С IX в. предпринимались попытки усовершенствовать невменное письмо, пополнив его обозначениями высоты звуков, сначала буквенными, затем с помощью линеек, на которых размещались невмы. Так возникло так называемое квадратное нотописание, или хоральная нотация, из которой впоследствии развилась современная система нотного письма.
Хоральная нотация ведет свое происхождение от церковного песнопения - хорала, который в средние века был связан с именем церковного деятеля Папы Григория I Великого, и так и назывался – григорианский хорал.
Святой Григорий Великий изображен в папском облачении, восседающим на высоком троне. Перед ним пюпитр, на котором лежит антифонарий (сборник хоралов).
Голубь - неизменный атрибут Григория Великого, символизирующий боговдохновенность его писаний. Он за руку вытаскивает из огня человека с короной на голове, очевидно императо-ра Траяна, душа которого, согласно одной из легенд, известных из жития Григория Великого, попала в чистилище, но благодаря молитве за него папы Григория была спасена.
Григорианский хорал (лат. cantus gregorianus) – литургическое пение католической церкви европейского региона на латинском языке, монодическое, без участия музыкальных инструментов. Текстовую основу григорианского хорала составляют книги Святого Писания, прежде всего Псалтирь, жития святых, труды ранних Отцов Церкви. Однако значение григорианского хорала не ограничивается его ролью в литургии: григорианский хорал стал основой всей позднейшей профессиональной европейской музыки, его по праву называют "музыкальным учителем Европы".
В связи с возникновением наряду с Римом других литургических центров со своими песнопениями сложилось несколько типов хорала, из которых наиболее значительные на Западе: римский – в Риме, галльский – в Франции, староиспанский, или мозарабский – в Испании, амвросианский – в Милане, беневентский – на юге Италии. От слияния всех этих видов и произошел григорианский хорал.
Григорианское пение монодийно (то есть принципиально одноголосно), но это не значит, что песнопения не могли исполняться хором. По типу исполнения пение разделяется на:
антифонное, при котором чередуются две группы певчих (так исполняются абсолютно все псалмы);
респонсорное, когда сольное пение чередуется с хоровым.
Расшифровка григорианского хорала, записанного с помощью невменной нотации, представляет сложность для современных исследователей. Мы не можем точно судить ни о высоте звуков, ни об их длительности, ни о громкости звучания, ни о тембре, который зависел от тембра участников хора, традиционно мужского по своему составу. Что касается соотношения звуков по высоте, то оно могло значительно отличаться от привычного в настоящее время звучания европейской музыки, основанного на делении октавы на двенадцать равных полутонов, и включать интервалы в 1/3 и даже 1/4 тона.
Еще на самой ранней стадии истории григорианского хорала, церковные хоры состояли из взрослых и детей (мужчин и мальчиков). Различие детских и взрослых голосов делало одну и ту же мелодию звучащей в октаву и даже в несколько октав. Но так было не во всех случаях такого соединения детских и взрослых голосов. Порой интервал между ними был не в октаву, а в терцию, квинту или сексту. Но, как это ни удивительно, певцы, исполняя подобным образом григорианский хорал, были уверенны, что они поют одноголосно. Так в практику постепенно вошло исполнение григорианского хорала параллельными октавами, квинтами и другими интервалами, что отнюдь не противоречило (по крайней мере в представлении музыкантов того времени) монодийной традиции пения.
Хоральная нотация
Реформа нотного письма Гвидо д'Ареццо
Со временем в целях совершенствования невменного письма – для точной фиксации высоты звуков – к невмам справа стали добавлять буквенные обозначения. Затем (уже в X веке) в целях удобства ориентирования ввели одну горизонтальную линию для тона f, а некоторое время спустя к ней добавили сверху ещё одну - для тона c. Всё это намного облегчило чтение записи музыки того времени, однако не решило проблему до конца.
В начале XI века музыкант и теоретик Гвидо д'Ареццо (Аретинский) (около 992 – около 1050) произвёл переворот в системе записи, доведя число линий до четырех. Гвидо д'Ареццо является реформатором церковного пения, изобретателем нотного стана и сольмизационных слогов.
Образование он получил в бенедиктинском монастыре в Помпозе (близ Феррары). Будучи от природы чрезвычайно способным, он во всех занятиях превосходил своих товарищей, а удачным преподаванием пения настолько вооружил их против себя, что вынужден был перейти в другой монастырь – в Ареццо, от которого и получил свое прозвище Аретинского.
Гвидо был одним из выдающихся музыкантов своего времени и его нововведения в способе преподавания духовного пения давали блестящие результаты. Реформируя нотацию, Гвидо ввёл две линейки, соответствующие ключам F и C, благодаря чему высота звука стала нотироваться более точно, чем в ранних невменных рукописях. В дидактических целях (для быстрого разучивания незнакомых песнопений) он придумал систему сольмизации.
Невмы стали располагать на четырёх линиях и между ними, что гораздо точнее и подробнее обозначало высоту звуков. Все четыре линии были объединены в единую систему, ставшую прообразом современного нотного стана, а буквенные обозначения высоты линий постепенно трансформировались в ключи – условные графические знаки, определяющие высоту расположенных на нём нот.
Вид ключа был связан с латинской буквенной нотацией. Ключ обозначает размещение одной из нот на конкретной линии, относительно которой отсчитывается расположение всех остальных нот. Исторически сложилось три типа ключей, которые и сегодня используются в классической пятилинейной нотации: ключ «соль», ключ «фа» и ключ «до». Внешний вид ключей представляет собой видоизмененное изображение рукописных латинских букв – G, F, и С.
Пытаясь облегчить певцам запоминание звуков, Гвидо д'Ареццо применил начальные слоги шести строчек популярного в то время гимна Иоанну, написанного монахом Павлом Диаконом в честь апостола Иоанна (он считался покровителем церковного пения) для обозначения шести ступеней гаммы (гексахорда) – Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Тем самым он заложил основы так называемой сольмизационной теории, господствовавшей затем в певческой практике до XVIII века.
UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum,
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Ioannes.
Позднее слог Ut заменили на слог Do. Появилось название еще для одного звука – Si (образовано из первых букв словосочетания Sancte Iohanne – «Святой Иоанн»).
Система Гвидо продержалась весьма долго, и ее следы можно увидеть даже в трудах теоретиков музыки XVIII века. За свои нововведения Гвидо поначалу подвергся гонению, но когда сам Папа убедился, что система, созданная гонимым монахом, значительно облегчает чтение записанных по этой системе мелодий, Гвидо был с почестями возвращен в монастырь Помпозы, в котором и прожил, занимаясь преподаванием, до самой своей смерти, которая наступила 17 мая 1050 года.
Мензуральная нотация
Последующее совершенствование нотного письма в период XIII – XVI вв. шло по пути разработки мензуральной нотации.
Мензуральная нотация (от лат. мensura – мера; буквально –размеренная) – запись западноевропейской (первоначально только вокальной) музыки XIII – начала XVII веков с точной фиксацией ритма. Она наглядно передавала не только высоту звуков, но и их длительность. Была введена система специальных графических знаков для записи нот и пауз различной продолжительности, установлены точные временные соотношения между всеми длительностями. Первоначально каждая из них предполагала деление на три равные доли. Начиная с XVI века, деление стало двукратным.
В основу графики мензуральной нотации были положены графемы квадратной нотации, для которых характерна квадратно-ромбовидная форма. Различались простые фигуры, то есть одиночные ноты – дуплекс лонга (двойная длинная), лонга (длинная), бревис (короткая), семибревис (полукороткая), позднее минима (самая малая) и семиминима (полуминима), фуза и семифуза, которым соответствовали паузы соответствующей длительности, и лигатуры (лат. ligatura – связка, пучок; от лат. ligare связывать, соединять) – графические изображения, в которых несколько (от 2 до 5) простых «разновысотных» нотных знаков записывались слитно, как единый знак. Для ритмической расшифровки лигатур были установлены разветвлённые, весьма громоздкие правила.
В отличие от классической (круглой тактовой пятилинейной) нотации, где отношение между длительностями соседних ритмических уровней твёрдо установлено как бинарное (2:1), в мензуральной нотации это отношение может быть 3:1 (такое деление называлось «перфектным», или совершенным) или 2:1 («имперфектное», или несовершенное, деление).
С переходом от записи нот на папирусе к записи на бумаге, произошло подразделение нотных знаков на "белые" (незаполненные) и "чёрные" (заполненные). Четырёхлинейную нотную строку заменил более удобный пятилинейный нотный стан.
По мере развития многоголосия и ансамблевого исполнения стали использовать систему из нескольких нотных строк, расположенных одна над другой и объединённых общей начальной чертой или фигурной скобкой – акколадой.
Основоположником мензуральной нотации считается выдающийся учёный музыкант XIII века Франко Кёльнский. Его система зафиксировала происходивший в музыке процесс постепенного освобождения от модальных («стопных») формул в направлении усложнения и разнообразия ритмических структур (рисунков), которые вплоть до XIV века проявляли себя в рамках преимущественно трёхдольной («перфектной», тернарной) мензуры.
Близко к мензуральной стоит и так называемая готическая нотация – система, выработавшаяся в начале XIII века в восточных немецких, позднее – в примыкающих к ним славянских и венгерских землях. Знаки готической нотации располагаются на системе линий (4 или 5), иногда снабженной ключом, и фиксируют каждый звук мелодии. Представлена нотация двумя основными разновидностями – немецкой и лотарингской (мецской).
Ее характерный знак 
, внешне напоминающий "подковный гвоздь" (Hufnagel по-немецки), является видоизмененной невмой, имевшей название «вирга». При помощи готической нотации записывались песнопения западноевропейского средневекового хорала, а также духовные и светские песни. В XV-XVI вв. в нее были введены обозначения длительностей (появилась так называемая мензурированная готическая нотация).
Табулатура
Более длительным был путь утверждения современной пятилинейной нотации в инструментальной музыке. До конца XVII века для записи инструментальных пьес применялись особые системы письма – табулатуры.
Табулатура (от лат. tabula – доска, таблица) была изобретена и широко применялась в средневековой Европе. Особенно удобно было с ее помощью записывать музыку для лютни, гитары и других струнных щипковых инструментов, также она применялась для записи органной, клавесинной музыки. Табулатуры представляли собой наглядные схемы, составленные из буквенных или цифровых обозначений и дополнительных условных знаков, уточнявших ритм и динамические оттенки. Эти схемы фиксировали не столько ноты, сколько струны, лады, клавиши, которые должен озвучить исполнитель.
Применять табулатуру стали ещё в XIV веке, её активное использование продолжалось до XVIII века, она исследовалась и дополнялась в XIX-XX веках и применяется в XXI веке в практике обучения игре на различных инструментах (гитаре, домре, балалайке, двухрядной хроматической гармонике, фортепиано, клавишном синтезаторе).
Табулатуры имели разные виды, в зависимости от страны происхождения. Различали итальянскую, испанскую, французскую, и немецкую табулатуры. По внешнему виду эти схемы были разнообразны. В них отражались особенности нотного письма, принятого в той или иной стране, специфика того музыкального инструмента, для которого они предназначались. Табулатуры отличались также по условным обозначениям: буквам, цифрам, их комбинациям. Ритм с помощью табулатуры обозначался на всех инструментах практически одинаково. Ритмические знаки писались над цифрами или буквами. Их разновидности представлены ниже:
|
|
|
|
|
|
|
|
brevis |
semibrevis |
minima |
semiminima |
fusa |
semifusa |
Среди многочисленных вариантов табулатур существовали как безлинейные, так и линейные. В линейных количество линий соответствовало количеству струн музыкального инструмента или полифонических голосов в музыкальной ткани.
В Копенгагене существует музей музыки, где собрана коллекция старинных нот, представляющих различные виды нотации. Самые старые из них датируются 1000 годом.
На фотографиях запечатлены наиболее интересные экземпляры.
Знаменная нотация
Знаменное пение и его запись развивались в России параллельно с невменной западноевропейской нотацией. По сути знаменная и невменная нотации – это аналогичные явления в истории развития музыкального искусства. Удивительно то, что, развиваясь параллельно, они не оказали взаимного влияния друг на друга.
Знаменным этот тип записи звуков был назван от старославянского слова "знамя", что означало "знак". Второе название он получил по названию одного из основных его знаков – "крюка". Знаменное или крюковое письмо использовалось для записи знаменного роспева – древнейшего вида русского православного богослужебного пения, известного с XI века.
Один крюк мог описывать сочетание одного, или нескольких звуков разной высоты и длительности. Были известны различные типы знаменного роспева и соответствующие им типы знамён — кондакарный, столповой, демественный, путевой.
Каждое знамя имело свое название: крюк 
, запятая 
, статья 
, крыж 
, стрела 
, стопица 
, переводка 
, чашка 
, скамейца 
, подчашие 
, хамила 
, паук 
, дербица 
, параклит 
, палка 
, голубчик, сложитие, ключ 
, челюстка 
, рог 
, труба 
, дуда, "два в челну" 
, мечик 
, осока, немка 
, фита 
, фотиза и кулизма.
Эти знамена существовали самостоятельно, независимо от других, остальные были сочетаниями основных. Таким образом, реальное число знамен не превышало количества букв современного русского алфавита.
Знамена определяли только длительность звуков, направление мелодии и характер звучания. Поэтому самые древние рукописи, написанные таким образом, расшифровать невозможно. Лишь благодаря изобретению особых дополнительных знаков с середины XVII века (так называемых помет), показывающих определенную высоту исполнения каждого знамени, древнерусские песнопения оказались прочитанными современными учеными. Пометы могли быть "киноварными" (красными) или "тушевыми" (черными).
Знамена существовали "единостепенные" и "многостепенные": первые изображали один звук, вторые – несколько звуков. Самый верхний звук знамени определялся соответствующей пометой, которая писалась с левой стороны знамени. Независимо от количества звуков и направления мелодии, помечался только верхний звук: остальные подразумевались. Исключения были установлены особыми правилами.
Тушевые (черные) пометы или признаки, как их называли, в отличие от киноварных, приставлялись к самим знаменам в виде тонких черточек с правой или с левой стороны, в зависимости от рисунка данного знамени.
Единостепенные знамена тушевыми признаками не отмечались, а имели только красные пометы. Некоторые знамена вообще не имели никаких помет: высота звука таких знамен зависела от следующих непосредственно за ними.
Знаменное пение было основано на звукоряде, состоящем из 12-ти звуков и четырех "согласий". Первое (самое низкое) согласие называлось простым, второе – мрачным, третье – светлым и четвертое – тресветлым.
Каждая группа основных знамен, вместе с присвоенными ей знаменами-украсителями, составляла мелодический оборот под названием кокиза (попевка).
Попевка – мелодико-ритмический оборот, устойчиво повторяющийся в различных песнопениях знаменного роспева. Попевка всегда записывалась с помощью определенного сочетания крюков. В каждом гласе имелся характерный набор попевок, который отличал данный глас от других.
Опытные "знаменщики" – так называли музыкантов, специализировавшихся на знаменном пении, держали в памяти около двух тысяч попевок. Считывая крюковую запись, ничего общего с современными нотами не имеющую, знаменщик интуитивно выбирал из огромного музыкального массива нужные попевки.
Для записи знаменных роспевов существовали "Певческие азбуки" (их еще называли «Музыкальные азбуки») – древнерусские руководства по знаменному пению.
Ранние (с XVвека) музыкальные азбуки, включающие перечень крюковых знаков, входили составной частью в певческие рукописи. В XVII веке появились музыкальные азбуки нового типа, содержащие "толкование" певческого значения, изложение способов исполнения знамён. Тогда же возникли сборники попевок (кокиз) - кокизники и фит – фитники. До середины XVII века музыкальные азбуки излагали систему беспометной знаменной нотации. Большинство из них было анонимно. В XVII веке появились авторские труды. Наиболее значительные: "Ключ знаменный" Христофора (1604), "Извещение о согласнейших пометах" Александра Мезенца (1668, излагается система киноварных помет и признаков).
В конце XVII века, когда входит в употребление пятилинейная нотация, возникает особый тип музыкальной азбуки – двоезнаменник, в котором музыкальные образцы изложены параллельно крюковой и пятилинейной нотацией ("Ключ" Тихона Макарьевского является основным пособием этого рода).
Музыкальные азбуки создавались по всем видам древнерусских нотаций (столповой, путевой, демественной). С введением в певческую практику пятилинейной нотации появились различные списки, своего рода музыкальных азбук, объясняющие данную систему фиксации музыкального текста.
овременная музыкальная нотация
Современная музыкальная нотация – графическая система записи музыкальных звуков, разновидность западноевропейской музыкальной нотации, широко применяемая в настоящее время для символической записи музыки, основанной на западноевропейской музыкальной традиции.
Современная музыкальная нотация (также называемая «нотная грамота» или «нотное письмо») является частью элементарной теории музыки. Запись музыкального произведения в современной музыкальной нотации называется «нотная запись» или просто — ноты.
В современной музыкальной нотации музыкальные звуки записываются с помощью набора символов, основными из которых являются ноты. Ноты располагаются на линейке из пяти параллельных линий, называемой нотоносец. Положение символа ноты на нотоносце определяет высоту обозначаемого звука и порядок исполнения звуков. Длительность звука обозначается применением разных вариаций символа ноты.
Кроме нот и нотоносца применяется множество дополнительных символов, позволяющих обозначить количество длительностей в такте, тональность, темп, ритмический рисунок, а также позволяющих сокращенное написание распространенных приемов, передачу характера и уровня громкости произведения, особенности артикуляции и многое другое.
Кроме того применяются наборы символов, предназначенных для облегчения записи произведений для какого-либо специфического инструмента, например символы управления педалями для фортепиано или символы аппликатуры для гитары.
В XX веке в связи с развитием и усложнением музыкального языка неоднократно предпринимались попытки усовершенствовать нотную запись. Так возникали 6-и линейная нотная запись Ф.Бузони, 3-линейные системы А.Шёнберга и Н.Долматова, система Эквитон Р.Форсита с 2-мя нотными линейками. Также известна система Клавирскрибо К.Пота – нотный стан с вертикальным расположением линеек.
Остановимся на системе записи звуков у Ферручио Бузони – одного из крупнейших в истории музыки пианистов, оказавшего большое влияние на развитие пианистического искусства.
Бузони пытался записать не только тоны и полутоны, но и более близкие расстояния между звуками – трети тонов. Свои взгляды он отразил в работе «Эскиз новой эстетики музыкального искусства»:
«
…проектируемая мною тональная система должна, пока что, наполнить слух третями тонов, не отрекаясь от полутонов.
Коротко говоря, мы либо устанавливаем два ряда третей тонов, один ряд на расстоянии полутона от другого, – либо трижды повторяем обычный ряд 12-ти полутонов, каждый раз на треть тона выше.
Чтобы как-нибудь отличить эти ступени одну от другой, назовем первую – С, а две ближайшие трети тонов – Сis и Des; первый полутон обозначим (маленьким) с, а следующие за ним трети – cis и des. Тогда нижеприведенная табличка объяснит все недосказанное.
Для нотации предлагаю такой способ: начертить 6 строк, и на самих строках поместить целые тоны, а между строками – полутоны:
Затем трети тонов отметить бемолями и диезами:
Сегодня современная музыка обозначается различными терминами – атрадиционная, атональная, аклассическая, новая, современная и т.д.
Музыкальное искусство XX века – феномен, поднявшийся до уровня философского мироощущения, расширяющий возможности своих выразительных средств за счёт появления новых художественных образов, и встраивания их в индивидуальные авторские концепции.
В соответствии с этим нотация в XX веке также претерпевает существенные изменения, появляется ряд открытий в области записи музыкальных произведений и, соответственно, обновляется знаковая система музыкального языка. Появляется и разрабатывается:
• графическая запись, для которой характерно изложение музыкального материала линиями, не указывающими на звуковысотность нотных знаков и предоставляющая большую свободу для исполнительской интерпретации. В возникновении такого способа записи музыкальных произведений существенную роль сыграло творчество художников XX века. Графическая запись музыкальных произведений послужило толчком для возникновения алеаторики, хэппенинга и т.д.
• координирующая нотация, при которой предоставляется относительная свобода в трактовке продолжительности звучания и соотношении голосов. В данной нотации рассматриваются два её аспекта: времяизмерительный и звуковысотный.
• метод свободных форм, дающий возможность соединения авторского текста и исполнительской импровизации.
Мы приводим несколько примеров современной записи нот в произведениях композиторов XX века.
Образец записи атональной музыки (додекафонии). Додекафония (от греч.- двенадцать звуков) – метод сочинения музыки, в основе которого лежит «серия» - определенная последовательность 12 звуков различной высоты, расположенных в диапазоне одной октавы.
Микрохроматика (или микроинтервалика) – звуковая система из интервалов меньше полутона.
Названия интервалов в этой системе:
Запись нот:
Вариант авторского обозначения нот в микрохроматике:
Образцы микрохроматики в произведениях:
Алеаторика (от лат. жребий, игральная кость) – техника незакрепленного текста, которая допускает множество вариантов исполнения.
Р.Щедрин. Поэтория
Произошедшие в XX веке трансформации в понимании того, что есть музыка и музыкальное явление, потребность современного композитора работать на границе разных явлений (музыки, изобразительного искусства, театра), потребность в особом – театральном – исполнении музыки, привели к тому, что многие композиторы разрабатывают свои собственные системы графической записи музыки. Кроме того, помимо нотной записи музыки часто визуализируются физические параметры звука (графики, осциллограммы и т.п.).
Музыка интересна художнику, и графический язык записи музыкальных произведений может вызывать интерес и как готовая ("найденная") знаковая графическая система, и как пространство (пространство нотного листа), которое позволяет создавать образы музыки, оперируя элементами служебного музыкального языка (нотными знаками). Пространство нотного листа можно уподобить географической карте, анатомической таблице, игральной карте и т. п. Создание и восприятие музыки и звука мыслить как путешествие, эксперимент, азартную игру.
Ниже приведены образцы необычных приемов записи музыки – графических партитур от средневековья до наших дней.
СТАРИННЫЕ ГРАФИЧЕСКИЕ ПАРТИТУРЫ
J.' Theile. Harmonische Baum,1691 (Гармоническое древо).
Б.Кордье. Belle bonne.
Адам Гумпельшаймер (Adam Gumpelzhaimer), 1611.
Фигурная музыкальная композиция
Партитура Кошачьей симфонии
(Moritz von Schwind. Die Katzensymphonien, 1868).
Эту пьесу действительно можно исполнить. Кошачьи силуэты определенно опираются на конкретные ноты на нотном стане. Воспоминание о кошачьих концертах, свидетелями которых, наверное, были все, делает несомненным прием "глиссандо" (скольжение звуков вверх и вниз), направление подсказывают кошачьи прыжки. Позы говорят о характере в каждом моменте музыки (что зачастую удачней, чем принятые среди музыкантов обозначения: например, "фермата" - остановка - здесь нескольких видов: в качестве кошки, умывающейся лапкой, и кошки, беззаботно валяющейся на спине и т.д.). В симфонии есть несколько общепринятых музыкальных обозначений, касающихся характера музыки:
Allegretto - оживленно и грациозно, возможно, с элементами танцевальности
Crescendo - увеличивая громкость
Andante - спокойно, размеренно, в темпе обычного, неторопливого и не замедленного шага.
Dolce - нежно
Smorzando - замирая
Grave - мрачно и тяжело
Presto Finale - финал в очень быстром темпе
Piano - тихо
ff (Fortissimo) - очень громко
Мелодию нужно считывать по головам кошек (что вполне возможно; кстати, при этом напрашивается мысль о том, что кошачьи усы в некоторых случаях – добавочные линейки нотного стана). Можно воспринимать "Симфонию" и как сочинение в сопровождении аккордов (как аккорд в этом случае нужно понимать всю кошку целиком, учитывая соотношение ее лап, хвоста и головы). В общем, учитывая все эти тонкости, "Кошачью симфонию" следует признать вполне полноценным музыкальным произведением. Кстати, в партитуре указано, что композитор написал свою "симфонию" для скрипки.
Музыкальный лабиринт
Марен Маре «Лабиринт»
(пьеса № 74 из Четвёртой Книги "Pieces de Viole" 1717)
Этот лабиринт появился благодаря Павлу Сербину – художественному руководителю оркестра старинной музыки Pratum Integrum, музыканту и музыкальному археологу (т.е. человеку, находящему в архивах считавшиеся утерянными старинные партитуры).
Бас:
Бас
Мошелес. "Путь мира" (музыкальный палиндром)
Пьеса играется сначала до конца, после чего ноты переворачиваются кверху ногами и музыка исполняется вновь – в обратную сторону. Причем оказывается, что мелодия совсем не изменилась. Финала у пьесы нет и быть не может – конец странички является сигналом к тому, чтобы ее перевернуть и начать все сначала.
Название "Путь мира" в сочетании с такой формой и остроумно, и мудро. Ведь в мире все периодически переворачивается вверх дном. И, тем не менее, спустя годы оказывается, что ничего не изменилось. Вот загадка! Радует одно: судя по форме произведения, композитор, видимо, полагал, что конец света невозможен в принципе.
Современные графические партитуры
К.Пендерецкий "Плач по жертвам Хиросимы"
Д. Кейдж "Музыка для колоколов"
Т.Джонсон. "Воображаемая музыка". "Соревнующиеся поля".
Комментарии автора к этой пьесе: «Данную пьесу следует исполнять в любом направлении с любой точки в избранном пространстве в течение любого времени и с любой из четырех ротационных позиции в любой последовательности, используя при исполнении только три измерения (вертикальное, горизонтальное и временное); толщина линии-события указывает относительную громкость и/или (если позволяет инструмент) кластеры. В четырех измерениях, относительная толщина и длина линий-событий – это функции позиции этих событий еще и в глубинном плане партитуры. Тогда все характеристики звука и их отношения подвергаются постоянным изменениям и модификациям. Главное, чтобы пьеса исполнялась непосредственно по этой графической «импликации» (отдельной для каждого исполнителя), и заранее ничего не было предопределено, кроме общего времени звучания. Возможен и противоположный вариант, но определенность не должна противоречить партитуре и приведенным в ней инструкциям».
Можно сказать, что партитура представляет с собой некую выписанную импровизацию, итог которой не предопределен. Исполнитель свободен в выборе всего – от инструмента до длительности звучания. Более того, количество исполнителей тоже свободно: от одного солиста до целого оркестра. И каждый раз, эта пьеса звучит по-новому. Произведение стало во многом поворотным в истории музыки. Оно сподвигло целую плеяду талантливых композиторов в США и Европе на подобные эксперименты.
Д.Крам "Makrokosmos". Пьеса "Crucifixus" из I тома.
Партитура представляет собой крест, состоящий из трех секций – А, В и С. Секции должны исполняться последовательно. При исполнении секции С пианист должен повернуть во время исполнения нотный лист, в связи с чем можно в данном случае говорить о партитуре как мобильном феномене.
Сам символ креста называют знаком знаков. Он имеет огромное количество различных трактовок, но, прежде всего, крест – это символ Христа, его распятия и славы, а поэтому является символом христианской религии. Именно в таком значении использует Крам этот символ, что подтверждает и название пьесы – «Crucifixus» («Распятие»).
Материал, расположенный по горизонтали (секции А и В), представляет собой лейтмотив мистерии, который здесь несет на себе функцию показа зарождения христианской религии. Для исполнения следующей секции С исполнитель должен повернуть лист. Также в начале этой секции пианист коротко произносит «Сhri-ste!» (два слога!) – имя Бога. Применение данного текста усиливает акцент на образе креста и личности Христа как явлениях христианского мира. Характер исполнения этой секции очень медленный, спокойный, трансцендентальный.
Во многих случаях уже сама форма нотного стана несет в себе символический подтекст. Например, в «Эхо II» («Эхо времени и реки») Крам объединяет последовательность нотных знаков в круги, квадраты, мелодические форманты, в сочетание двух кругов, визуально образующих собой знак бесконечности.
А в сочинении «Звезда-дитя» он использует малые и большие круги, символизирующие непосредственно космические тела – звезды и планеты:
Д. Кейдж «Music for Piano»
В партитуре есть четкое фиксированное временное пространство и несколько символов, отвечающих за параметр звука. Название пьесы четко отображает как нотную запись, так и саму манеру игры, ведь Гуиро – это латиноамериканский ударный инструмент, звук которого происходит за счет ведения тонкой палочки вдоль зубцов. В этой пьесе роль тонких зубцов играют клавиши, по которым следует плавно проводить пальцами (либо ногтями). Поэтому здесь нет ни единого стандартного приёма звукоизвлечения на фортепиано. Инструмент Лахенман использует чисто как ударный. В партитуре видно, как композитор разделяет весь диапазон клавиш на три секции – низкую, среднюю и высокую. Квадрат означает, что нужно играть ногтями, а кружок с точкой подушечками пальцев, для более мягкого звучания.
ПАРТИТУРЫ ЗВУКОВОЙ ПОЭЗИИ
Звуковая, или sound-поэзия, создается специально для дальнейшего облечения ее в звуки. За ней стоит одна из интереснейших тем – так называемая "музыка речи", о которой когда-то писал Сабанеев ("Музыка речи", 1920-е гг.) и Бальмонт ("Поэзия и волшебство") и которой всегда интересовались поэты, музыканты и люди театра.
Записываются произведения звуковой поэзии либо словами, либо при помощи специальных партитур. После этого они исполняются и фиксируются на пленку или CD.
В.Шерстяной. Фрагмент партитуры
Д.Булатов. Радио-поэма
Ры Никонова. Партитура № 1
А.Бабулевич
С.Бирюков
Заключение
Нотная запись, нотация прошла многовековой путь развития. Она продолжает изменяться и совершенствоваться до сих пор. Сегодня существует даже наука о нотах – нотоводство – одновременно наука и искусство применения музыкальной нотации в практике нотопечатания.
Среди задач нотоводства – изучение нотных изданий прошлого, анализ закономерностей и исключений применяемой в них нотации, поиск наиболее удачных решений для нотной записи новой музыки, построение алгоритмов нотации для использования в компьютерных программах-нотаторах.
Термин «нотоводство» появился в 2001 году в связи с необходимостью обозначить род занятий редакторов, корректоров, наборщиков, штамповщиков, гравировщиков, переписчиков, работающих в области нотного издательства, а также разработчиков компьютерного программного обеспечения и форматов данных, связанных с этой сферой. Тогда же возник интернет-журнал «Нотоводство», ставящий своей целью обсуждение современных технологий в нотопечатании и вопросов музыкальной нотации.
До сих пор нотные знаки остаются самым универсальным языком на свете, а умеющие читать их – обладателями многовековых сокровищ музыкальной культуры.
Список литературыБычков Ю.Н. Ладовая система Древней Греции. Лекция по курсу гармонии для студентов музыкальных вузов.- М.,2001 .
Дубинец Е. А. Знаки звуков. О современной музыкальной нотации. - Киев, 1999.
А.Карцев, Ю.Оленев, С. Павчинский Руководство по графическому оформлению нотного текста. - М., 1973.
Карцовник В.Г.Палеография и семиология (К изучению ранних систем музыкальной письменности). Музыкальная коммуникация: сб. научных трудов. Серия "Проблемы музыкознания". Вып. 8. СПб, 1996.
А. Кузьмин Нотация в музыке XX века: учебно-методическое пособие.-Челябинск, 2010
М. Нюрнберг Нотная графика. - Л., 1953.
Туков В.А., Алимова С.В. О способах графической записи микрохроматики тона // Матеріали ІІ Міжнародної науково-практичної конференції “Динаміка наукових досліджень 2003”. Том 6. Музика в житті людини .- Дніпропетровськ : Наука і освіта, 2003.
Финкельштейн Э.И. Музыка от А до Я. – СПб., 1993.
Энциклопедический словарь юного музыканта /Сост.В.В.Медушевский, О.О. Очаковская. – М., 1985.
Я познаю мир. Музыка: энциклопедия./С.В.Истомин. – М., 2007.
http://samogo.net/
http://musicnews.kz/
http://www.dgalaxy.net/music-notation-development.php
http://ru.exrus.eu/Istoriya-vozniknoveniya-not
http://dyak-oko.mrezha.ru/bukvar/
12
