Учебное пособие по предмету «Беседы о хореографическом искусстве» 1 год обучения

И.В. Чернова

Беседы о

хореографическом искусстве

(первый год обучения предмету)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

г. Билибино

2021 г.

 

 

И.В. Чернова

Беседы по хореографическому искусству:

Курс лекций для ДМШ: Первый год обучения предмету. – Билибино – 2021 – 125 с., ил.

 

 

Автор – преподаватель отделения музыкально-теоретических дисциплин Детской школы искусств г. Билибино. Данное пособие предназначено для домашней подготовки учащихся 4го класса отделения хореографии. Материал первого года обучения включает в себя сведения о возникновении танца, о его основных видах и о принадлежности танцев к той или иной эпохе, национальности и культуре.

 

 

На обложке – Русский, Белорусский,

Чукотский, Китайский танцы.

*словарь неизвестных слов

 

 

 

 

 

 

 

Хореография как вид искусства

Что такое хореография? Что мы подразумеваем под этим словом? Многие считают: хореография – это танец или хореография – это балет. В него входят не только сами по себе танцы, народные и бытовые, классический балет. Само слово «хореография» греческого происхождения (от греч. – χορεία -пляска, танец + γράφω – записывать, писать), буквально оно значит «писать танец», искусство сочинения и сценической постановки танца. Первоначальное значение – искусство записи танца балетмейстером, но позднее этим словом стали называть все, что относится к искусству танца.

Танцевальное искусство в целом во всех его разновидностях объединено термином – ХОРЕОГРАФИЯ. Специфика хореографии состоит в том, что мысли, чувства, переживания человека она передает без помощи речи, средствами движения и мимики.

Танец – это искусство, значит он передается с помощью богатейшей палитры выразительных средств. К выразительным средствам танцевального искусства относятся: – лексика танца и композиционный рисунок.

Хореографическая лексика – язык танца, его основные движения, положения тела, различные жесты.

Рисунок танца – это расположение и перемещение танцующих по сценической площадке.

Танец существовал и существует в культурных традициях всех человеческих существ и обществ. За долгую историю человечества он изменялся, отражая культурное развитие. В настоящее время хореографическое искусство охватывает и традиционное народное, и профессионально-сценическое. Танцевальное искусство присутствует в той или иной степени, форме в культуре каждого этноса, этнической группы.

Хореография родилась на заре человечества: еще в первобытном обществе существовали танцы, изображавшие трудовые процессы, воспроизводившие движения животных, танцы магического характера, воинственные. В них человек обращался к силам природы. Не умея их объяснить, он молился, заклинал, приносил им жертвы, прося удачной охоты, дождя, солнца, рождения ребенка или смерти врага. Путём естественного отбора движений и ритма у каждого народа сложились свои танцевальные традиции, манеры исполнения, хореографический язык.

В процессе исторического развития появляются различные виды танца (жанры):

народный (искусство, основанное на творчестве того или иного народа). Переходя от исполнителя к исполнителю, из поколения в поколение, из одной местности в другую, он обогащается, достигая в ряде случаев высоких художественных качеств;

б ытовой (или, как мы еще называем его, бальный) – это вид танца, имеющий народные истоки, но исполняемый на вечерах, балах и т.д.);

 

п рофессиональное искусство танца, включающий классический балет – вид сценического драматического искусства, требующий профессиональной хореографической обработки национальных и народных истоков. Основы классического танца вырабатываются при помощи экзерсиса, из которого состоит танцевальный урок, как ученика, так и профессионального артиста балета. Обучение классическому танцу включает в себя: изучение основных позиций рук, ног и постановки корпуса, ознакомление с профессиональной терминологией, историей развития балета, постановку маленьких классических форм: этюдов, адажио, вариаций и т.д.

 

 

 

Истоки танца

Истоки танца лежат в глубокой древности. Ещё в давние времена люди выражали свои мысли, чувства, поступки через движения. В танцах не звучит слово, выразительные движения без слов делают танец понятным для всех.

С начала человечество вкладывало в танцы свои представления и верования, танец был обрядом. В пляске человек вымаливал у неведомых богов счастливую охоту, обильный урожай, спасение от недугов. Такие обрядовые танцы по сей день можно увидеть у некоторых первобытных племён Австралии или американских индейцев. В танцах первобытные люди изображали животных, отрабатывали охотничьи приёмы, молили богов о дожде, плодородии. Танец для них был настолько связан с жизнью, что на языке мексиканских индейцев понятия «труд» и «танец» выражаются одним и тем же словом.

Первобытные люди подражали в танце природным явлениям. Эти танцы обычно исполнялись группами и имели определённые цели: изгнать злых духов, исцелить больного, о тогнать беду от племени. Самое распространённое движение здесь – топанье (возможно, потому, что оно заставляет землю трепетать и покоряться человеку).

В первобытном обществе были распространены танцы на корточках, танцующие любили кружиться, дёргаться и скакать. Иногда скачки и кружения доводили людей до потери сознания. Для танцев придумывались маски, сложные головные уборы, раскрашивалось тело.

Б лагодаря археологическим раскопкам известно, что танец уже существовал во времена среднего палеолита (300 – 35 тыс. лет назад). Неандертальцы, населявшие территории современной Африки, Европы и Азии, использовали танец, о чем говорят сохранившиеся до нашего времени наскальные рисунки.

Т анец всегда был тесно связан с музыкой. И, прежде всего, с ритмом. Первые «музыкальные» сопровождения танцев были исключительно ритмическими, немного позже добавилось пение, имитировавшее звуки природы. Певцы подчеркивали ритм песни ударами в ладоши или притопыванием: это самая древняя форма «пения с сопровождением». Вскоре люди убедились, что куски дерева, камни, раковины при ударе издают более громкие и разнообразные звуки. Так были изобретены первые музыкальные инструменты. Первобытные музыкальные инструменты колотушки и погремушки вызывали удивление и восхищение: их разрешалось держать в руках только вождям и старейшинам племени.

Первобытный танец можно разделить на три направления:

Ритуальный: форма исполнения – круг,культ Луны и Солнца,взывание к плодородию,

О брядовый: охотничьи (танцы исполнялись перед охотой.), тотемные (подражания животным) – основу составляли мифы и легенды.), военные (исполняли либо с оружием в руках, время от времени бросая его вперед (что показывало преследование бегущего врага) и назад)

Бытовой: (основной функцией было повествование некоего события, исполнялись для увеселения и развлечения)

Шло время, Люди постепенно стали понимать причины таких страшных для них явлений природы, как гроза, наводнение, засуха. Со временем танцы становятся развлечением. Танцевали везде: не только на праздниках в богатых дворцовых залах, но и в кабачках, на площадях, где собиралась беднота. Только простые люди кружились под немудрёные звуки самодельных инструментов, а знать танцевала под лютню, клавесин, скрипку, флейту, виолу, волынку. Постепенно появляется танцевальная музыка.

 

 

 

 

Античные танцы

Египет

Древний Египет оставил огромное культурное наследие для мировой цивилизации, произведения его искусства ещё в древности вывозились в различные уголки мира и широко копировались мастерами других стран. Своеобразные архитектурные формы – величественные пирамиды, храмы, дворцы и обелиски, вдохновляли воображение путешественников и исследователей в течение многих столетий.

Е гипетскими мастерами с оздавались прекрасные настенные росписи и статуи, были освоены способы производства стекла и фаянса, поэтами и писателями созданы новые формы в литературе. В числе научных достижений древних египтян было создание оригинальной системы письма, математика, практическая медицина, астрономические наблюдения и возникший на их основе календарь.

Сведения о танцах в Древнем Египте учёные получили из изображений, высеченных на камне, из древних скульптур и раскрашенной посуды, изображавшей танцы. В домашнем кругу, в общественном месте, в храме – всегда и везде встречается танец. Почти ни одно празднество, ни одна торжественная религиозная церемония не обходилась без танцев.

Богами-покровителями веселья, музыки и танцев у египтян являлись Хатор, Нехемаут и бородатый, карликообразный Хатий. Хатий – изображался всегда либо приветствующим бога Солнца, либо танцующим и играющим на музыкальных инструментах перед ним или перед богиней Хатор.

Танцы делились на:

Обрядовые, посвященные богам(выступали жрецы и даже фараоны, которые танцевали перед статуями богов, демонстрируя свою радость от общения с покровителем.)

Развлекательные, представляемые на пирах (принимали участие профессиональные танцовщицы, либо живущие в богатом доме или дворце фараона, либо путешествующие по стране с труппами бродячих акробатов и фокусников)

Т анец египтян был насыщен акробатикой и театральностью. Древние египтяне имели большие научные познания. В круговых танцах они имитировали движение светил. Египетские жрецы-астрономы даже разработали очень сложный танец звёзд. В нём движение шло от востока к западу вокруг фигуры Солнца. Жестами танцующие изображали знаки Зодиака.

Но египтяне посвящали свои танцы не только богам. Во время похорон или торжественных церемоний исполнялись строгие и простые танцы. В древности движения танцоров были размеренными, замедленными: сначала они шагали друг за другом, почти не отрывая ног от земли, и поднимали руки над головой ладонями вверх. Музыкальное сопровождение обеспечивалось хоровым пением.

Со временем рабов и рабынь стали обучать танцам для домашних развлечений. Для этого в Египет привозились танцовщики из других стран. Под их влиянием угловатые и жёсткие линии египетского танца превратились в мягкие и плавные.

Танцовщицы были одеты либо только в короткие юбки и головные уборы, либо в длинные, но абсолютно прозрачные туники. Мужчины танцевали в коротких юбках. Кстати, долгое время все слуги во время пиров прислуживали гостям совершенно обнаженными.

МУЗЫКАЛЬНОЕ СОПРОВОЖДЕНИЕ ТАНЦЕВ

Известно, что музыкальные инструменты и ритмы Египта во времена фараонов совершенно отличаются от тех, что используются в современной музыке.

До 19 века в египетской музыке использовались характерные неровные ритмы, имеющие некоторое сходство с турецкой классической музыкой, ритм подчеркивался с помощью хлопков в ладоши и различных ударных инструментов. А некоторые исполнители использовали в танце хлопушки из дерева, чем задавали тон танцу.

Греция

Ни в одну историческую эпоху, ни в одной стране мира никто так не превозносил танец, как древние греки, которые видели в нем "единство душевной и телесной красоты" и считали танец прекрасным даром богов. Да и древнегреческие божества сами с удовольствием предавались пляскам.

Считалось, что сам Аполлон, бог Искусства, написал первые правила искусства танца. Древние греки поклонялись многим богам, среди них была также муза танца и хорового пения Терпсихора. Древние греки так трепетно относились к танцу, что сделали музу Терпсихору, "ответственной" за искусство пляски, муза предстает в простой тунике с лирой в руках, на голове венок из плюща.

Г реки хорошо танцевали – водили хороводы, знали. Греки понимали танец очень широко, рассматривая его и как гимнастику, средство оздоровления тела, и как мимическое искусство.

Пляски были обязательным учебным предметом в гимназиях, а свободный гражданин, не умевший танцевать, подвергался насмешкам и осуждению.

В трагедиях хор исполнял эммелею – танец, состоящий из патетичных, величественных, благородных движений. Этот танец передавал чувства богов и героев.

В комедиях чаще всего танцевали кордак, пляску сатиров (сатиры – фантастические существа с козлиными ногами и рожками). Это была быстрая пляска, темпераментная, изобилующая головокружительными, прямо-таки цирковыми прыжками, кувырканьями и раскованными позами. Хор у греков танцевал. Танцоры били себя в грудь и даже колотили партнёров. Эти танцы были наполнены акробатическими трюками. Его исполняли только профессиональные, специально обученные танцовщики.

Древние греки делили танцы на несколько видов:

священные танцы (обрядовые, ритуальные);

военные пляски (большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувство долга у юношества в Древней Греции играли военные пляски – пиррихии);

сценические;

общественно – бытовые танцы.

Любимым развлечением древних греков были трапезы в дружеском кругу – симпозиумы. В них принимали участие профессиональные танцоры.

В наше время старинный греческий танец «сиртаки» танцуют не только греки, но и во всем мире.

 

 

 

 

 

Рим

В Древнем Риме в отличие от Греции в основном использовались воинственные и дикие пляски для поднятия боевого духа, а не для массовых празднований и веселья.

Во времена правления Нумы Помпилия (царь Рима (второй по счёту). Ему приписывается упорядочение календаря), зародилось такое понятие, как салийские пляски. Этот танец исполняли специально отобранные представители почитаемых и знатных родов в количестве двенадцати жрецов. Салийский танец исполнялся в храмах и прославлял народных героев и богов. В то же время в Древнем Риме развивалась такая разновидность хореографии, как пирриха, которая представляла собой ансамблевые постановки.

Римляне внесли в историю мирового танца большой вклад как создатели пантомимы*. Танцор с помощью жестов и мимики изображал животных, птиц.

П антомима как спектакль была впервые исполнена публично в 23 в. до н.э.

Пирриха Мимы Древней Греции

 

Хотя в Древнем Риме и преобладала пантомима, ритуальный танец там тоже не был забыт. Для разных случаев существовали разные обрядовые пляски, которые устраивались в честь того или иного бога или события: обряд плодородия, календарные праздники. Со временем эти действия переросли в народные массовые праздники, карнавалы и шествия.

Стоит отметить, что римляне внесли колоссальный вклад в историю и развитие мировой культуры танца как создатели пантомимы, под аккомпанемент небольшого оркестра.

И греки, и римляне придавали большое значение музыке и танцу. В знатных семьях детей обязательно обучали пению, игре на кифаре и танцам. Профессия учителя музыки, танца была особенно почётна.

 

 

 

 

 

 

 

 

Эпоха Средневековья

 

Краткая характеристика эпохи Возрождения

Средние века – это исторические период, захватывающий время от падения Римской империи до Нового времени, начала английской промышленной революции.

Средневековье не однородно, эту эпоху делят на три больших периодов:

ранний, с 5 по 10 века;

высокий, с 10 по 14 века;

поздний, 14-16 века.

Однако эти градации довольно приблизительны, точных дат перехода от одного периода к другому, исторических событий, связанных с этим, ученые не указывают.

В числе БАЗОВЫХ ХАРАКТЕРИСТИК эпохи Средневековья:

феодальная земельная собственность, когда собственниками земли являются феодалы*, использующие труд полузависимых крестьян;

система вассальных отношений между феодалами, когда сеньор наделяет землёй своих вассалов*, а те за это несут военную службу;

господство католической Церкви, стремление Римских Пап подчинить своей власти всех монархов Европы, которое, однако, полностью никогда не осуществилось;

цеховая организация ремёсел в городах, сдерживавшая конкуренцию.

Каждый населенный пункт был крепостью, а жилища богатых людей – замками. Богатые воины назывались рыцарями, для того чтобы выяснить кто лучший воин устраивались рыцарские турниры.

В средние века в Европе проходили жестокие войны, крестовые походы. Церковь соперничала с властью короля. Крестьяне поднимали восстания.

Церковный надзор в Средневековье был настолько строг, что танцоры не могли открыто проявлять свои таланты. Для тренировок оставались ночные часы, но и в это время следовало соблюдать особую осторожность. Танцующие пары могли обвинить в колдовских деяниях. А наказание за такое – костер.

Понять, как представляли себе искусство танца в средние века, довольно непросто. Читать, писать умели лишь вельможи и церковники, а у них не было желания вникать в особенности танцевальной жизни народа.

Но даже в такие страшные времена танец продолжал жить и развиваться.

Во всех странах Европы в это время бродят артисты, певцы, музыканты. Они умели сочинять песни, исполняли весёлые и поучительные сценки, были циркачами, играли на всевозможных музыкальных инструментах. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в странах немецкого языка – шпильманом, на Руси скоморохом. Церковь жестоко преследовала их за то, что они развлекали народ.

Священники строго следили за тем, чтобы мысли людей были заняты только богом. Церковь утверждала, что настоящая жизнь человека начинается после смерти, а на земле он должен отказываться от всех радостей жизни.

Для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха смерти. Так возникает образ танцующей смерти. Танец смерти особенно широко распространился в Европе в 14 веке, в периоды эпидемии чумы. Обычно он начинался быстрой пляской. Затем один из танцоров внезапно падал на землю, изображая мёртвого, а остальные продолжали танцевать вокруг него, как бы оплакивая покойника. Если мертвеца изображал мужчина, его возвращали к жизни поцелуи девушек, если девушка – её целовали мужчины. После «воскрешения» следовала общая хороводная пляска.

 

Образы смерти

 

 

 

 

А теперь немного о самих танцах – вообще все средневековые танцы можно условно разделить на две большие группы:

придворные или «благородные» (изысканные и манерные, ведь их танцевали не простые крестьяне, а всевозможные благородные рыцари и дамы, князья и княгини, особы королевских кровей и прочие VIP персоны средневековых времен);

народные или «низкие» (были лишены излишней манерности и благородного пафоса, они такие же простые и незатейливые как какой-то средневековый крестьянин, который всю неделю тяжело работал в поле, а теперь ему не помешает немного развеяться – поскакать в танце, а заодно и немного пофлиртовать с милыми средневековыми барышнями)

Народные танцы были лихими, удалыми, быстрыми. А костюмы богачей не позволяли им так танцевать. Поэтому придворные танцы были чинными, степенными, изящными, они исполнялись только 2-3 раза в году по большим церковным праздникам с одобрения священников.

В 12 веке рыцари* стали петь под балконами прекрасных дам, сочинять им стихи. Поэтому среди обычных воинских занятий рыцаря были обязательны занятия музыкой танцами. Если рыцари постоянно участвовали в турнирах на открытом воздухе, то и танцы стали исполняться на улице. Обычно танец возглавляла одна пара, к ней присоединялись другие, медленно двигаясь по кругу.

Танцы эпохи Средневековья

Существует несколько видов средневековых танцев. Наиболее распространенными в те времена были:

хороводы;

придворные танцы;

контрдансы.

Хороводы, вероятно, являются самым старым типом и, возможно, самой старой формацией средневекового танца, известного современным ученым. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца ещё не существовало. С помощью танца кавалеры знакомились с дамами и ухаживали за ними. Движения были самыми простыми, так как во время танца люди ещё и пели.

Придворные танцы, как несложно догадаться по их названию, исполнялись при королевских дворах. В исторических документах встречаются записи относительно па этих танцев, которые чаще всего состояли из шагов на носочках, прыжков и нескольких реверансов. Наиболее распространенными придворными танцами были бассе, алман, черная лошадка и павана.

Контрданс изначально считался народным танцем и отличался тем, что в нем использовались как круговая, так и линейная формации. Также в данной разновидности танцев встречались много хлопков и шагов вперед-назад. Самыми популярными контрдансами во время средневекового периода были яичный танец, кадриль, павана, фарандоль и бургундский танец.

Е ще одним типов средневековых танцев были линейные танцы, хореография которых состояла из повторяющихся шагов. В отличие от хороводов, где танцоры образовывали круг, в линейном танце исполнители выстраивались в линию или несколько рядов. Из данной разновидности наиболее часто встречались ла спанья (бассе), моррис и джига.

В каждой стране были свои танцы. Например, народ Италии очень любил сальтареллу (танец с прыжками). У итальянцев танцы часто назывались по имени городов и мест, где они родились: венециана, флорентина, сицилиана (по названиям городов Венеция, Флоренция, остров Сицилия). В Италии ещё танцевали бранль – танец с покачиваниями, раскачиваниями.

Мальтийский Бранль, другое название – Морозуля (или еще его называют «крестьянский Бранль»). Вообще это один из самых простых средневековых танцев, научиться его танцевать можно за 5 минут. Но в нем есть своя особенность, которая делает этот танец зажигательным – темп музыки постоянно ускоряется и двигаться надо все быстрее и быстрее.

Норвежский круговой танец Vittard – где-то так танцевали суровые северные викинги (они же варяги), которые, было дело, наводили страх на всю Европу.

И наконец, самый популярный ирландский средневековый танец – джига. Первая джига появилась еще в 12-м веке как танец храбрых ирландских моряков (и пиратов по совместительству), а широкое распространение получила уже в 15-м и 16-м веке (причем не только в Ирландии, но и по всей Западной и Северной Европе). Со временем появилось очень много различных джиг.

Очень любили во всех странах Европы танец-сценку –

мореска. В мае на городскую площадь выносили украшенное дерево, вокруг которого танцевали мореску. Танцовщики делились на чёрных и белых, которые создавали иллюзию боя между маврами и европейцами.

Все эти танцы – народные. Их танцевали, спрятавшись от посторонних глаз. А богатые вельможи не могли развлекаться: ведь у каждого в замке жил собственный священник, который строго запрещал танцы и всю музыку, кроме церковной.

Лишь 2-3 раза в год богатые исполняли чинный медленный танец бассданс и неспешную строгую павану.

Бассданс

Павана

 

 

 

 

 

Средневековые танцевальные костюмы

Мужчины и женщины высшего класса общества надевали более яркие и экстравагантные наряды для танцев. Женщины в основном носили платья, которые были сделаны из шелка и других дорогостоящих материалов.

Также костюмы отличались тем, что в них использовались различные виды кружев, причем как женщинами, так и мужчинами. Женщины же под костюмы надевали корсеты и сильно плиссированные юбки, чтобы сформировать округлые формы нижней части платья.

Г оловные уборы были очень популярны среди женщин из высшего класса общества, поскольку они играли важную роль в средневековой формальной одежде – их носили не только во время танцев, но и во время общественных мероприятий.

Мужчины же носили смелые цветные туники, которые были в основном украшены их родовыми гербами. Некоторые же цепляли на пояс с правой стороны мечи. Также была принята кожаная обувь и меховые шляпы, украшенные аксессуарами.

Крестьяне же носили свою повседневную одежду во время танцев. У большинства крестьян во время средневековья был только один комплект одежды, но если у них была «выходная» одежда, то для танцев надевали ее. Женщины обычно носили простые цветные платья, а мужчины – цветные шерстяные куртки и рубашку. Средневековая танцевальная музыка

Средневековая танцевальная музыка

Средневековая танцевальная музыка довольно сильно отличалась в зависимости от различных видов танцев. В основном применяли такие инструменты, как колокольчики, барабаны всевозможных видов и бубны. В то же время другие виды танцев использовали только пение в качестве аккомпанемента.

 

Эпоха Возрождения

 

Краткая характеристика эпохи Возрождения.

Возрожде́ние, или Ренесса́нс («рождаться опять, возрождаться») – имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам.

Почему роль эпохи Возрождения заметна больше, чем значение какой-либо другой эпохи? Потому что концепция эпохи Возрождения была достаточно жизнеутверждающей, излучающей веру в то, что человек способен на многое. Ренессанс не остался в учебниках или музеях, он вдохновлял и продолжает вдохновлять множество людей.

Значение эпохи Возрождения для европейской культуры настолько огромно, что определило дальнейшее развитие всех областей: от науки до поэзии. Оно стало переходным между Средневековьем и Просвещением, но сделанные за этот период творения делают эпоху Ренессанса по-настоящему особенной.

Все началось с Италии, как таковые термины тоже были придуманы итальянцами, в том числе и название «ренессанс», который означает «заново рожденный». Рост влияния сословий создает людей, которым была чужда религиозная, аскетичная* культура, созданная Средневековьем.

Расцветает интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин.

Эпоха Возрождения длилась с XIV века по конец XVI века. Этапы развития таковы:

Проторенессанс (Раннее Возрождение) – с XIV века по начало XV века;

Высокое возрождение (Наивысший расцвет эпохи, который простирался во времени со второй половины XV века по первую половину XVI века);

Позднее (северное) возрождение – с конца XVI, а в некоторых странах начало XVII века.

Мир эпохи Возрождения был чрезвычайно разносторонен. Именно в это время произошло развитие естествознания, географии, астрономии, механики, искусства, архитектуры, науки. Изобретение книгопечатания дает возможность людям получить образование, поэтому оно становится важной частью жизнедеятельности.

Воспитание в эпоху Возрождения было таковым, что человека видели образованным, культурным, обладающим ораторским искусством, умеющим воздействовать на ум окружающих. Поэтому деятели эпохи Возрождения часто были не просто первоклассными художниками, но и изобретателями, например, Леонардо да Винчи.

 

Художники эпохи возрождения:

Джотто – творивший в эпоху Проторенессанса – на фресках стали изображаться, лаконичные фигуры с первыми эмоциями: тоской, томлением, удивлением.

Л еонардо да Винчи – не только создал на полотнах живые образы, но и занимался механикой, анатомией, литературой, философией. Его называют олицетворением эпохи Возрождения.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Микеланджело – изображал развитые, сильные тела, создавая образ человека эпохи Возрождения

 

Рафаэль – создавал чувственные образы, тщательно строил композицию картины

 

 

Тициан – экспериментировал с колоритом, композицией, техникой.

 

 

 

 

 

 

 

 

Картины художников эпохи Возрождения по сегодняшний день считаются вершиной изобразительного искусства. Каждый образованный человек знает имена этих гениев и стремится увидеть творения в живую.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Писатели эпохи возрождения:

Развитие театра приводит и к эволюции драматургии, поэтому появляются такие авторы, как Лопе де Вега и Тирсо де Молина, Боккаччо , Себастьян Брант. Пьесы этих авторов до сих пор собирают полные залы, являются репертуаром классического театра, удивляя зрителя актуальностью тем и сочностью языка. Достижения драматургии эпохи Возрождения дают шанс полностью раскрыться таланту У. Шекспира, который впитывал в себя знания мыслителей Ренессанса, например, у него есть множество реминисценций из Мишеля Монтеня. Великий поэт эпохи Возрождения – Франческо Петрарка. Именно он стал родоначальником новой европейской лирики, создавая в сонетах гармоничное сочетание чистоты и любовного томления, страсти и непорочности.

Композиторы эпохи возрождения:

Безусловно, композиторы эпохи Возрождения развивали не только традиционные направления, но и инструментальную музыку, расширяя ряд используемых музыкальных инструментов (струнно-смычковые инструменты, клавир и так далее). Деятельность музыкантов эпохи Ренессанса создала возможность появления в будущем оперы, обеспечив искусству звуков и мелодий планомерное и продуктивное развитие.

Джованни Палестрина создал образец католической духовной музыки, а Андреа Габриели соединил хор со звучанием других инструментов, приближаясь к светской музыке. В Англии в разные века творили композиторы Джон Дабстейл и Уильям Бёрд – звание «родоначальник музыки».

Архитекторы эпохи возрождения:

« Отцом архитектуры» эпохи Возрождения называют Филиппо Брунеллески. Он создал множество произведений искусства, одним из которых является церковь Сан-Лоренцо.

 

Ещё один представитель раннего Ренессанса архитектор Альберти построил во Флоренции дворец Ручеллаи.

 

 

 

 

В период Высокого Возрождения главным в архитектуре был Донато Анджело Браманте. Он был первым архитектором собора святого Петра в Риме, создал его план.

 

В эпоху Ренессанса кардинально меняется отношение к танцу: из греховного, недостойного занятия, он превращается в обязательную принадлежность светской жизни и становится одним из самых необходимых для благовоспитанного и образованного человека навыков.

 

Законодательницей танцевальной моды была Италия. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные представления типа интермедий* с песнями и танцами. Дворяне хотели как можно дальше отойти от народных плясок. В дворянских домах 15-16вв. устраивались маскарады и карнавалы.

Э тикет придворного общества был очень строгим, соблюдение правил этикета считалось обязательным, и это привело к тому, что в придворном обществе появляется учитель танцев (танцмейстер) – преподаватель изящных манер.

Профессиональные танцмейстеры заранее репетировали с дворянами отдельные па и фигуры и режиссировали движения групп танцующих, а зрителями были другие придворные. Они устанавливают основные движения: шаг, полушаг, двойной шаг, поворот, полуповорот, благородная поза.

Т анцы эпохи Возрождения более сложны, чем незатейливые бранли позднего средневековья. На смену танцам с хороводной и линейно-шеренговой композицией приходят парные (дуэтные) танцы, построенные на сложных движениях и фигурах.

Почти все танцы сопровождались бесконечными поклонами (реверансами), исполнению которых придавалось большое значение, так как они были часть придворного этикета.

Реверанс – почтительный поклон. Его характер зависел от формы и покроя одежды. Особое внимание в поклоне уделялось умению кавалера обращаться со своим головным убором. Он снимал шляпу перед поклоном и приветствовал даму, делая салют. Класть руку на эфес шпаги, откидывать пелерину, делать самые простые движения и жесты придворные должны подчеркнуто и красиво. Перед королем и королевой их делали особенно почтительно и глубоко.

Р еверанс приобрел особое значение в популярнейшем танце того времени – менуэте, где изящные движения рук, утонченные поклоны придавали всему танцу необычайную галантность.

Сдержанность и подчеркнутость осанки объяснялись во многом покроем придворной одежды: у дам были платья из тяжелой материи с очень длинными шлейфами, у мужчин – кафтаны, трико, обтягивавшие ноги, и узкие башмаки с длинными клювовидными носками. Одежда сковывала свободу движений.

В эпоху Возрождения появляются многочисленные книги и руководства по хореографии. Первым итальянским теоретиком танцевального искусства считают Доменико, или Доменикано, из Пьяченцы «Об искусстве танца и пляски».

Среди итальянских трудов по хореографии XVI века заслуживает внимания книга Фабрицио Карозо «Танцовщик».

П оявляется "Золотая рукопись бассдансов", принадлежащая Маргарите Австрийской, где зафиксированы движения и сопровождающие мелодии. О том, что эти танцы к началу XVI столетия получат все европейскую известность, свидетельствует и английский учебник бассдансов, выпущенный Робертом Комиландом в 1521 году

Народ исполнял бытовые танцы в простой и естественной манере, не придерживаясь специальных правил. Придворные танцы эпохи Возрождения в большинстве своем – народные танцы, переработанные и видоизмененные согласно правилам этикета. Только незначительное число танцев возникло непосредственно в дворцовой среде.

 

Танцы эпохи Возрождения

Аллеманда – танец немецкого происхождения, известный с 16 века. Сначала её танцевал народ, а с 16 века она появилась при дворах английского, французского и других королей. В огромных залах медленно двигались пары в тяжёлых одеждах. Мелодия плавная, размер 4/4, обязателен затакт – это движение с каблука на носок, свойственное этому танцу. Исполнители становились парами друг за другом. Количество пар не ограничивалось. Кавалер держал даму за руки. Движения танца состояли из простых, спокойных шагов и двойного бранля. Шаги делали вперед, в сторону, отступая назад. По ходу танца нередко исполняли grue без прыжка, поднимая ногу в воздушную позицию (pied en I'air).

Колонна двигалась по залу, и, когда доходила до конца, участники делали conversion – поворот на месте (не разъединяя рук) и продолжали танец в обратном направлении.

Вольта – (фр. – поворачивать;) – старинный парный танец провансальского или итальянского происхождения в быстром и умеренно быстром темпе. Основной рисунок танца состоит в том, что кавалер проворно и резко поворачивает в воздухе танцующую с ним даму. Этот подъем обычно делается очень высоко. Движения вольты, связанные с подъемом дам в воздух, – прообраз будущей поддержки в сложной технике сценического танца

Б ранль (фр – качание, хоровод) – первоначально народный хороводный, позднее также бальный, придворный танец 15-17 веков. Характерными движениями является покачивание корпуса. Темп танца – умеренно быстрый, оживленный. Народный бранль – энергичен, порывист, чеканен, бальный – более плавен и спокоен, с большим количеством реверансов. Известны его многочисленные разновидности, отличающиеся друг от друга по размеру, темпу, хореографии (простой Бранль, двойной, Бранль прачек, башмака, с факелом, с поцелуями и др.) и местные варианты (Бранль из Пуату, из Шампани)..Бранль явился первоисточником всех появившихся позднее салонных танцев и сыграл большую роль в развитии бальной хореографии, не смотря на то, что по хореографии был еще довольно примитивным.

Гальярда (фр.- весёлая, бодрая) – старинный парный танец из Северной Италии, распространившийся по всей Европе. Размер 3/4, темп умеренно быстрый, пунктирный ритм (подпрыгивающие движения). Кавалер двигался по залу вместе со своей дамой. Когда мужчина исполнял соло, дама оставалась на месте. Мужское соло состояло из разнообразных сложных движений. После этого он снова подходил к даме и продолжал танец. Гальярда называлась еще "пять па", или "романеска". В основе танца пять движений: четыре небольших шага и прыжок.

Д вижения танца могли делаться вперед, назад, в стороны, по диагонали. Их направление выбирали сами танцующие. Как утверждает ряд исследователей, именно прыжки способствовали успеху гальярды.

Куранта (фр. – бегущая, текущая) – итальянский, затем французский придворный танец со скользящими движениями, сложными, затейливыми фигурами. Танцевали куранту парами, с чередованием сольных эпизодов. Размер 3/4, темп умеренный или быстрый. Куранта была простая и сложная. Первая состояла из простых, глиссирующих шагов, исполнявшихся преимущественно вперед. Сложная куранта носила пантомимический характер: трое кавалеров приглашали трех дам для участия в танце. Дам отводили в противоположный угол зала и просили танцевать. Дамы отказывались. Кавалеры, получив отказ, уходили, но затем возвращались снова и становились перед дамами на колени. Только после пантомимной сцены начинался танец. В сложной куранте движения исполнялись вперед, назад и в сторону.

М ореска (ит. – мавританская пляска) – остается в эпоху Возрождения одним из самых популярных танцев, становясь принадлежностью различных городских театрализованных зрелищ и спектаклей зарождающегося музыкального театра. Мореску танцуют на балу и в деревне, профессиональные танцовщики и представители высших слоев общества. Во время майских праздников на городскую площадь выносили разукрашенное дерево, вокруг которого танцевали мореску. Воины становились в круг и, поднимая мечи, создавали видимость цветка розы. Во времена средневековья мореска была пантомимическим танцем, воспроизводящим битву между христианами и маврами. Исполнители роли мавра носили гротескные костюмы с колокольчиками у щиколоток и выкрашивали лица в черный цвет, а в музыке преобладали пунктирные ритмы и экзотические тембры. Темп быстрый.

П авана (лат. павлин) – испанский танец, распространившийся по всей Европе. Торжественно и горделиво исполнялся парами. Размер 4/4, темп медленный. Павана, как и менуэт, исполнялась строго по рангам. Начинали танец король и королева, затем в него вступал дофин со знатной дамой, потом принцы и т.д. Танцевали павану одной или двумя парами под аккомпанемент тамбурина, деревянных инструментов, флейты. Кавалеры исполняли павану при шпаге и в пелеринах. Дамы были в парадных платьях с тяжелыми длинными тренами, которыми нужно было искусно владеть во время движений, не поднимая их с пола. Перед началом танца полагалось обходить зал. В конце танца пары с поклонами и реверансами снова обходили зал. Во время танца у дамы были опущены глаза; только время от времени она смотрела на своего кавалера.

Салтарелла – (ит. – прыгать, скакать) народный парный итальянский танец. Салтарелла – очень простой танец, он не имеет установленных фигур. Основное движение – balance. Но исполнители должны обладать ловкостью и силой, так как темп в танце все время нарастает, доходя до очень бурного. Число пар, участвующих в танце, может быть очень большим.

Как и многие другие народные танцы, салтарелла начинается иногда игровой пантомимной сценой. Мужчина делает несколько па перед женщиной, как бы приглашая ее на танец. Женщина не сразу принимает приглашение; она смотрит немного в сторону и кокетливо играет фартуком. Удар барабана дает сигнал к первому прыжку. В хороводной салтарелле танцующие стоят, тесно прижавшись, друг к другу, их тела наклонены вперед, головы почти сталкиваются в центре круга; руки кладутся на плечи друг другу. Босые ноги мягко скользят по земле. Исполнители мерно раскачиваются в такт движению ног.

С арабанда – старинный испанский танец. В Испании сарабанду танцевали только женщины. Аккомпанементом служили кастаньеты, гитара и песни участниц. У нее был живой ритм, грациозные движения. Позже сарабанду стали танцевать при королевском дворе, где она превратилась в торжественное медленное шествие, часто в миноре. Размер 3/4. Темп медленный. У себя на родине сарабанда попала в разряд непристойных танцев и в 1630 году была запрещена Кастильским советом.

Знатоки старинных танцев по-разному определяют смысл слова "сарабанда". Одни утверждают, что оно происходит от названия инструмента,служившего аккомпанементом при пении, другие считают первоисточником еврейское слово Zara, что означает "ходить кружась", третьи – персидское слово serband.

Фарандола – французский народный танец в быстром темпе, в размере 6/8 или 2/4. Танцующие держат друг друга за руки, образуя цепочку, и, следуя за ведущим, движутся по улицам, исполняя самые разнообразные движения. Перед танцующими несли изображение чудовища, а танцоры дразнили его.

Термин «Фарандола» производят от испанского farandula – названия группы бродячих исполнителей, очевидно, потому, что перед танцующими обычно шли музыканты с тамбурином и флейтой. Вторая версия происхождения названия танца от греческого слова, буквально означающего – фаланга-невольник, что скорее всего связано с хореографией фарандолы: многочисленные участники танца брали друг за друга за руки (ленты, платки) и образовывали длинную цепочку, движения которой направлял ведущий с флажком или платком в руке (для сигнализации при смене танцевальных фигур).

М енуэт – один из самых популярных танцев XVI – XVII веков. Как и большинство танцев, он возник из французского крестьянского бранля. Свое название он получил от pas menus, маленьких шагов, характерных для менуэта. Исполнение менуэта отличалось изяществом и грацией, что немало способствовало его быстрому распространению и популярности в придворном обществе.

Любимым танцем королевского двора менуэт становится при Людовике XIV. Пышная одежда исполнителей обязывала к медленным движениям. Движения кавалера носили галантно-почтительный характер и выражали преклонение перед дамой.

При французском дворе менуэт очень скоро стал ведущим танцем. Его называли "королем танцев и танцем королей". Исполнители располагались строго по рангам. В первой паре шли король и королева, после них – дофин с одной из знатных дам. Долгое время менуэт исполнялся одной парой, затем число пар стало возрастать. Менуэту обучались долго, несмотря на его незамысловатый основной шаг. Это объясняется тем, что очень трудно давалась манера исполнения. Переход от одного движения к другому должен был совершаться без рывков и точном ритме, плавно, красиво. Особенно сложной была мужская партия, в которой большую роль играли движения со шляпой. Ее следовало элегантно снять во время реверанса, красиво держать попеременно то в одной, то в другой руке и непринужденно надеть. Руки танцующих, мягкие, пластичные, с красивым изгибом кистей, дорисовывали позы менуэта.

П олонез (фр. – «польский»)- танец-шествие польского происхождения, известный с 16 века. Развился на основе народного танца, который в Польше назывался «пеший». Танцевали его на свадьбах и других сельских праздниках. Размер у него был 4-дольный, темп медленный и имел отличительные черты свойственные различным областям Польши. Изначально полонез танцевали только мужчины, но в процессе эволюции полонез становится 3-дольным, и в нем начинают принимать участие и женщины.

Полонез становится одним из самых популярных танцев всей Европы, торжественным танцем-шествием, открывающим торжественные танцевальные вечера. Под торжественно-фанфарную музыку гости показывали себя, свой наряд, светскость манер и благородство. Основным движением танца был изящный и легкий шаг с плавным неглубоким приседанием. Танцующие также исполняли реверансы и поклоны. Полонезу были свойственны строгая, горделивая осанка, собранность и подчеркнутое внимание к своей даме. Танцующие пары составляли одну или две колонны, круги, линии, гирлянды, «змейки» и т.д.

Народный и бытовой танец Франции XVI – XVII веков сыграл исключительно большую роль в развитии балетного театра и сценического танца.

 

Эпоха Барокко (17-18 век)

Краткая характеристика эпохи барокко.

Барокко (итал.- «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт.- «жемчужина неправильной формы») – характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия.

Эпоха барокко – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Формируются новые взгляды на религию и человека. Возникают новые направления в науке. Имена мастеров и деятелей искусства эпохи барокко до сих пор гремят на весь мир.

Эпоха барокко высвобождает время городских жителей ради развлечений: вместо паломничеств – променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров – «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий – театр и бал-маскарад. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков).

Барочный человек отвергает естественность, которая сравнивается с дикостью, бесцеремонностью, зверством и невежеством. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках.

А идеалом мужчины в эпоху барокко становится кавалер, джентльмен – от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Он предпочитает брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета*.

Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (1611), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечные живые организмы (1675). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира: в 1492 году Х. Колумб открыл Америку, Васко да Гама в 1498 году – морской путь в Индию. В 1519-1522 годах Ф. Магеллан совершил первое кругосветное плавание, к 1533 году предложенная Н. Коперником концепция движения Земли вокруг Солнца стала завоевывать признание.

Литературными символами эпохи становятся путешественники и искатели приключений: Робинзон Крузо, судовой врач Гулливер и барон Мюнхгаузен.

1445 году Й. Гутенберг положил начало книгопечатанию.

С кульптура – неотъемлемая часть стиля барокко. Величайшим скульптором и признанным архитектором 17 века был итальянец Лоренцо Бернини (1598-1680). Среди самых известных его скульптур – мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа «Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей.

Д ля архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России, Ян Кристоф Глаубиц в Речи Посполитой) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме.

Для стиля барокко характерна показная роскошь, хотя он сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.

Настенная роспись (один из видов монументальной живописи) использовалась в украшении европейских интерьеров. В эпоху барокко она получила наибольшее распространение. В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены и части декора, позолота.

М ебель была предметом искусства, и предназначалась практически только для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.

С амые характерные черты живописи барокко – броская цветистость и динамичность; яркий пример – творчество Питера Пауля Рубенса и Караваджо.

Микеланджело Меризи (1571-1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников эпохи барокко. Его картины написанны на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, такие как Аннибале Карраччи или Гвидо Рени, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

Значительно пошатнулось и представление о «венце Творения» – человеке. В XVII столетии Блез Паскаль написал знаменитые слова: «Человек всего лишь мыслящий тростник, удел его трагичен, … Он улавливает лишь видимость явлений, ибо неспособен познать ни их начало, ни конец».

П редставители музыкального искусства – Генри Пёрселл, Джованни Баттиста Люлли, Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель, Доменико Скарлатти. Ведущее положение у жанров кантаты, оратории, оперы. Характерно возникновение инструментальных жанров.

 

Танцы эпохи Барокко

Танец барокко – это то, что сейчас принято называть придворным танцем. В то время он был известен как Belle Danse(фр.- буквально «красивый танец») – включает в себя бальные танцы, такие как куранте, менуэт, гавота, сарабанда, жига, форлана, лурэ, паспье или ригаудон. Стиль придворного танца был привезен во Францию ​​Марией Медичи. Позже точные движения и изящные жесты, характерные для барочных танцев стали основой классического балета.

Сам Людовик XIV (с самого раннего возраста посвятил несколько часов в день танцам и получил имя «Король Солнца») выступал публично в нескольких балетах. В марте 1662 года король основал Академию королевских искусств. Это была первая профессиональная танцевальная школа и труппа, которая установила стандарты и словарный запас для балета по всей Европе. Учеными (таким как Луи Пекур, Пьер Бошан, Рауль-Оже Фейе и Шарль Компан) были написаны написать хореографические и танцевальные сборники.

Х ореографические постановки все больше и больше насыщались утонченностью, манерностью и, в конце концов, превратились в бальные танцы, которые исполнялись на грандиозных придворных празднествах и торжествах. Особенностью танцев этого периода являлись четкая симметрия и исключение повтора движений. Кстати, именно во времена барокко появились различия между мужскими и женскими танцевальными движениями.

 

Бурре – фр. – набивать, колотить, делать неожиданные или резкие прыжки.

Старинный французский народный танец. Изначально был танцем дровосеков, которые. Как бы уминая связку дров, периодически резко ударяли подбитыми гвоздями башмаками (сабо). В различных областях бытовали бурре 2-х дольного и 3-х дольного размера. Аккомпанементом к бурре часто было пение самих исполнителей. Игра на волынке, удары каблуками, выкрики.

Придворный буре – танец с характерным четным размером, энергичным темпом, четким ритмом и чаще всего начинающийся с затакта в одну четверть. Во второй половине 18 века исчезает из бальной практики, так и из композиторской. Интерес к жанру возрождается лишь в конце 19 века.

Гавот – один из любимейших французских танцев, который включали и в оперу, и в сюиту. Движения гавота манерные и жеманные. Гавот исполнялся в размере 2/4 или 4/4 в умеренном темпе парами, движущимися как хоровод. Став придворным танцем Франции, гавот существенно изменил первоначальный, весьма унылый характер. Теперь это галантный, вычурный и манерный танец – стиль рококо в хореографии. Усложняется и танцевальный язык: легкие скользящие движения сочетались с изысканными реверансами, изящными вычурными позами, движений рук отличались большей танцевальностью. Современники отмечали, что гавот походит на маленький балетный спектакль для двух исполнителей.

Ж ига – этот салонный танец конца XVII и начала XVIII века целиком заимствован из народных шотландских жиг. Исполнялся под аккомпанемент старинной скрипки, которую за необычайно выпуклую форму прозвали «жига» – окорок. Если снять в этом танце классическую закономерность танцевальных движений и исполнять их тяжелее и больше на полу, чем в воздухе, то сразу же во французской жиге обнаружатся характерные черты популярного народного шотландского танца.

Салонная жига, кроме классических танцевальных форм, отличается от шотландских народных жиг ещё и музыкальными темпами. Шотландские жиги – очень быстрые танцы, а французские жиги имеют музыкальный размер 6/8, в них нет характерного акцентирования сильных и слабых долей такта, свойственных шотландской жиге.

 

В 17 веке бальными танцами стали польские мазурка и полонез, полюбившиеся во всех странах Европы. Однако в это время бальными становятся и некоторые испанские, шведские и шотландские танцы.

Паспье – французский танец, ставший в 17 веке придворным. Его музыкальный размер 3/4 или 3/8, начинается с затакта в быстром темпе. В нём много движений, построенных на перекрещивании ног.

Полска – шведский и финский народный танец польского происхождения, близкий мазурке. С конца 18 века стал бальным танцем. И хотя с 19в. из салонов вытеснен вальсом, но остался одним из любимых танцев деревенских жителей.

Ригодон – французский народный и придворный танец. Темп оживленный, размер 2-х дольный (2/2, 2/4). Включает

Название Ригодон от итальянского слова rigatone, rigadone, что значит – хороводный танец.

Основные движения – легкие подпрыгивания на одной ноге с выносом свободной ноги вперед, вращение под руку с девушкой.

Композиционный рисунок танца в различных местностях имел свои особенности: в Провансе – круг (хоровод), в Бургундии – линии. Сопровождался игрой на скрипке, пением танцующих, часто исполнители отбивали такт деревянными башмаками.

Как придворный танец приобрел известность с конца 17 века, став более размеренным и торжественным.

В 18 веке ригодон оставался наиболее демократичным из всех популярных салонных танцев. Танцмейстеры охотно включали его в «бальное меню», чтобы освежить несколько наскучивший ряд церемониальных танцев.

Кадриль (контрданс) – (фр. quadrille от исп. cuadrilla – буквально «группа из четырёх человек») – народный и бальный парный танец французского происхождения. Танец является разновидностью контрданса; возник в конце XVIII века и был весьма популярен до конца XIX века в Европе и России. Музыкальный размер 2/4, обычно перемежающийся размерами 3/8 и 6/8. Темп живой.

 

Танцы, зародившиеся в 19 веке

19-й век – это период массовых бальных танцев, которые отличались естественностью и «живым» ритмом. В этот промежуток времени теряет свою популярность когда-то востребованный менуэт. Этот вид хореографической композиции становится своеобразным инструментом воспитания хороших манер, развития изящности, красивой осанки и плавности движений. Танцевальная культура 19-го века наполняется такими видами постановок, как полька, кадриль, экосез, мазурка и, конечно же, вальс. Эти разновидности хореографических постановок происходят из разных стран, а именно Австрии, Германии, Англии и других. И невзирая на разные «корни», они становятся любимыми танцами по всему миру и пользуются огромной популярностью среди самых разных слоев общества.

Э косез (фр. écossaise – «шотландка») – старинный шотландский народный танец. Изначально имел музыкальный размер 3, умеренный темп. Сопровождался волынкой. Под названием «экосез» известен с 1726 года. Очень образно описывает танец К. Блазис: «Танец резвый и любимый важными англичанами. Двое танцующих тихонько подпрыгивают под живой ритм блестящего и хорошо кадансированного мотива. То подаются они вперед, то отступают, берутся за руки и кружатся под музыку, которая становится быстрее и быстрее, ноги танцующих двигаются с такой быстротой, что взор не в состоянии следить за их движением…». Экосез – танец парно-групповой, основная схема – колонна и круги. Расцвет его относится к 1-й трети XIX века; с того же времени жанр использовали в своем творчестве известные композиторы Людвиг ван Бетховен, Франц Шуберт, Фредерик Шопен и Петр Ильич Чайковский. После 1833г. экосез исчезает, перерождаясь в шотландскую польку.

П олька – один из самых популярных чешских танцев. Название, возможно, происходит от чешского «половинка», так как танцевали польку мелкими шажками, как бы «в полшага». Это живой танец в размере 2/4, который танцуют парами по кругу. Этот танец обычно открывал деревенский бал. Услышав весёлые звуки польки, никто не мог устоять на месте.

Г алоп (фр. – скакать) – это бальный танец, который возник во Франции в начала 19 века, и потом стал распространяться по Европе, особенно популярным этот танец стал в Германии. На самом деле, слово «скакать» невероятно подходит к самому танцу. Итак, вид танца Галоп – быстрый танец, он танцуется большим количеством людей, которые делятся на пары. Эти пары двигаются строго по кругу скачкообразными движениями.

Сам галоп очень похож на другой быстрый и массовый танец, он называется полька. Это не удивительно, ведь сам галоп является одним из элементов польки.

Этот танец стал очень популярным в произведениях классической музыки: больше всего выделяются галопы Штрауса и Листа.

Вальс (нем. – кружиться) – своё начало берёт в старых народных танцах Австрии и Южной Германии, которые исполнялись на лужайках в нарядных костюмах и грубых деревянных башмаках. Парни подхватывали девушек и слегка подбрасывали в танце. Вскоре этот танец дошёл до столицы Австрии – Вены, где вальс стали исполнять не грубо, а важно, плавно, мягко. Жители Вены так полюбили этот танец, что стали сочинять целые «цепочки» вальсов – по пять подряд, без остановок.

Венский вальс особенно расцвёл в творчестве Иоганна Штрауса-сына. Во Франции вальс состоял из трёх частей различного темпа и мог исполняться не только на 3/4, но и на 3/8, 6/8. Вальс – это вовсе не старинный танец в сравнении с другими видами, например, с курантой.

Вальс постепенно менялся и плавно дошел до аристократии. Он был популярен среди горожан в светских салонах. Так, уже к концу 19 века вальс стал полноправным.

 

Восточно-славянские танцы

Народное творчество – это деятельность народа, отражающая характер, быт, трудовую деятельность, жизнь. Через народную песню и танец можно узнать историю и к чему стремился народ, его надежды на будущее. Выражение своего эмоционального состояния с помощью тела – потребность, на которой основывается развитие древнего искусства народного танца.

В танце отображаются будни и повседневная деятельность человека. Чтобы показать свои эмоции и чувства при помощи движений тела, не надо быть профессионалом: народный танец доступен всем. Фольклорная* пляска носит анонимный* характер, у нее отсутствует создатель.

Эстетические вкусы народа, его духовные идеалы, уклад жизни – все это открывает и показывает художественная форма русского народного танца.

Русские танцы

На Руси с древних времен любили танцевать. Это доказывают серебряные фигурки танцующих людей, найденные при раскопках в Киевской области. Учёные определили их возраст – 1000 лет.

 

В дохристианской Руси существовали игрища, на характер и содержание которых возложил свой след земледельческий быт славян. Данные игрища были приурочены к календарным языческим праздникам:

семик – праздник, связанный с весенними земледельческими работами – посевом;

обжинки – окончание жатвы, сбор урожая;

осенины – проводы лета и встреча осени, коляда – зимний праздник; радуница,

русалии – зимне-летние праздники в память об умерших,

ярилин день – праздник солнца – Ярилы;

таусень – Новый год и др.

Из числа участников обрядов, игрищ постепенно выделялись те люди, которые лучше других плясали, поющие, играющие на различных инструментах, знатоки шуток, поговорок и присказок – появились мастера исполнители. В народе их называли «плясец», «плясальщик», «плясатель», «плясся», «плясица», «плясуха», «игрец», «ломака», «дудочник» и др.

В Древней Руси хранителями русских танцевальных обрядов были скоморохи*, которые ходили толпами и выступали под пение сопелок и удары бубнов. Впервые слово «скоморох» появляется в летописи «Повесть временных лет» (1068). Скоморохи сыграли большую роль в формировании, совершенствовании и популяризации русского народного танца. По сути, они являлись первыми профессиональными исполнителями русской пляски. Они ходили от одной деревни к другой, пели, играли на музыкальных инструментах, устраивали представления, плясали для забавы в княжеских, боярских и купеческих дворцах. Иногда они нанимались на службу к какому-нибудь князю, иногда в своих путешествиях становились также и купцами (Баян, Садко).

Псковский настоятель Памфил в 1505 году сообщал о ритуальных танцах в ночь накануне праздника Ивана Купалы*. Танец состоял из "виляния хребтом" и "притопывания и скаканья ногами". Церковь решительно осуждала скоморошьи пляски под гусли и гудения, которые "ангелов божьих" отпугивают, а "бесов смрадных" приманивают.

В России искусство танца и пение были неразрывно связаны. В старину говорили «играть песню», «ходить песню», «водить песню». Весной девушки заводили хороводы. Этот танец имел свои особенности. Участники танцев выбирали пары – это были парные хороводы. В плясовых хороводах показывались целые сценки. Встречались разборные хороводы – когда участники расходились как бы по домам.

Русский народный танец появился на основе трудовой деятельности народа. В танце народ передает собственные мысли, чувства, настроение, отношение к жизненным обстоятельствам. Старинному русскому танцу была характерна взаимосвязь с песней. Имеются как медленные, отражающие грусть, так и быстрые танцы: хороводы, игровые танцы, кадрили, ручейки. В русском народном танце исполнители используют элементы, имитирующие, к примеру, полеты, походку, привычки гусаков и гусынь. Однако это не просто изображение пернатых, а в данном случае игра-пляска, где условием ее является подражание птицам, соревнование-перепляс, в котором торжествуют выдумка, ловкость и мастерство.

Среди многообразия разновидностей русского народного танца особое распространение получили хороводы*. Русские хороводы распределены по временам года, свободным дням жизни и по сословиям. Хоровод имеет свои правила, традиции исполнения, поэтому он становится самостоятельным жанром и украшает собой праздники. Он воплощает в себе единство русского народа, дружбу. Ведь участники, во время хоровода держат друг друга за руки, иногда только мизинцами, за венки, платки, пояса.

В хороводе любая фигура может иметь не одно, а множество значений. Участники, не меняя построения, передавали различное настроение и содержание, разную тематику – трудовую, любовную, и т.д. Круг – "солнце", остается неизменным, а настроение танцоров, действия, выражение их характеров, совершенно различны.

 

Русские хороводы делятся на:

ИГРОВЫЕ: Танцующие ходят рядами, кругами, создают из хороводной цепи фигуры, с музыкой в ритм. В песне к такому хороводу нет яркого сюжета с действующими лицами. Их содержание связано с коллективным народным трудом, образами природы, бытом. Фигуры хоровода моделируют узоры русских кружевниц, вырезанные по дереву, работу живописцев

О РНАМЕНТАЛЬНЫЕ: основным в нем является раскрытие сюжета. Песня является конкретным действием, исполнители, и герои разыгрывают её с помощью пляски, жестов, мимики. Рисунки в игровых хороводах проще, чем в орнаментных. Композиция строится по кругу, либо линиями, парами.

К русским пляскам относятся импровизированные пляски (барыня, перепляс и др.) и танцы, обладающие определённой последовательностью фигур (ланце, кадриль и др.). В каждом районе эти пляски изменяются по манере и характеру исполнения и имеют своё название, происходящее от наименования местности или плясовой песни. Музыкальный размер обычно 2/4 или 6/8. Русские пляски есть быстрые и медленные, с постепенным ускорением темпа. Перепляс носит характер состязания. Огромной популярностью в народе пользовались пляски импровизации, пляски-соревнования.

Одним из наиболее распространённых движений был шаг, состоящий из множества элементов, в том числе из подъёма на цыпочки, приседаний и др.

Распространённым вариантом шага были дробушки, то есть быстрые движения ногами на одном месте. Пляскам парни и девушки обучались с малых лет. Они следили за старшими на свадьбах и праздниках, и пытались пробовать повторять за ними. Танцоры пытались не только повторить, но придумать что-нибудь своё – отсюда огромное разнообразие самобытных русских переплясов. Соревнуясь в пляске, молодёжь щеголяла ловкостью, удалью и грацией, праздничными нарядами. Парни и девушки присматривались друг к другу. И чтобы понравиться, старались и в танцах показать себя.

Трепак – это старинный русский танец, который возник благодаря простому каменщику. Во время перерывов от работы он разминался вприсядку на людной улице, и эти движения стали распространяться среди людей. Они стали популярны на Украине и в России. Сегодня исполнение актуально в двудольном размере и с быстрым темпом.

Он исполняется под энергичную музыку в очень быстром темпе. Строго определенной мелодии для трепака не существует, при этом исполняться он может как одиночный танец, так и как перепляс. Первый вариант – крайне редкое явление, поскольку намного веселее и танцевать, и наблюдать за танцем, в котором участвует несколько человек. Перепляс позволяет создавать массовость на сцене, что всегда придает зрелищность. Исполнители устраивают импровизированное соревнование в том, кто лучше умеет танцевать. Каждый хочет превзойти другого в своем мастерстве. изначально трепак связан с культом языческого божества Трояна-батюшки, Триглава, который имеет образ Змея Горыныча. Пляска обладает ритуальным характером и известна нам сегодня благодаря скоморохам, у которых трепак был обязательной частью любой программы.

Б арыня – русская пляска, а также музыка, под которую она исполняется. Общий настрой танца задорно-иронический (шутливый). При парном исполнении танцор и танцовщица танцуют попеременно (перепляс), как бы соревнуясь между собой. В основе танца лежал конфликт между «барыней» (помещицей) и «мужиком» (крестьянином). Танцовщица выражала величавость, а танцор – ловкость и удаль. Во время танца рефреном звучит фраза: «Барыня-барыня, сударыня барыня!»

Существует предположение, что родиной танца является Центральная Россия.

Основными элементами танца являются шажки, присядка(мужской элемент), подскоки, притоптывания, вращения с элементами чечётки. Во время танца руки либо на поясе, либо разведены в стороны. Если танец совершает женщина, то руки складываются перед собой, так что концы пальцев одной руки касаются локтя другой руки. Во время пляски танцовщица может держать в руках платок. Танец барыня может исполняться в одиночку, так и коллективно. В качестве музыкального сопровождения используется гармонь, а также балалайка.

В наши дни элементы танца «Барыня» используются и в фигурном катании для создания русского национального колорита.

Кадриль – танец, попавший в Россию из Европы. В России каждая область имеет свой вариант кадрили, но все они в размере 2/4.

С лово «камаринская (песня, пляска)» произошло от словосочетания «камаринский мужик». Т. А. Мартемьянов, первый исследователь плясовой песни «Камаринская», считает, что название произошло от слов каморник*, каморники. Так на называли людей, не имевших своих домов и живших в чужих избах и каморах. Комарицкая волость* была краем бездомников, бродяг. Название волости обязана им своим названием.

Камаринская пляска

Популярная русская народная удалая пляска, главным образом мужская, представляющая собой удалой перепляс в сопровождении одноимённой песни.

В основе танца лежат шаговые движения. Нога ставится то на пятку, то на носок. Этот элемент имеет различные названия: выкаблучивание, притоптывание (сбивание грязи с сапога). Руки ставятся на пояс («руки в бо́ки»), затем разводятся в стороны. Также присутствует элемент присядки, подскока, верчения и хождения по кругу. Во время пляски танцор хлопает в ладоши, по животу и по пяткам.

В XVIII-XIX столетиях Камаринская включалась в программу российских ассамблей и балов, где обычно её отплясывали все присутствующие.

В 20 веке широко распространился мужской танец «Яблочко», который исполняли матросы под мотив популярной среди революционных солдат и матросов песни с тем же названием.

Украинские танцы

У краинский народный танец развивался на протяжении всей истории украинского народа, обогащаясь новым содержанием и своеобразными, выразительными средствами. В нем нашли свое отображение радость творческого труда, героизм борьбы и величие побед, задорная веселость, мягкий юмор и другие черты, присущие украинскому национальному характеру.

Х арактеризуя общенациональные танцы Украины, следует, прежде всего, отметить то, что на их развитие огромное влияние имели обряды Украины, Изобилие народных обрядов, обычаев, празднований, гуляний – порождало новые традиции, новые танцы. Обряды эти во многом сходны с обрядами русских и других славянских народов. Как и у большинства этих народов на Украине тоже существуют купальские обряды с их весенними играми и забавами, рождественские праздники с кол ядами и щедринками и др. Все эти обряды явились наследием еще языческой Руси и порождали массу ритуальных и обрядовых танцев.

Хороводы вокруг майского дерева “Маринонька”, в котором девушки плетут венки, гадают, и рисунок танца напоминает хитроумные переплетения венка. Все эти пляски известны под общим характеризующим названием – «Веснянка». В них наряду с девичьими хороводами имеются и пляски ряженых. Удалы пляски парней с девушками вокруг костра и т.д.

 

Гопак – название произошло от восклицания «гоп». Это был воинственный танец запорожских казаков, и первоначально плясать гопак разрешалось только мужчинам. В гопаке казак показывал свою ловкость, удаль, смелость. Часто изображались в г опаке целые сцены боя, походов. О танцующем гопак казаке в народе говорили: “Казак пляшет, как на коне скачет”. Темп гопака быстрый, размер 2/4, очень много прыжков и других сложных движений.

Позднее гопак стали танцевать не только на Сечи*, но и в деревнях, и в городах. Сначала, как и на Сечи, его танцевали одни мужчины, но постепенно входят и женщины. Так он постепенно приобрел парадную форму, которую мы наблюдаем сейчас. В наше время гопак пляшут мужчины и женщины, однако мужская партия остается ведущей.

О чень сходен с гопаком и другой, посвященный запорожским казакам украинский парный танец – «Казачок», названный так народом в честь своих защитников. Фактически это гопак, только в несколько упрощенной форме, содержит меньше акробатических моментов и носит более лирический (а не боевой) характер. Общий настрой танца живой, весёлый, бодрый и задорный. Музыкальный размер 2/4. К числу характерных движений казачка относятся шажки гуськом (вприсядку), поочередное выбрасывание ног вперед из положения сидя с опорой на руки сзади, так что танцор напоминает паука. Присутствуют также вращения, кружения в хороводах, парные движения с подскоками по кругу. Для казачка характерны поочередные сольные выступления-переплясы.

Молдавские т анцы

Молдавский танец – один из наиболее древних видов народного искусства, его можно считать настоящей «поэмой нации», ведь когда танцуют молдаване, «говорят сердца».

Истоки молдавского танца следует искать в далеком прошлом – у фракийцев и гетодаков. Исследуя историю молдавского танца, балетный критик В.Ивинг писал: «В античных плясках применялись такие положения тела, которые в нашем современном классическом танце наименее употребительны. Танцующие либо склоняли корпус вперёд, либо отклонялись назад, перегибаясь в талии. Наиболее частыми позициями головы тоже были такие, которые реже всего встречаются сейчас в классике, т.е. наклон головы вперёд, либо резкое её запрокидывание. Всё это свойственно и молдавским народным пляскам. На краснофигурных амфорах вы увидите людей, которые пляшут друг перед другом. Как молдаване, они прыгают навстречу партнёру, сильно присев на одну ногу, отбросив назад другую, широко распахнув руки и согнув вперёд корпус, либо обходят в пляске друг вокруг друга, высоко вскидывая колени. А тяжёлые прыжки на месте с поджатыми одновременно ногами, сопровождаемые возгласами «уха!»

Для различных исторических периодов характерны определенные жанры танцев: для эпохи Средневековья характерны коллективные танцы «цепочные», «круговые», в то время как в эпоху Возрождения стали популярны мужские сольные танцы. Также в этот период получают распространение вольные парные танцы.

В феодальную эпоху у молдаван был распространен так называемый деревенский танец, который позже исполнялся и дворянством, превращаясь в «жок – народный танец».

Ш ирокое распространение получил танец «Хора», который, по некоторым свидетельствам, является самым древним в Молдове. Но еще в начале XIX века слово «хора» обозначало не просто танец, так назывался еще и праздник, особое народное торжество (например, «Хора сатулуй»). У хоры нет четко обозначенного завершения, её продолжительность зависит от изобретательности танцоров. Хора может быть названа по месту проведения («Хора из Орхея») или по имени лица или события, в честь которого исполняется («Хора невесты», «Хора Иленуцы», «Свадебная хора»). Для исполнения хоры танцоры собираются в круг и обнимают друг друга за плечи. Люди движутся вокруг центра (обычно по часовой стрелке), а каждый танцор исполняет серию из трёх шагов вперед и одного шага назад. Темп медленный (размер 6/8 или 6/4). Танец исполняется девушками плавно и спокойно. На свадьбах к хоре присоединяются и мужчины. Исполняется обычно под аккомпанемент оркестра (тараф): игра на чимпое, флуере, нае, скрипке и других народных инструментах. Ещё в начале XIX века в Бессарабии хора означала не только определённый танец, но и один из видов сельских празднеств. Та медленные, лирические трёхдольные танцы под названием хора (размер 6/8 или 6/4). Они отличаются особой плавностью, торжественностью и одновременно грациозностью. Является очень популярным танцем на свадебных торжествах и других празднествах, особенно в сельской местности. Наиболее популярный танец у молдаван. Имеет многочисленные варианты, различающиеся по приуроченности, составу и темпу.

Жок – массовый молдавский народный танец. Наполненный южным темпераментом, он энергичен и чёток. Одетые в самобытные наряды, украшенные орнаментом, молдаване исполняют танец жок под игру на скрипках, цимбалах, флейтах и других этнических инструментах. Часто его сопровождают юмористического содержания частушки, песни, а также хлопки, задающие ритм.

Т ермин «жок» (с молдавского – «танец», «игра») впервые в своём современном значении, но в несколько ином написании («джок») был известен ещё в 19 ст. и встречается в сочинениях А. Пушкина.

Музыкальный размер 2/4, темп постепенно ускоряется; встречаются также размеры 6/8 и 3/8. В разных районах Молдавии существуют самостоятельные варианты музыки и танцевальных шагов жока.

Обычное построение в танце – большой общий круг, из которого танцоры перестраиваются в маленькие круги, образуя различные переплетения, линии, передвигаясь навстречу друг другу в центр круга и обратно. Часто в танце используются два круга: в одном из них могут находиться девушки, а в другом – юноши.

Молдавеняска – молдавский народный танец, это веселый и очень энергичный танец. Размер 2/4 или 4/4.

Н ачинается танец с расстановки пар по кругу. После нескольких фигур, круг разлетается на множество маленьких элементов – пары разбегаются и лихо отплясывают под музыку с быстрым темпом. Характерный для молдовеняски шаг с подскоком, совмещенный с полетными боковыми шагами создает вихреобразный рисунок танца. Нередко фигуры заканчиваются синкопированными комбинациями, отчего ощущение стремительности только усиливается. После определенного набора фигур пары вновь собираются в круг, и танец начинается заново.

Форма рондо показалась привлекательной не только простому люду, с удовольствием введшему молдовеняску в набор танцев, но и классическим хореографам, неоднократно использовавшим танец в различных постановках.

Среди движений много прыжков и подскоков, чётких притопываний, ударов каблучками, лёгкий танцевальный бег, боковые шаги, резкие выбрасывания то одной, то другой ноги, пружинящие движения вверх-вниз. Часто танцоры наклоняют корпус вниз, а, выпрямляясь, вскидывают руки вверх, будто навстречу солнцу. Во время танца танцоры хлопают в ладоши и издают весёлые подзадоривающие возгласы.

 

Белорусские танцы

И сторические условия развития белорусского народа, постоянная борьба за сохранение своих национальных черт, привели к тому, что в белорусском фольклоре и танце сохранились древние, архаичные черты.

Особенности белорусского танцевального искусства складывались в процессе формирования и развития белорусской народности и её культуры (XIV-XVI вв.), корнями своими уходящей в недра древней общерусской культуры. В танце в художественной форме проявились ощущение красоты жизни, эмоциональность, темперамент и характер народа. На протяжении длительного времени белорусский танец был малоизвестен даже на родине и редко выходил за пределы деревни.

В появлении и популяризации белорусских народных танцев на сценических площадках не только Белоруссии, но и за её пределами большая заслуга труппы Игната Буйницкого – талантливого самородка, создавшего в 1907 г. белорусский народный театр, в котором сам Буйницкий принимал участие как режиссёр, актер и танцор. В концертах исполнялись народные песни, произведения белорусских поэтов и танцы под аккомпанемент традиционной «траiстай» музыки – скрипки, цимбал и дуды. В сценической интерпретации народных танцев И. Буйницкий почти не отходил от фольклорной основы.

Традиционно белорусские танцы делят на три группы: иллюстративно-изобразительные, игровые и орнаментальные:

в иллюстративно-изобразительных танцах («Метелица», «Воробей», «Коза», «Ленок», «Толкачики») самую важную роль играет драматическое искусство солистов, танцы богатые жестами, мимикой.

в игровых танцам («Джигун», «Магера», «Репка», «Панночка», «Цепь») танцоры ловят друг друга, выполняют какие-то задания.

в орнаментальных танцах («Крыжачок», «Кола», «Троян», «Крутуха») основой хореографической композиции является определенная геометрическая фигура, которую часто можно определить уже из названия песни

Почти все белорусские танцы парные и массовые. Движение танцоров полны динамизма, внутреннего эмоционального накала и народного духа. Особенностью многих белорусских танцев является их сюжетность. Движениями танца исполнитель рассказывает о своей жизни, работе, отношении к природе. Практически во всех композиционных танцах используются простые геометрические фигуры: квадрат, треугольник, линия. Эти фигуры объединяются в единое целое с помощью переплетений.

Инструментальное сопровождение танца имеет нередко ту же основу, что и хороводная песня, так как является переводом вокальной мелодии на язык инструментов, сопровождающих танец. Белорусская народная танцевальная музыка имеет красочную мелодию, но при этом она достаточно проста.

Из музыкальных инструментов используются скрипка, бубен, гармошку, виолончель. В Беларуси были известны и древнерусские гусли. Особой популярностью в народе пользовалась волынка, что отражалось в частушках.

 

Крыжачок – полька-крыжачок – название отображает построение танцевальной формы танца в форме креста (белор. крыж), переходов крест-накрест. Принадлежит к наиболее популярным белорусским народным танцам.

О происхождении его названия существует толкование, усматривающее его связь с народным названием дикого селезня – «крыжак», сам же танец относят к группе танцев, подражающих движениям птиц.

«Крыжачок» – танец орнаментальный, парно-массовый, исполняется любым количеством пар в быстром темпе.

Танец «Крыжачок» имел и другие названия; «Крыжык», «Паулючок», «Антошка», в зависимости от названий припевок к нему.

В развитии сценической версии танца большую роль сыграл К. А. Алексютович. Он обогатил его новыми элементами движения, внёс разнообразие в рисунок, ввел сольное исполнение, изменил темп, после эмоциональной завязки следует медленная лирическая сольная часть, которую исполняют одна или две пары. Остальные танцующие служат фоном, они как бы аккомпанируют солистам. Заключительная часть носит весёлый, задорный характер и отличается на редкость красочным и быстро сменяющимся рисунком.

Л явониха – самый популярный и любимый в Белоруссии. Этот танец танцуют парами под музыку одноименной песни. Возник танец на основе шутливого диалога песни Лявона и Лявонихи, вокруг которых и вели танец. Музыкальный размер 2/4. Танец жизнерадостный, динамичный, задорный, исполняется любым количеством пар. Хореографическая композиция танца складывалась из традиционных рисунков (круг, звёздочка, змейка, ворота), с разных переходов парами или линиями со сменой партнёров и кружением в парах, взявшись под руки. На свадьбе «Лявониха» была главным танцем, а на вечорках исполнялась после «Лянцея» и сопровождалась разнообразными шутливыми припевками, например:

А Лявоніха не ладна была,

Нямытую мне кашульку дала,

Нямытую, не качаную,

У суседа пазычаную.

Одежда – домотканые сандараки и свитки. Сейчас на сцене используют облегченный костюм, но сохранены все элементы традиционной одежды. Еще этот танец в некоторых местностях называют «Крутуха» из-за того, что пары часто кружатся.

В некоторых местах Белоруссии «Лявониха» исполнялась как сольный танец. Исполнители по одному выходили в середину круга и танцевали, кто как мог. Движения танцоров были самыми разными ― топот, галоп, притоптывание.

 

Западно-славянские танцы

Чешские танцы

Возникновение танцевального творчества чехов относится к глубокой древности. Сохранилась память о плясках военных, торжественно поминальных, обрядовых. Традиции последних восходят к языческим временам. Встречаются пляски игровые и хороводные («коло»).

Известно, что в обряде старинной чешской свадьбы пляски играют ведущую роль. Торжественно справлялось время зимнего равноденствия – «мясопуст», то есть масленица, в дни которой исполняются игровые танцы карнавальных шествий, ряженья и молодечества (их названия: «медведь», «дятел», «трубочист» и т.п.). Богаты подобными танцами были и весенние обряды. Таковы «майские пляски» – вокруг «майки» (украшенного дерева) или «фидловачка» – славление весны в песенно-танцевальной театрализованной форме. С давних пор «фидловачка» являлась праздником сапожного цеха, на что указывает само название танца («фидловачка» по-чешски значит «лощило» – этот сапожный инструмент служил эмблемой цеха). Известны и осенние обрядовые танцы, именуемые «сламник».

Н о еще и поныне в Чехии очень популярны круговые танцы, именуемые «до колечка». Нескончаемым потоком здесь льется одна песня за другой на основе неизменной ритмической фигуры, в то время как круг танцующих все более ширится.

Уже в 11-14 в. музыкальная культура находилась на высоком уровне. Она была представлена музыкой привилегированных классов, в основе которой – рыцарские романсы, и музыкой народной.

Для некоторых мужских танцев характерны широкие тяжеловесные переступания. В них часто встречаются трамплинные движения, подскоки, различные виды ходов. Движения эти не сложные, но передаются они строго в характере данного танца.

Чешские танцы в основном парно-массовые, в народе их исполняют, двигаясь по кругу против хода часовой стрелки любым количеством пар. Для большинства чешских танцев очень типичные вращения женские и особенно парные. Во многих танцах кульминацией является парное вращение на простых шагах, так называемый «обкрочак». Выполняя «обкрочак», исполнители стоят в паре лицом друг к другу. Юноша обеими руками держит девушку за талию. Обе руки девушки – на плечах юноши.

Для танца «Вртак» также характерно парное вращение по кругу, но выполняется оно на подскоках. Танец «соуседка» – очень плавный. Он построен на вращениях в паре и сольных женских вращениях. Девушка вращается, а юноша как бы подкручивает ее.

Для чешских танцев характерны движения польки, причем полька выполняется по-разному: в подскоках, невысоко поднимая ноги или на простых шагах.

Музыкальный размер чешских танцев: 3/4, 3/8. В некоторых местах Чехии сохранились древнейшие формы народной хореографии. Такими танцами особенно славится область Ходско. Для танцев этого края характерны парно-массовые круговые композиции, шаги из стороны в сторону, притопы или соскоки на обе ноги, типичен перекрестный ход.40 (правая нога ставится спереди накрест левой).

П олька – визитная карточка национального фольклора – старинный чешский танец. Это веселый, зажигательный танец, появившийся в чешской провинции Богемия в середине 19 века.

Полька – неотъемлемая часть любого торжества: народного, светского, официального. Темпераментный танец оценили и композиторы-классики: Бедржих Сметана, Антонин Дворжак, Иоганн Штраус-отец и Иоганн Штраус-сын и другие.

Принято считать, что в августе 1835года чешский педагог Неруда залюбовался на крестьянскую девушку, которая танцевала и при этом весело напевала. Он запомнил движения, записал мелодию, и вскоре, этот танец стал популярным в танцевальных салонах. А в 1840году чешский учитель танцев Роаб показал танец в парижском театре «Одеон» под названием «тремблон». Танец имел грандиозный успех, а вскоре, стал называться под уже привычным для нас названием «полька».

Полька – это парный танец. Музыкальный размер 2/4, темп – быстрый. Для того, чтобы танцевать польку, достаточно выучить несколько основных движений, но быстрый темп требует виртуозного их исполнения. Само слово «полька» происходит от «пулька», что по-чешски означает «половина». Быстрый темп требует проворного переступания ногами, из-за чего шажки получаются маленькими. И на самом деле, основное движение этого веселого танца состоит из полушагов, соединенных приставкой.

Самым характерным для польки движением является шаг с подскоком, который надо исполнять легко. Кроме того, в танце часто используется па галопа, исполняемое в стремительном продвижении по линии танца. Популярность танца не подвергается сомнению, а основные движения польки используются во многих бальных и народных танцах. Также полька часто включается в репертуары детских бальных и хореографических коллективов.

Фуриант – чешский народный танец, название которого в переводе означает «гордец».

Музыкальное сопровождение (нередко сочетающееся с пением) должно иметь переменный размер. В фурианте много острых ритмических акцентов, что, естественно, отображается на манере танцоров и характере танца.

Фуриант исполняется как пародия на крестьян-зазнаек. Мужская партия начинается с выхода подбоченившегося партнера, имитирующего поведение гордого крестьянина. Задача партнерши окружить кавалера вниманием: она танцует сначала перед ним, затем – вокруг него. После вступительной части следует основная, парная, во время которой мужчина и женщина танцуют в размере чешского лендера.

Этот стремительный и очень темпераментный танец юмористического характера неоднократно включался в произведения чешских композиторов. В «Проданной невесте» и «Чешских танцах» Б. Сметаны, «Фурианте для оркестра» Я. Кршичка, произведениях А. Дворжака неоднократно слышатся ритм и характерные интонации фурианта.

Специалисты в области музыки и танца отмечают, что построение танца и манера его исполнения не двузначно перекликаются с речевыми особенностями чешского языка.

Болгарские танцы

Болгары по праву гордятся своими народными плясками. Они так же красивы и ярки, как и природа этой страны. Их энергичные и быстрые движения и ритмы словно пронизаны горячим южным солнцем, ароматом садов и розовых плантаций.

Болгарский народ бережно хранит свое танцевальное искусство, совершенствует его формы, придает старинным пляскам новое содержание, близкое современному человеку.

П ятьсот лет Болгария была под турецким игом. В суровую эпоху турецкого владычества танец особенно способствовал сближению людей; вероятно, поэтому в болгарской народной хореографии преобладают формы массового танца. В песнях и плясках болгары выражали свои сокровенные чаяния, мечты, запечатлевали в художественной форме важнейшие жизненные события.

Во времена седой старины возникли танцы, сопровождающиеся пением. До сих пор многие болгарские танцы исполняются под двухголосое или хоровое пение. На юго-западе страны женские танцы иногда сопровождает вокальное трио.

Танец в Болгарии – самый распространенный и любимый вид народного творчества. В обрядовых, карнавальных, календарно-праздничных и трудовых танцах выражены темперамент, вкус, изобретательность болгарского народа.

Большинство болгарских народных танцев отличаются тем, что исполнители держатся за руки и перемещаются по изогнутой или прямой линии, располагаясь лицом к центру танцевального пространства. В прошлом мужчины и женщины танцевали по отдельности, в соответствии с существующими тогда правилами приличий, но в настоящее время они объединяются.

Существуют некоторые особенности положения рук, которые встречаются во всех болгарских танцах:

танцоры держат руки на уровне талии. Руки соседних танцоров находятся в форме буквы V. Левая рука обращена назад, а правая – вперед;

танцоры держатся за плечи. Руки соседних танцоров находятся в форме W. Левая ладонь опущена, а правая направлена вверх;

руки вытянуты горизонтально в стороны и опираются на плечи соседних танцоров. Раньше такой элемент использовался только мужчинами;

руки располагаются на поясе соседних танцоров. Правую руку помещают под левую;

левая рука помещается на живот и сгибается в форме ручки чашки. Правая свободно перемещается по руке танцора справа.

Движения ног варьируются от быстрых и сложных до медленных и устойчивых.

Наиболее распространенными плясками издавна считаются «Хора» и «Рыченицы».

Х оро – (хора) Так называется болгарский народный танец-хоровод. Как считалось в древности, он имел магические свойства. Этот танец распространен по всей Болгарии. Исполняемый практически на всех праздниках, он имеет много разновидностей, характер которых варьируется от торжественного до безудержного. Хоро танцуют по замкнутому кругу, змеевидной или прямой линии. Шаги женщин, как правило, более простые, чем танцевальные движения мужчин. Болгарский хоро, является одним из наиболее сложных европейских танцев, исполняемых с древних времен.

Для исполнения хоры (молд. и рум. horă) танцоры собираются в круг и обнимают друг друга за плечи. Люди движутся вокруг центра (обычно по часовой стрелке).Темп медленный (размер 6/8 или 6/4). Танец исполняется девушками плавно и спокойно. На свадьбах к хоре присоединяются и мужчины. Хора сопровождается игрой на чимпое, флуере, нае, скрипке и других народных инструментах.

Рыченица – это болгарский народный танец в ритме 7/8, который можно танцевать по одиночке или парами. Танец распространен в целой Болгарии, но в отдельных этнографических областях его танцуют в характерном стиле соответствующей области.

Сохранился обычай во время свадьбы танцевать "кумовскую" рыченицу. Когда приходит время перед официальным столом молодоженов появляются 2 танцора, которые носят кумовьям* подарки (обычно это запеченный цыпленок и торт). Под звуки озорной рыченицы кумовья танцуют с танцорами, причем постоянно стараются выхватить подарки из их рук. Иногда даже дают им деньги, если не могут "украсть" подарки, короче, все зависит от темперамента кумовьев

Этот танец проще, чем хоро и го с удовольствием танцуют и дети, и люди без особого танцевального таланта.

Рыченицу могут танцевать девушка и юноша или двое юношей, или две девушки, друг перед другом, не держась за руки. Танцуют их почти всегда с платком, который может быть то в руках у девушки, то у юноши, или оба исполнителя берут платок за концы, и юноша, привлекая к себе девушку, пытается ее поцеловать и т. д.

Венгерские танцы

В енгерские танцы, как и многие танцы других народов, зародились, как древние ритуальные действа. История венгерского национального танца начиналась в десятом веке. Крестьяне складывали песни, темы которых были очень разнообразны и были посвящены различным праздникам, историческим событиям, бытовым сценкам или обрядовым действиям. А танец рождался из песни, поэтому тоже очень событиен и образен. А популярности венгерских плясовых мелодий немало способствовали музыкальные произведения великих композиторов: Брамса, Листа, Шуберта.

Как правило, мелодия венгерского танца делится на две части. Первая часть – это своеобразное вступление, широкое и мелодичное, а вторая – быстрая и темпераментная. Музыкальный размер венгерского танца – 2/4 и 4/4.

Танцы Венгрии неизменно исполнялись под звуки любимых венграми музыкальных инструментов. Духовые инструменты Венгрии – это свирель и волынка, щипковые – это цитра, а ударные – это дарбук. В настоящее время эти народные инструменты были вытеснены другими европейскими музыкальными инструментами. Только последние десять лет народ пытается восстановить утерянное музыкально наследие.

Вербунк (вербункош) (от нем. – вербовка) – В начале девятнадцатого века по деревням Венгрии ходили маленькие вербовочные отряды гусар, вербующие крестьянских сыновей в армию. Эти отряды сопровождали музыканты, наигрывающие народные мелодии. На завербованных крестьян надевала солдатский чако* и вешали саблю.

Так появился танец вербунк или вербункош, название которого происходит от слова «вербовать», несколько замедленный танец, подчёркивающий стройную осанку, выправку и ловкость юношей. Размер 2/4. «Вербункоши» бывают сольные и групповые.

М узыка вербункоша исполнялась, как правило, цыганскими ансамблями (обычно в составе 2 скрипок, контрабаса, цимбал), однако на некоторых старинных рисунках, запечатлевших сцену вербовки, изображен лишь один музыкант, играющий на волынке.

 

Чардаш – самый популярный народный венгерский танец, который любят исполнять все – дети, молодёжь, старики. Название его происходит от слова «чарда» – трактир. Венгерские чарды издавна служили своеобразными клубами, где собирались жители. Девушки и юноши, от души веселясь, отплясывают, как бы соревнуясь друг с другом. Обычно, быстрая его часть и громкие хлопки ногами – задача мужчин, а медленные па и вращения – обязанность женщин. А само это слово, «чардаш», впервые появляется в 1840 году.

Р азмер 2/4 или 4/4. Чардаш начинается вербунком – медленной, мужской круговой пляской, и заканчивается стремительной огневой парной пляской. В 19 веке чардаш стал популярным бальным танцем.

Правящие круги всячески стремились вытравить из него подлинно народные черты. Искажали природную красоту этого танца различные салонные, театрально-эстрадные аранжировки. И только в народе танцы, получившие название «чардаш», сохранили естественные краски, подлинность движений. Ритм и мелодии «чардаша» получили претворение в оперных, балетных и опереточных партитурах*.

С ценическая форма «чардаша» делится на две части. Первая часть – широкая, медленная, вторая – быстрая, темпераментная. Первой части свойственны сдержанность, певучесть, лиричность, второй – жизнерадостность, задор, преобладание виртуозной техники, особенно у мужчин. Есть «чардаши», в которых медленную часть исполняют женщины, быструю часть исполняют мужчины, и заканчивается танец парными движениями, в которых много вращений парных и женских.

 

П ольские танцы

Рождение увлекательных по смыслу, мелодичных танцев начиналось в среде крестьян, проводящих обряды, семейные праздники по традициям, пришедшим от старшего поколения. Комплекс оригинальных движений совершенствовался и передавался разными поколениями. Танцем начинали и завершали полевые работы, они были обязательными у ряженых на рождественских праздниках. Они звучали на протяжении всей пасхальной недели, в ночь на Купалье. Они сопровождали все события жизни крестьянина.

Позже их придумывать начали и городские жители. Появились бальный, сценический вариант танца. Этому помогла развивающаяся бальная хореография. Народные черты в них сохранились сейчас.

Чаще всего польский народный танец парный и массовый. В польских танцах много сложных движений и поз, линии обычно чёткие, плавные и последовательные. Польские народные танцы имеют своеобразную пластику. Они лиричные, лёгкие, и в то же время – ритмичные и темпераментные.

Польские танцы подразделяются на повсеместно распространённые и региональные. К повсеместно распространённым танцам относятся полонез, мазур, мазурка, оберек, куявяк и краковяк. Примерами региональных танцев являются трояк, збуйницкие, гуральские танцы и т. д.

Польский народный, затем бальный танец, полонез до сих пор в обязательном порядке используют на традиционных школьных балах. Мазурку и краковяк специально изучали знатные дамы и господа, чтобы блеснуть танцевальными способностями на подходящем мероприятии. А менее известные обертас и куявяк очаровывают каждого, кто хоть раз увидит их исполнение.

Самыми популярными в мире стали польские танцы мазурка и полонез, которые из народных превратились в бальные и, перешагнув границы Польши, распро¬странились по всей Европе.

П олонез – это народный польский танец, название которого уже само по себе прославляет свою страну, так как происходит от слова «польский». Его легко распознать по степенности, плавности и величественности движений. Второе название этого танца – «ходзонный», происходит от слова «ходьба». В полонезе вы не встретите резких движений и общих хороводов. Все происходит размеренно, чтобы танцующие успели показать себя и рассмотреть партнеров.

Изначально полонез являлся свадебным танцем. Позже его стали использовать на других торжествах. Музыкальный размер – ¾. Девушки надевали венки. В качестве украшения танца использовались свечи. А в народе он существовал с начала 15 века. Один из самых массовых танцев.

Танец стал популярен среди знати лишь к концу 18 века. Для того чтобы танцевать полонез на светском мероприятии, нужно заранее подготовиться. Участники исполняют фигуры, которые и создают общий рисунок танца. Наиболее известные из них мост, восьмерки, четверки, пара на пару и многие другие.

З адает фигуру первая пара танцующих или танцмейстер и от их мастерства и опыта зависит общая красота картины полонеза. Польские придворные дамы, когда представлялись королю, образовывали процессию под величественную музыку. Такая процессия вошла в традицию и стала открывать все церемонии. Бальный полонез был танцем-шествием, который исполняли сначала только мужчины. Позже полонез стал парным. Он распространился по всей Европе и стал открывать все балы.

Мазурка – это не менее популярный польский народный танец. В народе исполняли мазурку и взрослые, и дети. Это был живой подвижный танец в размере 3/4. Название мазурка получила от региона в центральной Польше – Мазовии (мазуров), где она и появилась впервые.

Исполняется танец не только под оркестр, но и под обычное пение. Чаще всего это весёлая песня о простой девушке, являющейся центральной фигурой. Она сама выбирает пару, весело подбросив свой платок. Ведущим вместе с ней становится юноша, поймавший платок. В танце есть особенные движения, хитрые позы рук, которые, изменять нельзя.

Есть два варианта размера танца: ¾ и 3/8. Мазурке характерен быстрый ритм, чёткие акценты, сочная драматургия. Это танец с характером. Известным композитором был Фредерик Шопен, на его счету почти 60 мазурок. Этот танец считают родоначальником оберека и куявяка.

Мазурка стала известна в 14 веке, её приравнивали к бальным танцам.

В 18 веке мазурка стала танцем городским и придворным. Танец также стал неотъемлемым для любого европейского бала. Чтобы блеснуть на балу умением её танцевать, необходимо старательно подготовиться, ведь именно этот танец считает одним из самых сложных среди народных. Мазурка богата сменами ритма, резкими поворотами и даже пируэтами, а также высокими прыжками. Все это выполняется в быстром темпе и при этом должно выглядеть элегантно и утонченно. В начале 18 века мазурка стала очень популярна на территории всей Европы. Танец пришелся по душе дворянам и знати и прочно вошел в обязательную бальную программу.

К раковяк – В деревнях из окрестностей польского города Кракова в далеком XVI веке зародился веселый и довольно необычный народный танец, символизировавший радость и бодрость. В первоначальном варианте его исполняли одни мужчины, умеющие высоко прыгать. В нём есть основная пара, главную роль в которой играет мужчина, умеющий сочинять весёлые частушки. Затем краковяк стали танцевать в паре с дамой: она – плавно, изящно, он – с резкими притоптываниями.

Это популярный польский народный танец, описание которого можно свести к высоким энергичным прыжкам в сочетании с утонченностью и изящностью перебежек. Танцевать его непросто, так как отличительной чертой является сложный ритм с музыкальным размером две четверти и частыми синкопами. Его темп – быстрый. Краковяк – парный танец. Во время исполнения было принято напевать. Пели хвалебные песни, превозносящие парней. Краковяк танцевало чётное количество пар – это необходимо для построения рисунка. Парни были ведущие, девушки – ведомые. Один из парней негласно становился центральной фигурой, он должен был внести в танец разнообразие. Эта роль отводилась тому, кто умел импровизировать, не выбиваясь из быстрого темпа танца. В качестве музыкального сопровождения использовался оркестр.

Позже краковяк получил широкое распространение и всенародную любовь по всей территории государства и наконец дошел до бальных залов и модных салонов.

Норвежские танцы

Если говорить о норвежском народном танце, вернёмся немного назад, в историю, к истокам национального танца.

Культура Норвегии прочно связана с историей и географическим положением страны. Корни норвежской культуры восходят к традициям викингов.

Уникальная крестьянская культура, сохранившаяся и по сей день, возникла благодаря скудности природных ресурсов, обусловленной холодным климатом и гористым ландшафтом, но также на неё во многом повлияли средневековые скандинавские законы. Природа всё ещё играет важную роль в народной культуре, об этом свидетельствуют необычайное пристрастие норвежцев к спорту и жизни на лоне природы.

К сожалению, Норвегия не очень богата старейшими свидетельствами о танце. Одно и, пожалуй, единственное свидетельство, относящееся ко времени между 500-1000 гг. до н. э., это наскальные изображения.

На них, как утверждают археологи, изображены танцующие фигуры, которые напоминают своими позами об определённых формах норвежского танца – танце в присядку.

Связи с религиозными действиями и магией в тот период не существовало. Танец предназначался для отдыха, для удовольствия, для души. Народ собирался, чтобы в общении расслабиться, как физически, так и духовно. Детям, до определённого возраста, не разрешалось участвовать в танцах. Сначала они должны были причаститься в церкви. Это правило строго соблюдалось.

Обучение танцам по стране проходило не организованно. То тут, то там появлялись "мастера", которые пробовали обучить молодёжь искусству норвежского танца.

С начала ХХ столетия можно насчитать не больше 6-8 различных танцев и танцевальных форм, не совсем относящиеся к танцам, например такие, как песенные игры и танцевальные песни. Танцы делились на быстрые, которые исполнялись только обученными танцорами и медленные – для всех желающих.

Норвежский танцевальный репертуар XIX в. можно разделить на 3 основные группы:

1. Старинные танцы: под названием, старинные танцы, подразумеваются интернациональные танцы, пришедшие в Норвегию с учителями из разных стран, например, полька, мазурка, галоп, вальс.

2. Деревенские танцы: многие формы этой группы исполнялись только в деревнях. Интеллигенция в них участия не принимала.

3. Парный танец: эта группа получила своё распространение в XVI в. Парный танец имеет множество форм.

И з группы деревенских танцев можно выделить 3 древнейшие, наиболее распространённые формы в Норвегии:

цепочный танец: важнейшая черта танца в том, что все танцующие держались за руки и, образуя цепь, продвигались подпрыгивающим шагом или просто шагом, который мог сопровождаться определёнными движениями рук, ног, головы в такт музыки. Цепь могла выстраиваться в «ворота», завиваться «змейкой» и «спиралью».

«длинный» танец: танец без определённых движений, напоминающий игру. Эта форма была известна во всех скандинавских странах и пользовалась популярностью на свадьбах до начала ХХ в. Танец носил обрядный характер и представлял собой своеобразную прогулку по домам в деревне, где проходила свадьба. Цепь росла после посещения очередного дома и становилась необыкновенно длинной (отсюда название танца).

круговой танец, хоровод: это тоже групповой танец с разнообразными рисунками. Хороводы носили радостный, праздничный характер. В одном из сохранившихся документов рассказывалось, что летним днём собирались крестьяне и стар, и млад, на природе среди гор. Отыскивали ровные площадки и разводили костры. Затем, взявшись за руки, начинали танцевать круговой танец, хоровод.

Впарном танце того времени существовало правило – самая представительная, популярная пара или же пара, купившая себе право на танец у музыкантов, могла танцевать первыми или же совсем одни. Остальные пары становились в круг и подтанцовывали ведущей паре. Танец исполнялся как в быстром, так и в медленном темпе и носил характер променада.

Э двард Григ (1843 – 1907) – норвежский композитор, пианист, дирижёр, общественный деятель. Эдвард Григ – композитор мирового значения, оказавший влияние на творчество не только скандинавских авторов, но и на европейскую музыку в целом. Место в творчестве Грига занимают обработки народных танцев и песен, которые он изучал, собирал и записывал в течение всей творческой жизни. На интонационной основе норвежского народного мелоса складывался оригинальный музыкальный стиль Грига.

Г ангар – старинный парный танец в неторопливом, размеренном движении (gang – ход, шаг). Его отличительные черты: размер 6/8, спокойный темп, светлый, торжественный колорит, хорошо отвечающий самой природе этого величавого «церемониального» танца. Гангар танцуют парами. Норвежские фольклористы указывают на присущие этому танцу черты спокойной торжественности, чинности, важности. Известный исследователь народного танца Клара Семб характеризует гангар как «аристократический, изысканный танец – быть может, наиболее стильный из наших норвежских танцев»

С прингданс – один из старинных норвежских танцев, получивший свое название за особый стиль исполнения. Крестьянская пляска исполнялась вприпрыжку, за что и была названа спрингдансом. В переводе с норвежского springe – «прыгать».

Парни, весело подпрыгивая и притопывая, ведут девушек, которые ступают мелкими шажками.

Спрингданс исполняется в оживленном темпе, который к завершению танца становится невообразимо быстрым. Размер танца трехдольный с резким акцентированием второй или третьей доли.

Спрингданс обычно сопровождался аккомпанементом скрипки. Норвежские скрипачи не скупились на импровизации, налету создавая причудливые мелодические конфигурации, раскрашивая их затейливой мелизматикой.

Прославил на весь мир спрингданс лучший норвежский композитор Э. Григ, не однократно использовавший динамические контрасты народной музыки.

Крестьянский парный «прыжковый» танец.

Х аллинг – народный танец, который традиционно исполняется в сельской Норвегии. Традиционно исполняется мужчинами на свадьбах и других торжественных мероприятиях. Является танцем, который представляет собой соревнования на выносливость, силу и ловкость между танцорами. Это ритмическое акробатическое представление, которое состоит из ряда шагов, требующих недюжинной выносливости и опыта. Танец обычно исполняется соло, но в западных районах Норвегии иногда встречается парный Халлинг

Для исполнения настоящего халлинга необходим опытный скрипач, потому что музыкальное сопровождение к танцу обычно играют на норвежской скрипке – хардингфеле. Музыкальный размер мелодии для халлинга – 2/4 реже 6/8, а ритм довольно богат и разнообразен. Темп умеренный, нередко ускоряется к концу танца.

Особой эксклюзивной изюминкой в танце является так называемый «Hallingkast». В этом движении, девушка обычно высоко держит шляпу, используя палку или другие подручные средства, а танцор должен сбить ногами шляпу на пол. Что примечательно – шляпа обычно находится на 230 – 280 см над уровнем пола.

 

Испанские танцы

Первые испанские танцы основывались на теме волшебства и различных религиозных ритуалах, неразрывно связанных с природными циклами. Например, танец Страны Басков- ведьмовской танец или танец с мечами для празднования прихода весны. Баски известны своими боевыми танцами, в которых конкурирующими танцорами используются мечи или палки. Очень эффектно смотрятся грациозные и захватывающие прыжки танцоров.

Сохранились танцевальные формы, которые встречались в эпоху эллинизма*. Танец был любимым развлечением как в народе, так и при дворе, он входил во все театральные представления.

Основой их развития послужили народные танцы, которые впоследствии были несколько видоизменены и дополнены новыми элементами. Особый расцвет они переживают в Эпоху Средневековья. Именно тогда испанские танцы становятся самостоятельной ветвью танцевального искусства. В течение тысяч лет, Испания, полуостров, окруженный водным путем на трех сторонах, была известна миру как Иберия. Его первые жители были древними племенами.

Иностранные влияния в испанском танце включают музыку и танец Кельтов, которые жили в Иберии приблизительно 500 до н.э.. и мавров, которые занимали страну в течение 700 лет. После кастильского завоевания Испании, прибыли Gitano (цыгане) Пакистана и Индии, и еврейские иммигранты.

Испанский танец сегодня очень разнообразен. Профессиональные хореографы и танцоры различают четыре группы испанских танцев, в том числе:

Классический испанский танец представляет собой постановки балетов. Особой популярности достигли такие классические испанские балеты, как «Арагонская хота», «Болеро», «Дон Кихот», «Треуголка» и другие. Расцвет классического испанского танца приходится на середину 19 века. Среди классических испанских танцев наибольшую известность и популярность получили такие танцы как малагуена, панадерос, петенера, болеро, хота арагонеса. В классических танцах нет места для импровизации. Среди музыкальных инструментов широкое применение в этих танцах получили кастаньеты. Классический испанский танец охватывает сложную хореографию под классическую музыку великих испанских композиторов. Танцовщицы носят или испанские ботинки для танца, или балетные ботинки, часто играя на кастаньетах

Народный испанский танец очень разнообразен и многогранен. Каждая испанская провинция в средние века обладала собственным выразительным танцем, который подчеркивал национальный колорит той или иной земли. Отсюда возникли такие народные танцы, как Хота, Сардана, Муньэйра, Замбра, Болеро, Фанданго, Севилана и другие. Интересно, что большинство народных испанских танцев исполняются под волынку, тамбурин и лишь отдаленно напоминают испанский танец в представлении простого обывателя.

Современный испанский танец возник в первой половине 20 века. Его отличительная особенность – гармоничное единение танца и пения. Танец сопровождается живым пением, часто в исполнении самих танцоров.

Стиль фламенко

Происхождение слова "фламенко" до сих пор не доказано. Хотя существует множество теорий, обещающих объяснить значение слова фламенко, большинство из них все же не имеет достаточных свидетельств.

Одной из самых распространенных теорий является версия, согласно которой, слово фламенко переводится как испанское название фламандских солдат, которые охраняли Испано-бельгийские территории. Эти солдаты были известны своей уверенностью в себе, особым стилем одежды и показной гордостью, все эти качества также присущи характеру цыган, чтобы доказать свою правоту.

Одно из предположений, что "фламенко" происходит от латинского "огонь" ("flamma"). По другой гипотезе "фламенко" – это происходит от слова "Фландрия": в конце XVI века в Испанию пришли цыгане из Фландрии, внеся свое в культуру Андалузии. Некоторые считают, что есть родство со словом "фламинго" (по-испански – "фламенко").

Сомбреро с широкими полями, пестрые платья с воланами, яркий цветок в волосах и страстные танцы. Но послушав, о чем поется во фламенко, мы увидим, что по своей сути это музыка мрачная и драматичная, и фольклорный образ андалузской танцовщицы – лишь его внешняя, праздничная сторона.

Ф ламенко – это, пожалуй, наиболее страстный и любимый всеми испанский танец. Именно фламенко танцуют под гитару, сопровождая его выстукиваньем кастаньет и четкими дробями каблуков. Во время исполнения фламенко танцор открывает свою душу, погружаясь в состояние своеобразного транса. Часто на сцене танцоры выкрикивают то, что у них на душе. Большую роль играет костюм – он яркий, с множеством воланов на объемных юбках у женщин и рукавах у мужчин.

Одним из самых популярных танцев этого стиля является Танго. Около 1910г. проникло в Париж, где слало любимым танцем высшего общества. Церковь считала его неприличным танцем, но в Европе танго стало фаворитом всех танцевальных залов.

Б альный танец умеренного темпа, в размере 2/4 или 4/4, исполняемый парами. Зародилось около 1900 года в портовых кабачках и бедных ресторанах.

Выделяют основных 4 вида танго:

Цыганское танго.

Андалусийское танго

Креольское танго

Аргентинское танго

Болеро – один из старейших «школьных танцев». Название танца предположительно происходит от слова «Volar» (летать), так как создавалось ощущение, что танцоры просто парят в воздухе. С 18 века написано очень много композиций Болеро. Национальный танец Болеро был одним из любимейших у испанцев танцем, он завоевал популярность во всем мире благодаря прекрасным ритмам и танцевальным па*.

Болеро исполняется женщиной и мужчиной, или несколькими парами. Классический тип этого испанского танца был создан испанским танцовщиком Себастьяно Сересо около 1780 года. Темп классического болеро умеренный, даже сдержанный, движение полно внутренней силы и страсти. Танцуется такое болеро под аккомпанемент гитары и барабана, а сами танцующие отбивают на кастаньетах дополнительно сложные ритмические фигуры, сплетающиеся в необычайно прихотливый узор.

Х ота – танец зародился на территории нынешней Испании в далеком 18 веке. Родина танца хота провинция Арагон.

Специалисты долгое время дискутировали по поводу происхождения названия танца. Первые склоняются к следующим словам: Sawta (на арабском языке) или saltare (на латыни) в переводе означают почти одно и то же. Дословно, «я танцую», «я двигаюсь» или я прыгаю». Вторые специалисты считают, что происхождения слова хота в древнем языке – слово «xotar». Дословно, этот глагол переводится, как «прыгать» или «подпрыгивать». Хота исполняется в трехдольном размере. В зависимости от происхождения, места исполнения и музыкального наполнения, танец хота исполняется различным набором инструментов. В классическом исполнении, предпочтительно применение: гитара, лютень, бандура, свирель, барабаны. В других вариантах, вполне можно встретить волынки, кларнеты (в основном малые), маленькие бубенцы и целый набор барабанов. Профессиональные исполнители танца хоты также используют традиционные испанские кастаньеты и классические крестьянские костюмы. Правда, стоит отметить, что в домашнем кругу, в семьях костюмы используются редко. Здесь важен спонтанный взрыв, страсть, испанский характер.

Существует множество её разновидностей, в числе которых:

Арагонская хота – самый старый и самый известный вид хоты. Считается классическим видом.

Каталонская хота – официально признанный правительством танец Каталонии.

Кастильская хота – отличается от арагонской хоты более быстрым темпом.

Филиппинская хота – хота, адаптированная филиппинцами в период испанской колонизации Филиппинских островов.

Некоторые разновидности Хоты – это быстрые, зажигательные и приветственные танцы. А другие – более медленные, которыми провожают в последний путь усопшего. Есть также Хота, которую исполняют после сбора винного урожая.

П асадобль (Paso doble – «двойной шаг») – танец, зародившийся в Испании, в стиле фламенко, танец, имитирующий корриду*. Первое название танца – «один испанский шаг», поскольку шаги делаются на каждый счёт. Коррида -важная составляющая культурной жизни страны. Неудивительно, что танец стал ее хореографическим воплощением. Партнер изображает тореро*, а партнерша – его плащ или мулету (кусок ярко-красной ткани в руках матадора). Танец, основанный на бое быков. Он характеризуется точностью и четкостью шага, расправленными плечами и высоко поднятой грудью. Танец напоминает бой двух разъяренных быков. Шаг, который танцоры, как отчеканивают, – это основа Пасадобля. Зрителям очень нравится этот напряжённый танец, который начинается с фанфар в начале корриды или с парада участников. Драматический характер пасадобля захватил в 20-е годы XX века Францию, где этот танец стал очень популярным и отсюда распространился по всему миру.

 

Танцы народов крайнего Севера

Народы крайнего Севера на протяжении веков создали самобытное, оригинальное танцевальное искусство. Проследить в деталях всю историю народной хореографии крайнего Севера невозможно из-за ограниченности сведении о развитии на протяжении веков каждого варианта танца или игры.

Танцы народов Севера очень самобытны и ярки. Они всегда основаны на сюжетах и сценах из повседневной жизни, обрядовых действиях, камланиях шаманов. Ещё одна особенность танцев северных народов – сопровождение их горловым пением, искусно соединённым с вокалом. У каждого из коренных народов Севера мы встречаем древнюю мифологию, насыщенную поэтической образностью, символами и иносказаниями, танцевальную культуру, народную песню, музыкальную культуру.

Эвены

Эвен (самоназвание), устаревшее русское – ламуты ("приморские жители", от эвенкийского ламу – "море").

Эвены – народ расселены небольшими группами на обширной территории Магаданской и Камчатской областей, Хабаровского края и Республики Саха (Якутия). Основным занятием эвенов было оленеводство, которое обусловило формирование особого, кочевого уклада жизни, самобытной культуры. Олень давал эвену все основные источники его существования. Около 2000 лет назад они одомашнили северного оленя и приобрели навыки оленеводства, которое остается до настоящего времени их основным занятием.

В прошлом, обрядовые обычаи эвенов включали массовые общеплеменные ритуальные празднества, содержащие благопожелания и религиозные песни-пляски, личные взаимодействия человека с миром духов на основе шаманства. Особое место занимала охота на медведя, регламентированная строгими правилами и обрядами. По случаю добычи медведя устраивали Медвежий праздник.

Т анцы были основным развлечением после долгих месяцев зимы, ограниченной семейным кругом, бесконечных скитаний охотников в тундре. Девушки готовились к летнему хороводу с зимы, расшивая бисером и подшейным волосом оленя фартуки, кафтаны и капорообразные шапки из желтоватой дымленой или белой ровдуги. Традиционная хореография тунгусских народов (эвенов и эвенков), имеет общую систему круговых танцев-хороводов с пением.

Н ачинался летний долгожданный хоровод – хэдье эвенов песней запевалы, которую подхватывали все остальные. Происходило всё в сумерках белых северных ночей, когда спадала жара, а праздничная одежда людей выглядела особенно живописно.

«ХЭДЬЭ» – наиболее характерным для эвенов является хороводный круговой танец «ХЭДЬЭ», исполняемый эвенским населением во время празднования Дня оленевода большим числом участников под ритмические выкрики. Обычно хоровод водили весной. Это массовый, наиболее распространенный круговой танец. Он сопровождается отдельными словами и звуками, которые произносит запевала и повторяют все участники. Существует три варианта «Хэдъэ», отличающихся по типу движения. Например, в имитационно-подражательном танце эвенов «ОРЛА» участники двигались шагом по кругу, издавая горловые звуки. Когда один подражал крику орла, круг приостанавливался, танцующие, стоя на месте, резко поворачивали голову и корпус влево и вправо, как бы осматриваясь, одновременно издавая звуки, напоминающие клекот орла. Нет точных сведений об этом танце, но все, же упоминание о нем дает право предполагать, что такой танец у эвенов, видимо, существовал. Может быть, они заимствовали его от якутов, у которых орел считался священной птицей, тотемом.

«ХЭДЮГЭ» – женский хороводный танец. Исполнительницы становятся в круг лицом к центру. Руки, согнутые в локтях, могут быть соединены ладонями (под руки); подняты вверх «свечкой». Круг плавно движется вправо. С ускорением темпа шаги переходят в прыжки.

Движение повторяется и постепенно приобретает характер широкого полета. Сопровождались песней запевалы, которому вторили все исполнители.

 

 

И тельмены

Вначале XVIII в. ительмены занимали южную часть полуострова Камчатка. По языковым особенностям они делились на три группы – северную, южную и западную.

Основными занятиями ительменов – рыболовство и морской зверобойный промысел, дополнявшиеся на пушного зверя и собирательством. Транспортным средством служила собачья упряжка. Зиму проводили в полуподземных юртах с входом через дымовое отверстие, а лето в свайных балаганах, крытых травой.

Хореографические жанры ительменов представлены многообразием пластических форм от мимических гримас (своеобразные «танцы лица») до активных танцевальных движений всего тела.

Имитационно-подражательные танцы ительменов, изображающие животных и птиц, сопровождались звукоподражанием и выкриками кильхи к’плесильхч «выйди плясать», кхетэнзахч «плечами и головой пошевели», кулихан к’ынчувих «бедрами пошевели».

Главнейшие пляски у ительменов исполняли девушки и женщины. Все сидели в кругу: одна из них вставала и запевая песню, размахивала руками, к средним пальцам которых были привязаны пучки тоншича*. Женщина проворно двигала всем корпусом, при этом она кричала «голосами различных зверей и птиц.

Одна из мужских плясок заключалась в том, что исполнители по очереди выбегали из разных углов жилища, складывая руки, били себя ими в грудь, то в бок, иногда приподняв их над головой, передвигаясь при этом по кругу. Другую пляску мужчины исполняли, стоя на коленях, а так же прыгая, подобно лягушкам по кругу. Они хлопали в ладоши и делали различные телодвижения. Пляска отличалась большим разнообразием движений.

С.П. Крашенинников (русский ботаник, этнограф, географ, путешественник, исследователь Сибири и Камчатки, автор знаменитой книги «Описание земли Камчатки». Ректор Университета Академии наук и инспектор Академической гимназии (1750)) – упоминал еще об одной пляске – десять человек мужчин и женщин, холостых и женатых становятся в круг в своих лучших нарядах, ходят тихо кругом, поднимая одну ногу за другою, один за другим говорит слова так, что когда половина выговорит последние слова, то другая говорит первые, похоже на стихи.

 

Коряки

К оряки составляют одну из народностей северо-восточных палеоазиатов в Арктике. По языку, материальной и духовной культуре коряки близки к чукчам. Название «Коряки» появилось в русских документах и XVII веке, было заимствовано на северо-западе от юкагиров, которые называли их кэрэкэ. Другие полагают, что слово «корак» означает «оленный» от слова «кор» – «олень». В основном они проживают на Камчатке, небольшая часть расселена на побережье Охотского моря и в Магаданской области.

Многочисленные территориальные группы коряков объединяются в две крупные группы – тундровые или оленные чавчувены(были оленеводами) и береговые или приморские нымыланы (занимались промыслом морского зверя, рыболовством и охотой). Коряки являются коренным народом Арктического Севера.

Хореография береговых и оленных коряков, как и у других народов северо-востока России, делится на обрядово-ритуальные танцы, танцы-инсценировки, игровые и личные (индивидуальные) танцы.

У коряков особенно почитался «Праздник добычи первой нерпы». Когда нерпу вытаскивали на берег, женщины и мужчины ходили вокруг нее с говорящими головнями и исполняли импровизационные танцы. Смысл их – благодарение духов за удачную охоту. Танцы состояли из двух имитационно подражательных импровизаций.

Женщина подражала осматривающейся нерпе, вынырнувшей из глубины моря. С первым ударом бубна исполнительницы, оторвав пятки от земли и чуть приподнявшись на носки, поворачивали корпус и двигали бедрами то вправо, то влево. Они легко всплескивали кистями, имитируя движения ласт нерпы. Танец сопровождался хоркающими звуками. Каждый пришедший на праздник гость представлял нерпу. «Чем больше приходит гостей, тем больше будет нерп в следующем сезоне».

«Праздник добычи первой нерпы» проводили в помещении. На земляном полу расстилали нерпичью шкуру, хозяин – устроитель держал несколько ольховых веточек по числу пойманным их животных. Танцевали одновременно две группы женщин: пожилые – вокруг очага, молодые – на правой стороне яранги.

В общем, исполнители подражали повадкам животных: нерпа плавает, ныряет, выглядывает из воды, высматривает добычу и т.д.

 

Чукчи

Большинство чукчей проживают в Чукотском и Анадырском районах Чукотки. Первое упоминание о чукчах как о довольно многочисленном народе северо-востока Азии относится к концу XVII-го века. Уже тогда они разделялись на оленных – кочевых и прибрежных – охотников на морского зверя.

В XVIII в. благосостояние оленных чукчей целиком зависело от оленя. Он давал им все необходимое для жизни: одежду, пищу, тепло, свет и т.д. Жилищем оленным чукчам служили яранги – разборные цилиндроконические шатры, крытые оленьими шкурами.

Хореографическое искусство чукчей, как и коряков, можно разделить на:

обрядово-ритуальные;

имитационно-подражательные танцы;

танцы-инсценировки (пантомимы);

игровые;

импровизационные (индивидуальные) танцы.

Во время Нэнрирвун «Праздника осеннего забоя оленей», Кил’вэй «Праздника рогов», Мнэыргын «Праздник благодарения», обрядовых церемоний по случаю удачной охоты на волка, на медведя и др. чукчи-оленеводы своими танцами и песнями стремились повлиять на духов, от которых зависело благосостояние и благополучие народа.

Дошедшие до нас обрядовые танцы оленных чукчей Виврэльэт «дрожание колен», Рультынтэгнык «танец с гримасами» весьма архаичны*, о чем свидетельствует приемы их исполнения, стоя на месте или двигаясь по незамкнутому кругу по ходу солнца и т.д.

Женщины участвовали в танцах чаще, чем мужчины. Нередко танцы сопровождались не только пением под аккомпанемент бубна, но и под «шумовым оформлением»: хлопками в ладоши, топотом ног, выкриками и игрой на шумовых инструментах. Шум, как известно, по поверьям должен был напугать злых духов, отогнать их.

С реди чукчей – оленеводов были широко распространены имитационно-подражательные танцы, отображающие повадки зверей и птиц:

«К’этчанрун» – «Журавль» – импровизационный танец, его исполняли обычно сольно или две девушки. Танец исполняли под особую песню, посвященную журавлю, и под аккомпанемент бубна.

«Энмитагин» – «Куропатка – пестрый хвост. Он построен в основном на толчкообразных движениях бедер, имитирующих движения хвоста куропатки. Исполнительницы сопровождают его гортанными звуками, приговаривая: «пестрый хвостик, пестрый хвостик». Для танца нужны хорошие танцоры, ибо он требует свободных движений всего тела.

«Нэрк’ук» – «Лебедь». Основные движения танца – шаги на пружинящих в коленях ногах и резкие движения шеи вперед и назад. Корпус при этом наклонен вперед. Делая шаг, исполнители подражали крику лебедя. Они совершали небольшие прыжки с поворотом корпуса то в одну, то в другую сторону.

«Илюльэт иьаяк’эн» – «Танец чайки». Исполняли его чаще женщины – сольно, парами, группой; иногда танцевали и мужчины.

Имитационно-подражательные танцы («Полет чайки против ветра», «Топорок», «Ворон», «Чайка») исполнялись преимущественно мужчинами. Подражательный танец – своего рода «перевоплощение» в того или иного животного или птицу.

 

Восточные танцы

Индия

Традиции индийского танца насчитывают более 5000 лет.

И стория происхождения индийских танцев уходит своими корнями в глубину веков. Самыми ранними свидетельствами существования различных форм танца являются древние пещерные фрески и бесчисленные скульптуры, вырезанные в стенах храмов.

Создателем и покровителем танцевального искусства в Индии считается Шива – один из трех великих богов индуизма. Согласно мифологии, бог Шива создал Вселенную, танцуя под звук колокольчика, и Шива сожжет состарившийся мир в огне своего последнего разрушительного танца. Вселенная в мифологии – это космический танец, который танцует Шива – Владыка танца.

Первые руководства по искусству танца были описаны Бхаратой в период между 100-300 н.э. в книге, которая получила название "Натья-Шастра",описывает 108 танцевальных поз Шивы, которые обязательно должен был изучить любой начинающий танцор. Танец рассматривался как явление божественное, дар богов человечеству. Индийские танцы поначалу жили в монастырях и храмах. Жрецы сохраняли правила индийского танца.

Индийский храмовый танец – это своего рода духовная практика, такая же древняя, как йога.

Бхарата-Натьям, Катхак, Одисси, Кучипуди, Мохиниаттам и Катхакали – только некоторые из основных традиций классического танца Индии. Индийский танец тесно связан с преданиями, мифами, часто для танца берутся темы мифов и поэмы-постановки.

Традиционный танец в Индии культивировался главным образом девадаси – храмовыми танцовщицами, которые поддерживали жизнь классического танца Бхарата-Натьям.

Формы танца можно разделить на три основные категории:

нритта "чистый" танец, танец как таковой (движения образуют в пространстве геометрические фигуры, чисто декоративного характера – как узоры. В них нет никакой другой цели, кроме того, чтобы доставлять зрителю эстетическое удовольствие);

н ритья танец, передающий некую идею (получает смысловую нагрузку, мимика передает зрителю чувства, знакомые из повседневной жизни. Мимика подкрепляется символическими жестами, которые представляют собой своеобразный язык. Всегда сопровождается пением.);

натья, театральное представление.

Движения рук, туловища, плечей, предплечий, шеи, так называемые "хасты" или чаще "мудры", являются самой удивительной особенностью индийского танца. Жесты могут быть подражательными и описательными, они передают целую гамму чувств и мыслей. Они говорят: приди, уйди, нет; они благословляют, ладонь становится раскрывающейся чашечкой лотоса, с кончиков пальцев слетают птицы. Движения могут обозначать небо и землю, семь морей и преисподнюю.

Существует 24 типа движений одной кистью, 13 типов движений двух кистей рук, 10 движений руки целиком, 5 типов движений для грудной клетки и по 5 типов для торса, живота и бедер.

С уществуют правила позиций ступней. Танцовщиков обучают также спиралевидным движениям и прыжкам.

Есть типы движений для бровей, а также 36 типов взглядов.

Почти все индуистские танцы исполняются босиком – традиции, пришедшие из истории, т.к. в храм можно было заходить исключительно босиком.

На исполнительнице индийского храмового танца – огромное число украшений, звенящих при каждом движении. Бронзовые колокольчики на ногах, золотые браслеты на запястьях и над локтями, в носу кольцо натх, соединенное цепочкой с мочкой уха, на шее ожерелье, голову обхватывает плоский обруч с подвеской.

Раз в году в Индии празднуется Праздник огней, когда силы добра побеждают зло. Символом победы и очищения является огонь. Поэтому в заключение концертов в Индии любят танцевать танец со свечами – огонь считается священным и приносит очищение.

Индийский танец – зрелище праздничное и захватывающее, за которым стоят годы тренировок и неукоснительное следование древним канонам. На разучивание танцевальных движений, не отработав которые нельзя приступать к самому танцу, уходят 5-9 лет.

Классическими в Индии признано семь стилей танца:

- бхарат- натьям,

- кучипуди,

- мохиниаттам,

- катхакали,

- одисси,

- катхак,

- манипури.

Б харат-натьям

Это самый древний в мире и лучше всего сохранившийся танец, история которого насчитывает около 2 тысяч лет. Он зародился в индуистских храмах на юге Индии и дошел до нас благодаря девадаси, храмовым танцовщицам. Обучение Бхарат-натьяму традиционно занимает около семи лет под руководством наттуварнар (гуру).

Танец состоит из шести частей и исполняется в течение полутора-двух часов.

Техника исполнения современного бхаратанатьям включает в себя 9 позиций или настроений: любовь и отвращение, героизм и страх, радость и печаль, удивление, покой и гнев, которые передаются при помощи движений, мимики и жестов. Отличительные особенности современного бхаратанатьям: подчёркнутая геометрия поз и симметрия рисунка танца, несколько резкие, ясные и точные движения, условность жестов и мимики.

Танец динамичный, линейный, со множеством притоптываний, поворотов и прыжков. Много уравновешенных поз с вытянутыми ногами и руками.

Ранее только женщины могли участвовать в представлениях; мужчинам позволялось лишь быть учителями. В настоящее время мужчины достаточно часто участвуют в танцевальных представлениях.

Катхакали

Катхакали буквально означает "история, пьеса". Этот сложный танец изображает победу правды над ложью. Поразительная особенность Катхакали – это использование сложного макияжа и красочных костюмов, подчеркивающих, что персонажи – существа из другого мира.

П о традиции катхакали исполняют только мужчины. Особую торжественность и величие катхакали придают костюмы и грим. Персонажей узнают по цвету грима, маскообразно наложенного на лицо и отличающегося сложной символикой линии и рисунка.

Актеры одеты в яркие, сборчатые юбки, на шеях – многоцветные шарфы, на головах – ярко расписанные короны. Эти стилизованные, необъятные одеяния непомерно увеличивают размеры человеческой фигуры, придавая ей сверхъестественное величие.

В катхакали чисто танцевальные номера сочетаются с изобразительными. Огромную роль играет мимика; выражение глаз, движение бровей и лицевых мышц помогают передать тончайшие движения души. Язык жестов отличается крайней усложненностью; чтобы хорошо понять изображаемую сцену, надо заранее знать сюжет.

Манипури – лёгкий грациозный танец, по сравнению с танцами других классических школ имеет меньше символических жестов и движений (мудра). Он близок народным образцам танцевального искусства Индии. В основе Манипури – танцевальные стили ласья (женственный и поэтический) и тандава (мужественный и энергичный). Для танца характерно вокальное и инструментальное сопровождение, а также элементы драматического искусства. Высокая разработанность и техническое совершенство позволили на основе Манипури создать сложные развёрнутые музыкально-танцевальные представления.

Танцы манипури, как правило, исполняются группами танцовщиц, но есть и сольные номера. Движения танцовщицы, веретено подобные и круговые, отличаются поразительной грацией, изысканностью и плавностью; положение тела со сжатыми коленями напоминает цифру восемь; выражение лица мечтательно-лирическое. Костюмы необычайно красочны, юбки расшиты зеркальцами, верхняя часть одежды унизана украшениями; на лицах полупрозрачные вуали.

Китай

Китайские танцы, как и китайский язык, обладают своим уникальным словарем, который используют танцоры, чтобы выразить свои чувства и мысли во время танца.

Самый ранний китайский иероглиф «танцевать», написан на гадальных костях, и представляет собой танцора, держащего в руках бычьи хвосты. Танцевальное искусство в Поднебесной возникло задолго до появления письменности. Во время археологических раскопок в округе Цинхай учеными были найдены глиняные горшки, на которых было нанесено изображение танцующих людей. Эти древние артефакты, относящиеся к 4 т. до н.э. показывают, что уже в эпоху неолита люди на территории Китая практиковали групповые танцы под аккомпанемент музыкальных инструментов.

История китайского танца начинается в IV тысячелетии до н.э. Сначала это были просто групповые движения по кругу во время различных ритуалов и религиозных действий. Постепенно танец начинает превращаться в искусство, появляются определенные каноны и требования.

В I тысячелетии н.э. в Китае появляется две разновидности танца: военные и гражданские (ритуальные). Исполняя гражданские танцы, танцоры использовали специальные символы, украшенные перьями, которые должны были символизировать долю добычи от охоты или рыбалки.

Во время военных танцев танцоры брали в руки оружие и совершали синхронные движения. Потом эти движения начали использовать во время военных учений. Китайцы танцевали этот танец, чтобы почтить духов неба и земли, разыгрывали сценки из повседневной жизни.

О чень часто в танцах используют дополнительные предметы, такие как веера, шарфы и т.д. Почти все традиционные танцы в Китае имеют какое-то значение: их посвящают богам, часто они символизируют события из истории Китая. Каждый танец имеет свое название: танец роз, танец с мечами, танец льва или танец дракона.

Многие народные танцы имеют отношение к сбору урожая и охоты, и с ними связаны древние боги. Например, танец созвездий исполнялся для того, чтобы было произведено столько семенного зерна, сколько звёзд в небе, а гарпунный танец был связан с Фу Си, который согласно мифологии дал ханьцам рыболовные сети. Танец плуга был связан с шэнь-нун, богом сельского хозяйств.

В Китае издавна славилось искусство актёров. Они должны были уметь петь, играть на инструментах и танцевать. Всё это сочеталось в китайских спектаклях.

Для мужского танца характерны расставленные колени и растопыренные пальцы рук. В женском танце всегда прямая спина и семенящие, почти незаметные шажки.

С реди самых известных китайских традиционных танцев – ТАНЕЦ ДРАКОНА И ТАНЕЦ ЛЬВА. Эти танцы, как и грохот китайских фейерверков, должны отгонять злых духов.

Танец дракона. Самым известным символом Китая в мире является дракон. Сами китайцы называют себя «детьми дракона», так как это мифическое существо ассоциируется с небом и высшими силами. Ни один китайский праздник не обходится без представления и танца дракона.

Дракон всегда ассоциировался с силой и достоинством, народы Юго-Восточной Азии называют это мифическое животное «приносящим удачу», поэтому неудивительно, что в Китае ему посвящен отдельный танец. В Китае насчитывается более 700 различных танцев дракона.

Драконы, как верят китайцы, контролируют количество осадков. Поскольку много людей в Китае живут за счет сельского хозяйства, танец дракона был впервые разработан, чтобы умилостивить дракона и вызвать дождь. В отдаленных деревнях, в которых люди живут по старым обычаям, этот танец по-прежнему часто практикуется в течение засушливых сезонов. Но, конечно же, сейчас танец дракона в основном является развлечением для людей во время праздника.

В представлении участвуют около 50 человек, которые должны действовать абсолютно синхронно. Они держат на специальных шестах тело дракона, которое иногда достигает 40-50 метров в длину. Голова и тело дракона традиционно выполнены в золотом, зеленом и ярко-красном цвете. Эти цвета символизируют хороший урожай и благополучие. Танцоры также одеваются так, чтобы соответствовать цветовой гамме дракона. Китайский новогодний танец дракона почти всегда исполняется в ночное время, чтобы фонари и факелы, которые также являются неотъемлемым атрибутом танцевального шествия, добавляли эффектности танцу. Исполнители, которые будут участвовать в танце, репетируют целыми неделями, а иногда даже месяцами, перед выступлением.

Танец льва вызывает недоумение, ведь в Китае львы не водятся. Откуда же возник такой обычай?

С уществует легенда о том, что львы были использованы императором Вэньди во время войны с противником, который использовал боевых слонов. Императорская армия несла из-за этого огромные потери. Тогда кто-то предложил использовать против гигантов львов. А поскольку в Китае львы не водились, то их решили заменить тряпичными чучелами. Чучела соорудили из подручных материалов – бамбука, ткани и веревок. В каждом «льве» находилось по два воина, которые двигали чучело.

После начала сражения на вражеских слонов двинулось войско тряпичных львов. Это привело гигантов в замешательство. Слоны заметались, уничтожая собственные войска, и в конечно итоге разбежались. Враг был разгромлен и исход войны был предрешен. Тогда зародилась традиция исполнения танца льва, для поднятия боевого духа китайских солдат. Со временем этот акробатический танец полюбили и простые жители.

Внутри тряпичного льва размещается двое танцоров. Сложнее всего приходится тому, кто находится впереди. Он обязан задавать ритм, направление и успевать управлять мимикой льва. С помощь веревок приводятся в движение уши льва, открываются и закрываются глаза. Такой танец требует серьезной физической подготовки, ведь голова льва может весить около 40 кг.

В каждой китайской провинции есть свои особенности исполнения этого танца. Например, в Гуандуне две команды танцоров борются за мешочек с деньгами, подвешенный на 10-метровой высоте.

Танец с веером

Традиционный китайский танец с веером родился в Китае более 2000 лет тому. Считается, что древняя форма народного танца – танец с веером – служит различным целям и высоко ценится китайцами.

Во-первых, он используется, чтобы помочь сохранить историю и традиции китайской культуры. И туристы и молодые китайские поколения учатся классическим преданиям и обретают знания о прошлом Китая, просто смотря танцоров с веерами. Именно поэтому часто можно увидеть танцоров с веерами на фестивалях, театральных представлениях и других общественных мероприятиях.

Во-вторых, танец с веером также служит в качестве развлечения. И это неудивительно – ведь столь красочное зрелище вряд ли кого оставит равнодушным.

Также китайский танец с веером служит очень хорошей физической разминкой для его участников.

Истоки танца с веером восходят к династии Хань, и его возникновение датируется примерно 200 г. н.э. Династия Хань была первой, кто оценил и начал развивать эту форму искусства.

Танцевальные костюмы для танца с веером могут варьироваться от традиционной китайской одежды до красочных платьев. Поскольку танцы с веером используются для рассказывания историй, костюмы часто подбираются под конкретный рассказ.

Вееры используются, чтобы подчеркнуть движения и костюмы танцоров. С помощью веера добавляется особая красота, которую нельзя передать более модернизированными формами танца. Вееры также могут быть также использованы в качестве атрибута, который изображает что угодно – от продовольственной корзины до сундука с кладом. Также веера часто украшают перьями, драгоценными камнями, бамбуковыми листьями или другим подобным декором, что добавляет дополнительный эффект необычному танцу.

Я пония

Во всех культурах народов мира присутствуют танцы, но в Японии они отличаются своей уникальностью и выразительностью. Японские танцы появились более 1500 лет назад. На протяжении всей истории Японии национальные праздники сопровождаются танцами: торжественными и народными плясками.

О тличительной особенностью японского танца является его тесная связь с другими видами искусства, в первую очередь с театром. Японские танцы представляют собой целые театрализованные выступления, которые показываются не только при помощи телодвижений, а в ход идут ещё и множество различных аксессуаров: веера, маски, зонты, оружие, шляпы и т.д. Каждое представление исполняется во имя чего-нибудь: прихода долгожданного времени года, богатого урожая, победе в войне или истории любви.

Сочетание плавных и резких жестов, ярко очерченная мимика, удивительные костюмы и яркий макияж – всем этим вооружаются танцоры-японцы. Японская хореография не приемлет «рваных» движений. Все позы, именуемые «ката», заранее известны и отточены до совершенства. Они обладают неспешностью, граничащей с неподвижностью: корпус большую часть времени остается на одном месте, и только кисти, плечи, голова изменяют положение в пространстве. Движения героев должны будто скользить, поэтому танцуют или в помещении со специальными татами на полу, или на оборудованной сцене.

Композиция строится по определенной модели «дзе-ха-кю», применяемой также в литературе, театре, даже чаепитии. Смысл ее состоит в том, что все действия последовательны:

дзе – вступление, чтобы подготовить зрителя, передать атмосферу; длится дольше остальных частей;

ха – развитие событий, содержащее кульминационный момент;

кю – неожиданная развязка; самая короткая по продолжительности часть.

Два вида

Можно выделить два основных вида национальных танцев:

Май

Буквально означает «вращаться», это понятие указывает на свои истоки – раньше в храме женщины совершали ритуальные танцы, двигаясь по кругу, при этом они держали различные растения. Таким образом они молили божеств даровать им плодородное и спокойное состояние.

Подобный ритуал стал основой для танца – умиротворенного, мягкого, сдержанного. Он также послужил базой для театрального представления в традиционном стиле но. В данном случае танцы с веерами стали символизировать хождения с растениями.

Одори

Термин переводится как «прыгать», и в этом есть смысл – в таком танце движения резкие, как перед прыжком, довольно грубые и отрывистые. Изначально подобный вид появился вследствие школы буддизма дзедо, куда входили многие крестьяне. Позже он постепенно трансформировался в отдельный вид искусства – знаменитый на всей планете театр кабуки.

До первой половины XVII столетия в качестве актеров театра кабуки нанимали только девушек, но затем вышел указ правительства, запрещавший представительницам прекрасного пола играть в этих театральных постановках. Тогда их место, даже на роли женщин, заняли мужчины. Актёрами стали мальчики, но и им вскоре это было запрещено. Исполнителями кабуки могли быть только взрослые мужчины. Темами танца становились разнообразные драматические и религиозные сюжеты.

Атрибуты японских танцев

Японский народный танец – это целый театр, использующий многочисленные атрибуты: полотенца, зонты, мечи, веера, шляпы, маски и многое другое, всё, что используется в обычной, повседневной жизни. Их основное предназначение – это подсказки. Японский веер, например, это символ счастья, поэтому применяется в японском танце довольно часто для выражения радости и удовлетворения жизнью.Зонт в руке танцора поможет ему рассказать о дожде. Шляпа бережёт лицо крестьянина от солнца, поэтому танцор в шляпе повествует о сельском хозяйстве. Меч, конечно же, – непременное оружие самурая.

В японском традиционном искусстве важно положение ступни в движении. Например, в традиционном танце у женщин, это семенящий шаг, с минимальным расстоянием между «следом» ступни; у мужчин в японском театре масок «Но» шаг осуществляется с носка на пятку, что делает сценическую поступь мягкой и неслышной.

Руки в японском традиционном и народном танце чаще всего подняты вверх. Позиции рук и положения кистей рук и пальцев тоже отличают мужской и женский танец.

П риседание, или plie, свойственны мужскому и женскому и женскому танцу; японские танцовщицы в японском традиционном и народном танце могут присесть или сесть на согнутую одну ногу или согнутые обе ноги, как в быту.

 

Хигаса-Одори – танец с зонтом. Появился в 18-19 веке и предназначался для увеселения китайских чиновников, прибывших в Японию с дипломатической целью. Хигаса-Одори имеет 5 разновидностей: драматический, в исполнении женщин, мужчин, молодых людей и пожилых людей. Особенно распространённым видом Хигаса-Одори был женский, облачённые в кимоно японки прибавляют зрелищу особое изящество.

С акура – танец, который исполняется, по сей день в праздник Ханами – это торжество весны, солнца, ясного неба и цветков сакуры. Хореографические па неизменно выполняют девушки.

Ханами или праздник цветения сакуры – национальный праздник Японии. Проводится ежегодно в период цветения распространенного в Японии дерева сакуры. Сакура – своеобразный национальный символ Японии. Этому, так недолго цветущему дереву, в Японии посвящено великое множество стихов и песен. Время его цветения у японцев считается особым. В эти дни всё вокруг покрывается удивительными белыми и розовыми цветами. С веками этот необычный праздник превратился в национальную традицию. Цветение сакуры означало для всех людей не только приход весны, но и начало времени посадки риса, оно отождествлялось с будущим богатым урожаем. Японцы уверовали в силу цветущей сакуры, поклонялись ему как божеству, преподносили ему ритуальные дары.

 

Острова Тихого океана

Самоа

В этой стране любят сидячие танцы, в которых искусно используются движения верхней части туловища. Они исполняются под хлопанье в ладоши или под стук маленьких деревянных палочек. Очень любим танец с прихрамыванием вокруг «калеки», который внезапно высоко подпрыгивает и смеётся. Этот танец символизирует победу человека над болезнью.

 

Новая Зеландия

Здесь танцуют в сопровождении хора и выкриков мужчин. Движется все тело, лицо. Это юмористические танцы хака, требующие мгновенных изменений движения.

Коньяо – магический танец, в котором жрица приносит свинью в жертву духам предков и просит даровать своему племени могущество.

Сингкил – танец о мусульманской принцессе. Требует от исполнительницы особой сноровки и изящества, потому что она двигается между бамбуковыми шестами, которые постукивают в ускоряющемся темпе.

Гавайи

Хула – когда-то это был священный танец жриц под рокот барабанов. Люди молили богов о плодородии. Сейчас копия этого танца исполняется для туристов как выражение радости жизни.

 

Юго-Восточная Азия

Т анцы этого региона испытали влияние индийской и китайской культур. От индийцев взята театральность (каждый танец – это маленький спектакль, где есть положительные и отрицательные персонажи). Воздействие Китая ощутимо в нарядах танцоров. Специальные остроконечные украшения на плечах напоминают пагоды.

В течение многих веков танцы Юго-Восточной Азии находятся под строгим наблюдением королевских дворов. Танцовщики жили и воспитывались во дворцах, где и исполнялись спектакли. С детства танцоры упражнялись в растягивании сухожилий пальцев рук. Поэтому руки, кисти у них могут выгибаться самым удивительным образом.

Танец выполняется, в основном, головой, плечами и руками при неподвижности торса. Это похоже на театр марионеток.

Вьетнам

И стоки танцевального искусства народов, населяющих Вьетнам, уходят в глубокую древность, о чем свидетельствуют изображения на находимых нынче археологами артефактах Dongson, так же свидетельствуют гравюры, найденные на барабанах Донг Сон. Страна на протяжении всей истории испытала множество потрясений, война и мир постоянно сменяли друг друга, периоды процветания и застоя. Естественно, что танцы из-за этого изменялись, что-то добавилось в плане движений, что-то, наоборот – перестали использовать. Интересно, что большинство западных танцев вьетнамцы называют не "múa" (танец), а "nhảy" (прыжок/скачок), потому что они сосредоточены на движениях ног, а не рук.

Если в танце используется только движение ног, то каким бы оно сложным не было, вьетнамцы никогда не скажут, что это "múa", но если просто двигать руками, стоя на одном месте, то это будет "múa" – настоящим танцем. Это наглядно демонстрирует, что движения рук имеют решающее значение во вьетнамских танцах. – Традиционные вьетнамские танцы в своем большинстве медленные, что отображает "достоинство" танцоров. Также для Вьетнама более характерны групповые танцы, нежели сольные.

Несмотря на многообразие традиционных вьетнамских танцев, в них можно выделить следующие характеристики: основное внимание уделяется движениям рук и верхней части тела (от пояса).

Вьетнамский танец развивался в тесной взаимосвязи с театральным искусством. Наиболее распространены виды танцевально-драматических представлений – классический театр туонг (11–13 вв.) и народный театр тео. Эти представления включают речь, пение, музыку и условный жест, который имеет тщательно разработанные формулы, выражающие тончайшие нюансы состояний и чувств персонажа. Напр., выражение гнева изображается резким покачиванием головы, сильным, непрерывным колебанием плеч и рук и другие. Учатся этому искусству с юности.

Традиционный танец является неотъемлемой частью культуры Вьетнама. Любой праздник или культурное мероприятие обязательно включает в себя танец. По региональным различиям в танцах можно прекрасно сложить впечатление об обычаях и культуре каждой области Вьетнама – танцы отражают широкий спектр вьетнамской жизни, в том числе сезонные фестивали и праздники, историю, мифы, обычаи и повседневную деятельность.

Классический вьетнамский танец является изящным, элегантным танцем с плавными текучими движениями. В процессе отыгрыша ролей танцорами очень важную роль играет мимика, с помощью которой выражается огромный спектр эмоций.

Некоторые из танцевальных движений во Вьетнаме изображают конкретные вещи в природе, например, течение реки, деревья, колышущиеся на ветру, бабочек и птиц, летающих над цветами. Другие движения передают повседневную деятельность, такую как сбор урожая, греблю на лодке или стирание шелковых одеяний.

Танцы Вьтнама часто подразделяют на несколько жанров: театральные танцы или оперные танцы, народные танцы, фестивальные танцы, и королевские танцы.

Самые популярные танцы :Фан-танец ,Танец фонарей ,Танец лотоса ,Флаг танец ,Танец на тарелке ,Свеча танец, Танец благовоний ,Танец со шляпой ,Шарф танец ,Танец льва ,Ленточный танец .

Т анец со шляпой, вероятно, один из двух наиболее распространенных традиционных танцев во Вьетнаме. Для иностранцев одежда жителей этой страны зачастую ассоциируется с конической шляпой, которая стала символом Вьетнама. Две основные темы танцев со шляпой: изображение нежности и мягкости вьетнамских женщин, а также изображение повседневной жизни простого народа, чаще всего фермеров, поскольку сельское хозяйство является основным способом жизни вьетнамцев с древних времен. Заготовка, полив рисовых полей, сбор урожая – все это обычно изображается в танце со шляпой.

Н аряду с танцем со шляпой, танец с веером является одним из наиболее распространенных танцев Вьетнама. Этот тип танца исполнялся как при королевском дворе, так и простыми людьми. Вееры, используемые в качестве необходимого элемента, могут быть двух видов: один большой, красочный, его пластинки покрыты мягкими материалами. Второй тип веера – значительно меньше по размеру, часто желтовато-древесного цвета, его пластины не покрывали ничем. Ранее этот танец использовался для отображения благодати, связи с природой, красоты. В более поздние времена танец с веером часто использовался для отображения идеальных манер и изящества.
 

Т анец льва Танцы на фестивалях и торжественных мероприятиях Танец льва был импортирован из Китая в вьетнамскую культуру, где он разработал свой собственный стиль. Он проводится в основном на традиционных фестивалях, таких как Tết (Лунный новый год) и Tết trung thu (Праздник середины осени ), но также и в других случаях, например, при открытии нового бизнеса. Танец льва очень символичен, якобы он используется для отпугивания злых духов. Существует множество стилей, и танцы львов обычно сопровождаются боевыми искусствами и акробатикой.

Корея

Изначально танец был частью крестьянской корейской культуры. Он сопровождал и имитировал действия, которые люди выполняли во время посадки и сбора урожая. Также танец приобрел черты шаманизма*, который существовал на полуострове до появления буддизма* и конфуцианства*.

Танцами сопровождались ритуальные действия – жертвоприношения, общение со злыми и добрыми духами, просьбы высших сил о хорошем урожае и исцелении от болезней. Главным видом хореографии при этом был хоровод, который имел еще и астрологическое значение: круг, в который становились женщины и девушки, символизировал Луну, с которой в Корее связывают культ плодородия. Прыжки и приседания во время танца имитировали действия, которые сопутствовали обработке поля. Также во время танца кореянки просили замужества, семейного благополучия и рождения детей.

Шаманизм связывал мир людей и духов, которые, по верованиям корейцев, постоянно соприкасались. Шаман (как мужчина, так и женщина), выступал в роли посредника между этими мирами. Шаманы использовали деревянные расписные маски, которые «обманывали» духов и мешали им преследовать человека. После совершения ритуального танца они сжигались, так как считались «испачканными».

С появлением в стране официальных религий – буддизма и конфуцианства – танцевальная культура расслоилась:

простолюдины продолжали двигаться в традиционном стиле, который носил черты разнузданного веселья и часто изображал бытовые сцены.

знать переняла чопорность, характерную для конфуцианства, пришедшего из Китая. Движения стали медленными и степенными, чувства было принято скрывать, а сюжеты стали более возвышенными.

Отдельную категорию составили танцы, которые исполняли буддистские монахи. Чаще всего такие хореографические композиции были рассчитаны на индивидуальное исполнение. Они носили не развлекательный или сюжетный смысл, а выполняли роль медитативной техники.

Н ародный крестьянский танец.

Атрибутами танца являются длинный волнистый шёлковый шарф снежно-белого цвета, используемый в танце «Сальпхури», а также барабаны, шляпы, мечи и т. д. В танце призрака персонаж воссоединяется с покойным супругом, что только усиливает боль от повторной разлуки, имеется лишь несколько атрибутов либо они полностью отсутствуют. А в большом танце с барабанами фигурирует огромный барабан, который может быть больше, чем сам исполнитель. Барабан притягивает монаха одним своим видом, монах поддаётся искушению и исполняет зажигательный барабанный танец.

Крестьянский танец пользуется наибольшей популярностью. Здесь демонстрируются энергичные и динамичные движения с высокими прыжками. В таких танцах чаще используются импровизации. Самый популярный из них – Тхалъчмум, исполняющийся в масках. Это своего рода небольшая постановка (театрализованная), наполненная комическими сценками, высмеивающими знать и представителей высшего сословия общества.

Корейский придворный танец называется «чонджэ». Он произошёл от представлений при королевском дворе, сначала включавших в себя не только танцы, но и другие формы искусства, такие как чультхаги (хождение по канату), кондоджиги и монматхаги, со временем ставшие известными как придворный танец. Танцы придворные исполнялись в богатых, красочных костюмах, демонстрирующих изящные и красивые движения исполнителей.

Чондже обычно исполняли перед королевской семьёй, придворными чиновникам, иностранными представителями или во время празднеств, организованных государством.

Самым популярным из этой категории считается пучхэчхум – танец с веерами. Обычно его исполняет до двух десятков танцовщиц с двумя веерами, на которых изображены розовые пионы. Главный акцент в пучхэчхум делают на хореографические фигуры и эмоциональность – танец пропитан легкой радостной энергетикой. Несмотря на народное происхождение, ряд танцев обрёл постоянный высокий статус, включая танец отшельника, танец призрака, танец с веерами, танец монаха, танец шута и другие. Считается, например, что танец с веерами имеет свои корни в камлании шаманов, в котором те использовали листья деревьев, позже этот танец стал элементом высокого искусства.

Еще одна популярная разновидность классической хореографии – комму, танец с мечами. Он содержит элементы настоящих боевых искусств, которым нередко обучались кисэн. На протяжении всей корейской истории их использовали как «подпольных агентов», которые завоевывали симпатию мужчин из враждующих династий или стран, выведывали военные тайны и совершали диверсии. Этот танец энергичный и быстрый, но при этом подчеркивает изящество, которым должна обладать исполнительница.

 

Танцы народов Кавказа

На Кавказе проживает много народностей. При относительно небольшой площади на территории Кавказа проживают представители более 100 различных народов, говорящих на различных языках и их диалектах, имеющих различную материальную и духовную культуру, происхождение. Основные территории можно условно поделить на три части: Северный Кавказ, Закавказье и Дагестан.

Возникновение танца и развитие первобытного искусства тесно связаны с возникновением религии. Многие из выработанных искусством хореографических приемов использовались в различных культовых обрядах и ритуалах, на основе их создавались культовые пляски.

Перед уходом на какие-нибудь работы – на охоту или войну – они приходили к своим божествам или священным местам и в плясках демонстрировали перед богами свои будущие действия, молили о покровительстве и ниспослании удачи в предстоящем деле.

Танцы Кавказа тесно связаны с песней, музыкой, молитвой, реквизитом (оружием, посудой и т.д.). В танцах выражалась стрельба из лука, повадки диких животных, сбор плодов и трав, пахота, посев, прополка, уборка урожая, стрижка овец, шитьё и другое. Всё это нередко передаётся в танцах условно.

Т ак, стали появляться танцы: сольные, парные, круговые хороводные пляски. Дальше зарождается танец на носках. Первые передвижения на носках могли быть применены как подражание формам обработки земли или другим трудовым приемам. Некоторые народы считают, что данный танец появился во время подражания танцоров движениям орла. Исполнялись сольные и массовые танцы, женские, мужские, смешанные.

Наиболее распространенным танцем у горцев была "лезгинка", имевшая множество вариаций.

Лезгинка – это общее название для всех быстрых кавказских танцев, которые в культуре разных народов называются по-разному. Лезгинка, своего рода, эмблема, или визитная карточка любого кавказца. Это танец-соревнование, который демонстрирует ловкость, виртуозность, неутомимость танцовщиков. Его называют ещё «прыгающим танец». Лезгинку исполняют под музыку с ритмом в 6/8. Ее принято танцевать во время праздников – календарных, свадеб, дней рождения – и на сцене.

Это выражение души гордого, свободолюбивого, темпераментного, мужественного народа. В лезгинке свободно сочетаются скользящие, летящие движения, напоминающие полёт сокола. Юноши в танце, словно горные туры, зависают в воздухе, в прыжках и сложных пируэтах.

С уществуют три вида лезгинки: сольная, парная, массовая. В многовековых кавказских традициях, где скромность и уважение юноши к девушке сохраняется и до сих пор, неприлично выражать свои чувства и говорить о них публично. Поэтому свою симпатию они выражают в танце. Юноша и девушка танцуют на некотором расстоянии друг от друга. Взгляд юноши гордый, горящий. Весь танец он старается заглянуть девушке в глаза, девушка же не смеет поднять взор, но неустанно следит за его движениями. В танце происходит своего рода игра. Если юноша приглянулся девушке, то она послушно плывет впереди, завлекая его за собой. Заканчивается танец обоюдным поклоном друг другу.

Считается, что само слово «лезгин» восходит к корню «лек», что значит «орел». И поэтому лезгинку часто называют «танцем орла»: мужчина-танцор олицетворяет гордую хищную птицу, а его распахнутые руки символизируют орлиные крылья. В парной лезгинке девушка становится «лебедем».

Другая версия гласит, что корень «лек», или «лак», обозначает также тура – горного козла. Исследователи отмечают, что многие народы, например дагестанцы, считали тура своим тотемным животным, одомашнили его, часто изображали на рисунках. Танцор, поднимаясь на носки, подражает стойке тура на задних ногах, а вытянутая в сторону рука напоминает рог.

Танцоры-мужчины часто танцуют лезгинку с кинжалами. Эта традиция уходит корнями в глубокое прошлое: таким танцем молодые люди демонстрируют свою удаль, бесстрашие, силу воли и искусство обращаться с оружием.

У грузин лезгинку называют картули, так как его танцевали в области Карталинии.

Кроме лезгинки, горцы танцуют много танцев.

Необычайной красотой отличаются танцы грузинского, осетинского, азербайджанского, армянского народов.

К примеру, грузинский танец «Ханджлури» – танец с кинжалами, в которых исполнитель с размаху кидает кинжалы. Преимущественно, он должен попасть в землю, и с высокой кучностью. Сам, становясь между кинжалов, или обходя их то с одной, то с другой стороны, делает быстрые скользящие движения, так ловко, что не задевает кинжалов.

Азербайджанским танцам свойственно большое различие между женскими и мужскими танцами. И по рисунку и по наполнению. Основой женского танца является движение рук, плеч, голов, причём эти движения мягкие, сдержанные, строгого рисунка. В костюмах азербайджанских танцовщиц – длинные юбки, полностью скрывающие движения ног, и всё внимание зрителя на верхней части танцовщицы. Поэтому рисунок танца отшлифован и доведён до высшей степени совершенства. Наиболее популярные женские азербайджанские танцы: «Иннабы», «Узундара», «Джейранны», «Таракяма».

Распространённый мужской армянский танец «Колосыпрген» («По краю колеса»). Это сольный или групповой танец. Первая часть его исполняется в медленном темпе, и строится на строгих, горделивых, полных достоинства движениях. Вторая часть танца более быстрая. В ней танцующие проявляют силу и темперамент. В обеих частях используется взмахи шёлковым платком, умело подчёркивая наиболее значительные моменты движений. Танцоры двигаются вдоль авансцены из стороны в сторону, то вперёд, то назад по сценической площадке.

Д ля женских армянских танцев характерна своеобразная величавость и вместе с тем скромность. С древних времён им присуща необычайная выразительность рук. Танцовщицы словно поют руками. Например, танец «Нунуфар» («Тюльпан») строится по кругу. Ему свойственны медленные, плавные движения, мягкая поступь, лёгкое сбрасывание кистей рук вверх. Красота девушек сравнивается с красотой цветка, движения рук создаёт впечатление раскрывающегося тюльпана.

К числу старинных армянских танцев относятся массовые хороводы. Они бывают женские и мужские, и смешанные. Основную роль в танце играет первый танцор, который именуется «Генд-баш» («глава круга»). Он высоко взмахивает платком над головой, даёт знак к началу танца, к изменению хода, и к финалу.

У кавказских народов инструментальная музыка служит только для сопровождения танцев. Очень распространены у грузин струнные и ударные инструменты. В наше время часто танцы у грузин сопровождаются баяном.

Танцевальная культура Средней Азии

Территории современных республик Узбекистана, Таджикистана, Туркмении и Киргизии, а также восточного Туркестана, составляют часть известную под названием Центральная или Средняя Азия.

В разное время различные народы и завоеватели внесли свой вклад в развитие истории и формировании культуры Среднеазиатских государств. Предшественником танцевально-музыкального искусства Средней Азии являются богатые и многочисленные традиции Персидского, Афганского, Монгольского и Оттоманского царств, арабских мусульман и, конечно, Российской империи.

В то же время, несмотря на влияние из вне, местные жители на протяжении веков смогли сохранить и свою самобытную культуру. Именно поэтому в различных регионах Средней Азии, с одной стороны, мы обнаруживаем много схожих черт как в музыке, так и танцевальной традиции, а с другой стороны, имеют место быть свои различия и особенности. Разные народы постоянно воевали, торговали друг с другом. Благодаря этим контактам они обогащали музыку своего народа элементами искусства других стран. При этом, каждая традиция имеет свои особенности.

Танец Средней Азии можно разделить на следующие виды: Узбекский, Таджикский, Синь Цзян или Уйгурский, Туркменский и Киргизский. Со времён легендарного Шёлкового Пути (IV – VIII в. н.э.), центр которого проходил через земли современного Узбекистана и Таджикистана, танцоры из Бухары, Самарканда и Ташкента были желанными артистами и при дворах китайских императоров.

В VII в. Среднюю Азию завоевали Арабы и на этих землях стал повсеместно распространятся Ислам. Так же, как и в других областях исламского мира, танцевальное выступление женщин на публике не особо приветствовалось в Средней Азии в этот и последующие периоды.

Несмотря на тот факт, что издревле во дворцах эмиров любили устраивать пышные торжества с песнями и плясками, выступление женщин перед мужской аудиторией было запрещено. Поэтому женщины танцевали только для женщин в специально отведённых для них местах – Ич кари (женских кварталах). Публичное выступление было привилегией так называемых бача или мальчиков-танцоров, которые одевали женские платья, наносили макияж и танцевали, подражая женщинам. Исключением из этого правила может служить лишь изображение придворных танцовщиц в средневековых миниатюрах различных манускриптов, что ещё раз доказывает, что правители Монгольских и Тюркских династий, которые воздвигли такие города, как Самарканд и Бухара, высоко ценили искусство музыкантов и танцоров.

Имперские завоевания Персов, Тюрков, Арабов и других народов с объединением близлежащих земель в единое государство с последующим строительством городов-центров, способствовали развитию именно того культурного облика Средней Азии, который сохранился до наших дней.

Среди среднеазиатских танцев встречаются в основном быстрые мужские и женские танцы. Женские связаны со свадебным обрядом или с ритуалом сбора урожая, поэтому они более лирические.

М ужские танцы арабов воинственные – в них часто используют оружие. Все танцы сопровождались виртуозной игрой на духовых, струнных и ударных инструментах.

Узбекистан

Общеизвестен факт, что территория нынешнего Узбекистана являлась одним из важнейших узловых пунктов Великого Шелкового Пути, что привело к неизбежному воздействию многочисленных древних культур, языков, философий и религий, включая влияние греческой, персидской, арабской, монгольской, индийской, китайской, тюркской и русской культур. Несмотря на влияние таких разнообразных культур, узбекский танец сохранил свою индивидуальную стилистику и неповторимую палитру уникальных движений, каждое из которых имеет свое особое значение.

Свидетельством древней истории узбекского танца являются наскальные рисунки, найденные в 1912 году в гротах ущелья Зараутсай на западе Сурхандарьинской области. Эти рисунки относятся к XII-VIII тысячелетиям до нашей эры и изображают охоту древних людей на быков и горных козлов, а также сопровождающие охоту древние ритуальные обряды и групповые «пляски» – пра-родители узбекского танца.

В 10 и 11 веках появляются первые сведения о хореографическом искусстве Узбекистана, включающие бубен или дойру. Танцы этого периода во многом построены на движениях, подражающих разнообразным животным и птицам.

Танец был также средством отображения материальной культуры, трудовой деятельности и обычного быта жизни людей того периода. Этим и объясняется популярность использования в танцах таких предметов быта как: кувшины, ложки, кастаньеты, чайники, пиалы, ножи, ляганы, дучубы (палочки). Некоторые танцы изображали различные типажи человеческих характеров и содержали в себе немалую долю юмора или даже сарказма.

Настоящие мастера танца были неотъемлемой частью придворного антуража при имперских и ханских дворах. Например, известному танцору Сади Махсуму довелось служить при последних трех кокандских ханах в течение 6 лет.

Несомненно, что основы и стилистика движений и положений рук, кистей, ног, стопы, корпуса и лицевой мимики складывались, оттачивались и передавались из поколения в поколение в течение тысячелетий, начиная с древнейших времен и до нашей эры.

Национальные танцы Узбекской Республики прекрасны, чарующи и в наши дни. Народные ансамбли девушек все также завивают длинные черные волосы в множество кос, облачаются в яркие платья голубого, красного, синего, зеленого или золотого цветов и исполняют удивительной красоты танцевальные номера. Девушки двигаются в такт и практически синхронно, то кружатся, то взмывают в прыжках, то падают на колени, рисуя силуэты узоров в воздухе.

А ндижианская полька

Это очень динамичный народный узбекский танец. Родился он близ города Анджиан. Отсюда и его название. Обычно польку танцуют шесть человек и более. В основе хореографии лежит классическая полька, правда с местным узбекским колоритом. Музыкальный размер традиционный – 2/4. Основные движения польки разнообразные, но не сложные: семенящие и приставные шаг и, подскоки, повороты.

Его исполняют и взрослые девушки, и даже парни. Рисунок польки все время меняется: то круг, то диагональ, то прочес. Зрелище потрясающее: все крутится, вертится, искрится и зажигает.

 

 

Лязги

Этот танец – настоящий спектакль. Исполняется он под народную песню лазги и имеет много вариаций: идеальный, дутар, сурнай.

Начинается танец обычно в медленном или умеренном темпе. Танцовщицы демонстрирует сложную технику рук, спины и шеи. Плавными шагами танцовщицы передвигаются на полусогнутых ногах, слегка наклоняют корпус и задорно потряхивают плечами. Каждая связка лязги завершается «ключом» и ускорением темпа. В финале лазги скорость просто поражает: босые женские ноги мелькают, а колокольчик на их руках издают непрерывной мелодичный звон.

Н еслучайно лязги стал визитной карточкой Узбекистана и элементом его культурного наследия.

Танец живота

В узбекской версии танец живота великолепен. Базовые движения беллиданс облекаются в национальный мотив и манеру. Танцовщица старается выразить женский народный характер. За каждой позой скрывается определенная философия и переживания. Музыка узбекская, чарующая, а движения все отточенные и выверенные.

Ц ирковые танцы

Хорезмская школа известна и своими цирковыми номерами. Танцоры показывают настоящее представление. Машал – узбекский номер с факелами. Солируют в нем чаще мужчины, а женщины плавно передвигаются с факельными конструкциями. Огненный реквизит то вращается, то подбрасывается, но факелы ни на секунду не затухают.

Добоз танцуют на канате с разновесом или без. Исполнители демонстрируют невероятные возможности человеческого тела, баланс и запредельную выносливость. Каждая постановка добоз- произведение искусства. В нем тесно сплетены элементы шапито и национальный узбекской пляски.

Уйгурия

У ЙГУРЫ – один из древнейших тюркоязычных народов Центральной Азии. Их предки – кочевые племена Восточного Туркестана играли значительную роль в гуннском племенном союзе.

Истоки танцевального искусства уйгур уходят в глубокую древность в период родоплеменных объединений тюркских народов. Предки уйгур имели в своих культурных запасах и древнейшие подражательные пляски и старинные танцы шаманов, и танцы посвященные календарным празднествам, возносившим хвалу природе, и разного рода праздничные массовые танцы (ритуальные, трудовые, воинственные и др.).

На ранней ступени развития, уйгурский танец носил культовый характер, в нем отражались различные мировосприятия, связанные с жизнью человека, явлениями окружающей природы и попыткой их осмысления. На этом этапе, в трудовых действиях, связанных с охотой, скотоводством, а в дальнейшем и с земледелием зарождались такие формы как подражание движениям живой природы; зверям, животным, птицам; образная иллюстрация явлений природа: ветра, речной волны, распускающегося цветка и т.п. Охота, как форма труда рождала охотничьи пляски, которые исполнялись как до, так и после охоты большим количеством людей. Многие охотничьи пляски уйгур не дошли до нас. Многие утеряли свое магическое действие и приобрели характер народных плясок или дошли до нас в форме отдельных танцевальных движений и образных танцевальных фраз.

У йгуры – прекрасные певцы и танцоры, ими создано огромное множество народных танцев.

Танец с блюдечками. Этот танец является одним из старинных народных танцев уйгуров. Это женский танец, очень лиричный и пластичный.

Исполнительница держит на голове пиалу, а в обеих руках по блюдечку и палочке. Следуя ритму музыки танцовщица пляшет, ударяя палочками по блюдечкам. Некоторые танцовщицы исполняют цирковые трюки, например, наливают чай в пиалу на голове, или держат во рту ложку, ручкой ударяя по пиале на голове.

Танец обычно сопровождается лирической народной песней, раздольной и красивой.

Танец с камнями. «Камни» – также один видов народных ударных инструментов уйгуров. Танцоры держат в руках две каменные пластины и ударяют ими друг о друга, издавая звонкий звук. (Сегодня камни заменены стальными или алюминиевыми пластинами).

Т анец зародился и распространен в районах Аксу, Кашгара, Шаче, Хотан южной Уйгурии. Исполняют его мужчины, движения размашисты и жестки, звонкое стаккато каменных пластин то в быстром, то в медленном ритме играет роль сопровождения.

Танец долан. Это старинный танец уйгурского народа с законченными формами и энергичными движениями. Танец отображает процесс охоты древних уйгуров на дикого зверя. Танец включает следующие этапы: призыв на охоту, поиск зверей с факелами, борьба с диким зверем, преследование зверя, облава и радость удачной охоты.

Вечером после охоты люди садятся в круг праздновать. Вступает музыка, певцы затягивают песню, затем ручные барабаны отбивают ритм. Все встают и разбиваются на пары, обычно на мужские и женские.

Барабаны ускоряют темп, танец также из плавного переходит в стремительный, партнеры начинают кружиться, соревнуясь в быстроте, наконец в центре круга остается один человек, он стремительно кружится то в одну то в другую сторону, пока не останавливается под возгласы и аплодисменты.

 

Т уркмения

Полукочевой образ жизни туркмен, занимавшихся по преимуществу скотоводством и проводивших полжизни на коне; запреты мусульманской религии, неодобрительно относившейся ко всем видам искусства; презрительное отношение к женщине, которой запрещен был доступ в мужское общество,- все это мешало развитию народного танца.

В противоположность танцу широкое распространение в туркменском быту имели музыка и песня, эти ближайшие спутники народного танца. Центральной фигурой среди исполнителей народного творчества Туркмении были певцы-сказители – «бах-ши». «Бахши» совмещал в своем лице и поэта, слагавшего песни, и композитора, сочинявшего к ней музыку, и исполнителя песни, аккомпанировавшего самому себе на «дутаре».

П ри создании народного танца глубоко изучались трудовая деятельность и быт туркмен, их народное творчество, игры, обряды. Путем кропотливого отбора движений, проверки их на исполнителях туркменах, на массовом зрителе балетмейстеры создали первые национальные туркменские танцы. В процессе этой работы определились общие черты туркменских танцев.

Танец девушки должен отличаться мягкостью, скромностью, иногда ему не чуждо застенчивое кокетство.

Мужские танцы должны показать силу, ловкость, смелость отважного, неукротимого, темпераментного джигита туркмена.

Музыка к этим танцам подбиралась из народных туркменских мелодий. Она имеет простой мелодичный рисунок и исполняется в четком ритме.

Так появился «Танец джигитов», лихих всадников, которые стремительно мчатся на конях, демонстрируя во время скачки чудеса ловкости; или «Танец с пиалой», во время которого девушка предлагает гостю пиалу с ароматным чаем, и т. д.

Туркменский народ знает много подвижных игр, в которых находила свое выражение естественная тяга молодежи к движению.

К уштдепди – один из главных национальных танцев Туркменистана.

Танец сопровождался горловым исполнением рифмованных строф вокруг ярко пылающего костра. Танец возник в глубокой древности, чему имеется немало историко-археологических свидетельств, а также сведений, почерпнутых из старинных письменных источников.

Уникальная хореография танца «куштдепди», состоящая в большей степени из плавных, синхронных оборотов по круговой, напоминает ритуальные танцы древних охотников, которые, кружась вокруг шкуры, либо оперения убитого ими животного, и спрашивали удачи у всемогущих высших сил.

«Куштдепди» – танец, символизирующий ловкость, быстроту и пластичность движений, и поэтому исполняется по большей части молодежью. Начинается танец мелодичными напевами первых аккордов жанрового национального песнопения «газал» в исполнении юноши и девушки, делающих при этом первые «па» танца.

Окружающие сопровождают их движения мерным, ритмичным похлопыванием ладоней. В конце каждого четверостишия «газала» они восклицают традиционное «эй-ха», «ух-ху», «кушт-кушт», как бы подзадоривая друг друга, и понемногу вовлекаясь в ритм танца.

 

 

Кыргызстан

Киргизская хореография считается самой молодой среди народов Средней Азии. Ее развитие было очень медленным, так как киргизс кий народ вёл кочевнический образ жизни. Горная местность, неграмотность, широкое распространение суеверий и знахарства, а также оторванность от культурных центров тормозили её развитие.

В давно прошедшие времена киргизский народ имел свой танец. Это подтверждается упоминаниями о танце («бий») в старинном эпосе «Манас». Но восстановить старинные киргизские танцы нет возможности, поскольку они давно исчезли из народного быта.

У киргизов вопреки религиозным запретам, несмотря на тяжелые условия жизни, нищету и безграмотность, существовало устное поэтическое творчество. Народные певцы – акыны – под аккомпанемент комуза или кыяка повествовали о том, что волновало народ.

Разнообразные игры и развлечения стали богатейшей базой для создателей народно-сценических киргизских танцев, и сейчас играющие в жизни киргизского народа немалую роль. Поэтому первые танцы киргизов своим рисунком танца, характером исполнения, стилем танцевальной композиции воспроизводили характерные черты народа.

О собенно популярны были в старом киргизском ауле «Кыз-ойун» – девичьи игры, которые устраивали по случаю помолвки и свадьбы. Они назывались девичьими потому, что проходили в ауле невесты, но участвовали в них и мужчины: жених, его дружки и приятели.

Кыз куумай – догони девушку В прошлом игра была свадебным обычаем. В игре участвовали жених, невеста и сноха-джене, которая старалась помочь девушке ускакать от юноши, не дать ему возможности догнать ее. В игре также участвовали подруги невесты и друзья жениха. По условиям игры невесте давали лучшую лошадь, и она начинала скачку первой, гандикап и расстоянии (уменьшенное расстояние для слабых). Жених должен был догнать невесту, этим он доказывал не только свою любовь к ней, но и закреплял право на женитьбу. Из-за худшего коня жениху не всегда удавалось догнать девушку. Но невеста не отвергала жениха и свадьба не отменялась.

О рнамент* киргизского танца брал начало в языческих традициях. Танцевальная функция орнамента в настоящее время играет ведущую роль. Многие орнаментальные мотивы сохранили свое смысловое значение. Ромб – символ плодородия. Изображение растительного семени в представлении кыргызов способствует большому потомству. Его можно встретить в вышивке одежды, в ювелирных изделиях. Киргизские орнаменты можно почувствовать в музыке – кюю, в танце и, наоборот, в орнаменте можно услышать музыку, в движениях кистей рук 10 танца увидеть бараний рог или спираль, символизирующую жизнь, богатство и здоровье.

Кийиз

О дним из первых национальных танцев стал "Кийиз" ("Кошма"), массовый женский танец. Безыскусственность танца "Кийз", пластичность "говорящих" рук исполнительниц; простота, изменяя достоверность происходящего в танце, принесли ему единодушное признание. В танце «Кийз» показывается процесс изготовления кошмы (войлочного ковра из овечьей или верблюжьей шерсти). Особенности построения этого танца базируются на основе простых танцевальных движений, которые соответствуют характеру киргизского народного творчества.

В начале постановки танца «Кийз» девушки легкими шагами выбегают на сцену. Плавными движениями рук подхватывают с земли воображаемые комья шерсти, затем разбрасывают шерсть по полу и начинают ее обрабатывать: растаптывать, поливать водой, утрамбовывать палками. К середине танца, когда кошма готова, девушки как бы растягивают ее за четыре угла, сворачивают, расстилают поближе к зрителю. Под конец номера танцовщицы сами усаживаются на кошму в живописных, непринужденных позах. Музыкальный размер составляет 6/8.

« Кара-Жорга».

Еще один из наиболее популярных танцев, на истории и происхождении народного киргизского танца, называется «Кара-Жорга». Этот танец воплощает в себе различные оттенки, приемы. В нем соединились воинственность и скоморошество, мягкая колыбельность и мобильность, быстрота и спокойная грациозность.

 

Т анцевальная культура 20 века

Конец 19-го – начало 20 века отмечен разнообразием культурных и художественных явлений, стилей и направлений. Огромное влияние на мировое искусство оказывает афроамериканская культура, прежде всего благодаря музыке и новым музыкальным жанрам и направлениям, таким как, джаз, блюз, регтайм. На основе новой музыки и африканских движений возникают новые танцы и танцевальные направления – «Шимми», «Чарльстон», «Ту-степ», «Кейкуок» и др.

Все эти танцы объединяет легкость, непринужденность и, можно сказать, дурачество. На основе этих танцев в дальнейшем возникают новые танцевальные направления. Например, появление некоторых видов профессионального бального танца – фокстрота, джайва и квикстепа, тесно связаны с танцами кейкуок, тустеп, шимми (Shimmy)

Из всего многообразия художественных стилей, захлестнувших танцевальную музыку Европы в конце XIX – начале XX века, прежде всего, стоит выделить рэгтайм и джаз.

Они вели свое происхождение от национально-американского менестрельного шоу – музыкальный передвижной театр, возникший в США в 1-й половине XIX века под влиянием афроамериканского фольклора. Классически законченным видом менестрельного шоу был танец кейк-уок (кекуок). Рэгтайм первоначально мало чем отличался от него. Так же, как кейк-уок и другие танцевальные номера менестрельного представления, тяготел к упрощенности и непосредственности выражения, отличаясь при этом высочайшей виртуозностью.

В этом он был очень схож с другим видом художественного творчества начала XX века – с джазом, который возник после 1-й мировой войны, где можно не только петь, но и говорить.

Ранние формы джаз оказали огромное воздействие на танцевальные жанры начала XX столетия. Манера исполнения движений – с раскачиванием всего корпуса, бедер, плеч, продолжающая традиции испано-цыганских танцев, из шарканья ног и притопывания рождается степ (чечётка. Вскоре новая музыка и новые танцы появляются во всех танцевальных залах.

Постепенно джазовый танец обретает театральные формы, что приводит к появлению нового стиля – бродвейского джаза. Бродвейский джаз встречается, прежде всего, в мюзиклах, а также его можно увидеть и в кинематографе, в различных шоу и драматических спектаклях.

Под влиянием кейк-уока, рэгтайма и джаза в европейский быт начала XX столетия проникают новые танцевальные жанры североамериканского и латиноамериканского происхождения (танго, фокстрот, вальс-бостон). Эти танцы переносятся в бары, рестораны и дансинги.

Законодателем танцевальных мод перед 1-й мировой войной становится Нью-Йорк. Именно отсюда распространяются самые популярные танцы того времени. Одним из первых американских танцев, вошедших в моду в Европе, стал вальс-бостон; позднее за ним последовали танго и синкопированные танцы типа рэгтайма (тустеп, уанстеп).

Первая мировая война несколько притормозила развитие танца, но вскоре после ее окончания под влиянием рэгтайма и джаза Европу захлестнула новая волна североамериканских танцев, таких как чарльстон, фокстрот, шимми и др. Переосмысление жизненных идеалов, происходящее в обществе в послевоенные годы, разбудило в людях страсть к танцам. Открывается множество танцевальных школ и залов; особенный расцвет танцевального искусства в этот период наблюдается в Лондоне.

1930-е годы были отмечены повышенным интересом к латиноамериканским танцевальным ансамблям, в состав которых входили разнообразные ударные инструменты (маракас, клавес, кубинские барабаны и др.), и к таким танцам, как румба, самба и танго. Они сформировались на народной песенной и танцевальной основе, в которой слились традиции трех культур: индейской, испанской и негритянской.

В 1940-50-х годах, когда джаз, по существу, перестал быть танцевальным жанром и превратился в музыку для концертного исполнения, возросла популярность буги-вуги и танцев стран Карибского бассейна и Латинской Америки типа босса-новы и ча-ча-ча.

Также в 1950-60-х годах были распространены афроамериканские танцы стиля ритм-энд-блюз и рок-н-ролл. Совсем другая культура в музыке меняет стиль одежды, причесок, поведения и, безусловно, танца. Стиль исполнения их все более тяготеет к произвольности, импровизационности движений.

В 1970-е годы были популярны танцы стиля диско, которые распространились из США по всему миру. В основном их танцевали на дискотеках и в других танцевальных залах.

В 1970-90-х годах активные, возбуждающие ритмы рока, рэпа и родственных стилей, исполняемые на электрических гитарах, медных духовых и ударных, подавили мелодическое начало в танцевальной музыке. Сформировалось новое представление о танце как о бесконечном процессе, в таком танце возможны любые движения в любой последовательности.

Рэп-музыка обусловила появление разновидностей танца, требующих чрезвычайного владения телом и отличающихся преувеличенным значением ритма в музыкальном сопровождении. Возродился интерес к африканской культуре, благодаря которому становится популярным американский танец брейк-данс. Его отличали несвязные движения отдельных частей тела, которые напоминали потоки электрических импульсов в теле. Большую роль играли гимнастические и акробатические элементы и сложные вращения на спине, голове и т. п.

Вообще, немногие танцы, рожденные этим бурным временем, утверждались в быту надолго. Даже такие модные в свое время танцевальные жанры, как тустеп, шимми, буги-вуги, твист, чарльстон и др., существовали довольно короткий срок.

Развитие техники бытовых танцев в XX столетии шло по пути отрицания канонов классического танца. На протяжении века в манере их исполнения утверждался импровизационный стиль, движения становились все более произвольными, отчасти механистичными.

Все вышеперечисленные стили и жанры бытового танцевального искусства мало проявляются в танце и танцевальной музыке академической традиции, они все большее значение приобретает развлекательность, комедийность.

В соответствии с этим стилевые направления бытового танца (свинг, босса-нова, рок-н-ролл и др.) практически не используются в академическом искусстве, т.к. «развлечение веселье» мало отвечает высокохудожественному содержанию классического танца

Таким образом, в XX веке между искусством легкого жанра и «высокого» происходит окончательное разделение. Отныне их развитие идет в разных направлениях.

Количество танцевальных жанров, получивших распространение в XX веке, довольно велико. Поэтому рассмотрим описание лишь наиболее значительных из них.

 

Ч арлстон (чарльстон) – бальный танец, название которого произошло от порта Чарльстон, в котором негры танцевали энергичный круговой танец (типа русского танца «яблочко»). В Европе стал популярен с 1920-х годов. Танец быстро завоевал весь мир, хотя ещё долго в приличных танцевальных залах его запрещали.

В альс-бостон – американский салонный танец лирического, часто сентиментального характера. Название танца происходит от названия американского г. Бостон. Возник в конце XIX века (примерно в 1870-х гг.), большое распространение получил в США и Европе в 20-х гг. XX века. Представляет собой разновидность медленного вальса. Музыкальный размер – 3/4. Известен также как английский вальс.

Фокстрот (англ. – «лиса» и «быстрый шаг») – бальный танец, возникший из регтайма, тустепа в США. В 1910-е годы распространился в Европе. Размер 4/4. В 1920-х родах происходит разделение на «быстрый фокстрот» и обычный фокстрот, который стали называть «медленный фокстрот» – слоу-фокстрот.

Регтайм (rag – обрывок, time – время, такт) – бальный танец в размере 2/4, развившийся из джазовой музыки – регтайм, где пианист упрямо повторяет один и тот же отрывок мелодии на фоне перебоев и синкоп. «Эпоха рэгтайма» длилась всего два десятилетия – с середины 90-х годов XIX века до периода 1-й мировой войны, но, тем не менее, этот краткий отрезок времени имеет значение для музыки в мировом масштабе.

Тустеп (англ. -«два» и «шаг») – танец, произошедший от регтайма, распространённый около 1900 года в США, затем в Европе. Для него характерны быстрый темп, маршеобразность, размер 2/4. По ритму тустеп близок польке. Был вытеснен уанстепом в 1910-е годы.

Шимми (англ. – рубашка) – любимый танец 1910х- 20х годов, вроде фокстрота. Название связано с характерными движениями танцоров, словно пытающихся стряхнуть с плеч свои рубашки. Размер 2/4 (иногда 4/4).

К эк-уок (англ. – шествие с пирогом) – танец, изобретённый чернокожими жителями Америки, вошедший в моду как танец-соревнование пар, где каждая пара старалась превзойти соперников с помощью высоких замахов ногой, прыжков, изобретательных поворотов. Лучших исполнителей награждали пирогом.

Свинг – общее название всех танцев, стиля одежды, интерьера, жизни и поведения, возникших во время появления джаза. Танцующий должен нести заряд доброты, оптимизма и хорошего настроения. Он ориентируется всего на несколько основных движений, остальные же сочиняет на ходу – импровизирует.

Буги-вуги – джазовый вольный спортивный танец, исполнявшийся парой. Сначала казался слишком дерзким для бального танца, но позже распространился в США и по всей Европе.

Р ок-н-ролл (англ. – раскачиваться и вертеться) – парный импровизационный танец, получивший широкую известность в середине 50-х годов. Задорный танец с хореографическими поддержками, ставший основой многих танцев и рок-музыки.

Твист (англ. – кручение) – танец 60-х годов из группы рок-н-ролла. Отличается быстрым темпом, размер 4/4. Танцующие старательно работают ногами, будто затирают пятно на полу. Название произошло от песни «Тhe Twist» (1960).

Шейк – модный танец 60-х годов. Название можно перевести как «тряска», «встряхнуться», то есть потрясти своим телом.

Диско – танец 80-х годов, получивший название в связи с распространением дискотек. Танец был предельно прост, для него не требовалось никаких особых навыков, надо было просто хорошо чувствовать ритм.

Б рейк-данс – модный танец 80-х годов с дергающимися движениями, что отражено в его английском названии (брейк – ломаться). В нём смешаны элементы акробатики и пантомимы. Многие движения исполняются на полу с огромной энергией и силой.

 

Латиноамериканские танцы

20-й век принёс в танцевальную музыку новые ритмы – из латиноамериканского фольклора. Латинской Америкой принято называть страны, расположенные в Южной Америке и южной части Северной Америки. Их искусство складывалось из трёх источников: индейского, европейского и африканского. Танцы здесь сливались с пением.

К онга – кубинский танец 20-х годов, распространившийся в конце 30-х по всему миру. Конга исполняется шеренгой, потому что произошла от парадов. Танцующие повторяют за лидером его маршеобразный танец с синкопами.

Д жайв – виртуозный и зрелищный танец, появившийся в Северной Америке в 1927 г. из смешения регтайма, свинга, линди, джиттербага, буги-вуги и рок-н-ролла. Этот беззаботный буйный и зажигательный танец иногда называют шестишаговым рок-н-роллом. В этом быстром, потребляющем много энергии танце танцоры на соревнованиях стараются показать, что они не утомлены после четырёх обязательных танцев.

Ритмичны танцы Латинской Америки привлекали своим экзотическим обаянием. Особенным успехом в начале XX в. пользовалась кубинская хабанера.

Хабанера – кубинский танец и песня. Восходит к европейскому контрдансу, завезённому на Кубу в конце 18 века. Это парный коллективный танец в размере 2/4 в умеренном темпе с постоянным ритмом и противопоставлением минора и мажора.

Сальса – это разновидность меренги. Популярный латиноамериканский танец 20-го века. Сальса возникла еще в 20-х годах под солнечным кубинским солнышком и очень быстро стала распространенным танцем.

В 30-е годы XX века сенсацию во всём мире произвела кубинская румба.

Р умба – медленный танец с движениями и жестами, наполненными любовью. Возникла в 1913 году, исполнялась в кабаках Гаваны (столицы Кубы) солистом или парой в центре круга зрителей и музыкантов. Ансамбли, которые аккомпанировали танцующим, использовали подручные материалы – бутылки, ложки, горшки. Романтически чувственная румба подчёркивает движения корпуса, а не ног. Исследователи находят, что движения плеч и сокращения боков в этом танце – это движения рабов под тяжёлой ношей груза в руках. Движение «кукарача» в румбе – это имитация раздавливания тараканов, а «спот-поворот» взят из танца вокруг колеса телеги.

Музыкальный размер румбы 2/4, много синкоп, темп от умеренного до быстрого. В 1955г. румба официально включена в программу бальных танцев.

В 1940-е годы конгу вытеснила самба.

С амба произошла от старинного парного танца-пантомимы, где кавалер ухаживал за дамой по аккомпанемент гитары или арфы и пения. Этот танец-заигрывание партнёров друг с другом – в 20 веке исполняется в размере 2/4, в подвижном темпе. Самбой в Англии заинтересовалась принцесса Маргарет. Позже, в 1956 г., самба официально включена в программу бальных танцев.

В конце Второй мировой войны появляется мамба.

М амба – американский танец, возникший в 1948 г. от румбы. Мамба – имя жрицы или богини вуду в негритянской африканской религии. Раньше её ритм выстукивали палками по высушенным черепам. Поэтому танец осуждён католической церковью и был запрещён во многих странах. Это национальный танец Гаити, имеющий 3 формы – одиночную, двойную и тройную. В тройной форме исполняется 5 шагов в такт (именно этот вариант стал предшественником танца ча-ча-ча). Это не народный, а искусственно созданный танец из сплава свинга и кубинской музыки, имеющий множество поклонников по всему свету.

Ритмы самбы, видоизменившись, образовали позже ламбаду и макарену.

М еренга – это антильский танец, возникший в конце 19 века на Гаити и в Доминиканской Республике. Меренга в начале 20 века стала национальным танцем Гаити, а с 50-х годов 20 века распространилась по всему миру. Движения меренги произошли от движений рабов на плантациях сахарного тростника. Ноги рабов были скованы цепями, поэтому, мечтая о свободе, они могли двигать только бёдрами. У меренги прогулочный темп, размер 2/4 и мелодия с синкопами. Этот танец всегда имеет вступление.

В конце 50-х годов 20 века родился танец ча-ча-ча.

Ча-ча-ча – это кубинский кокетливый и весёлый танец, замедленная разновидность мамбы. Он передаёт счастливую и беззаботную атмосферу. У танца чёткий ритм, который подчёркивается особыми движениями ног и бёдер Музыкальный размер 4/4. Впервые ча-ча-ча исполнен на Кубе в 1953г., а сейчас его всё чаще называют «ча-ча».

Л амбада – бразильский танец, произошедший от самбы, меренги и старинного каримбо. Её танцуют под специальные барабаны, сделанные из стволов деревьев, отсюда и название (ламбада – это сильные ритмические удары музыки). Ламбаду исполняют люди обоих полов всех возрастов. Она танцуется с согнутыми ногами, степы исполняются из стороны в сторону, иногда к ним добавляются кружения. Музыкальный размер 4/4.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Словарь неизвестных слов

Аноним – (греч. anonymos – безымянный) автор письма или сочинения, скрывший свое имя; сочинение без обозначения имени автора.

Архаичный – связанный с архаикой – свойственный древности, существовавший в далеком прошлом.

Аскет – в современном обществе это человек, решивший пойти путем освобождения с целью избавления себя от всего устаревшего: вещей, связей, мышления, старого образа жизни. Само слово аскетический – это значит суровый, строгий, спартанский.

Буддизм – мировая религия, признанная многочисленными народами с разными традициями. По замечанию Е. А. Торчинова, «Без понимания буддизма невозможно понять и великие культуры Востока – индийскую, китайскую, не говоря уж о культурах Тибета и Монголии, пронизанных духом буддизма до их последних оснований».

Вассал – человек благородного происхождения, получивший от сеньора феод на условиях военной службы и личного служения сеньору. феодом и живший за сет зависимых крестьян. Им нельзя было родиться, т. к. их назначали сеньоры для управления на своих землях, через посвященный обряд и произношение клятвы.

Волость – власть, страна, округ, происходит от древнерусского володѣти (владеть).

Ива́н Купа́ла (Ива́нов день, Ива́нщина, Ивана Купалы, Купала) – народный праздник восточных славян, отмечаемый 24 июня (7 июля), посвящённый, по мнению советских исследователей, летнему солнцестоянию и наивысшему расцвету природы.

Интерме́дия (от лат. – «находящийся посередине») – небольшая пьеса или сцена, обычно комического характера, разыгрываемая между действиями основной пьесы. Возникла в ренессансном театре (XV век).

Коморники – беднейшие крестьяне и горожане Белоруссии, Украины, Литвы и Польши 13-19 вв., не имевшие ни двора, ни земли.

Конфуцианство – этико-политическое и религиозное учение, возникшее в Древнем Китае под влиянием идей, высказанных в VI в. до н. э. Конфуцием

Корри́да («бежать») – наиболее распространённая форма боя быков, традиционное испанское зрелище, практикующееся также и в некоторых других странах, в частности в Южной Америке. Испанцы в обиходе называют корриду просто toros, то есть «быки».

Кум (кума) – крестные родители ребенка (крестные), которые по отношению к его природным родителям называются кумовьями. Кумить, на Руси, всегда означало дружить физическим и духовным родителям, помогать и держать сторону друг друга.

Мушке́т – вид старинного ручного огнестрельного оружия

Орнамент (лат. – украшение) – узор, основанный на повторе и чередовании составляющих его элементов; предназначается для украшения различных предметов. Орнамент – один из древнейших видов изобразительной деятельности человека, в далеком прошлом несший в себе символический и магический смысл, знаковость

Пантомима – Театральное представление, в котором действующие лица изъясняются не словами, а мимикой, жестикуляций и пластическими движениями. | Сценарий для такого представления, а также сопровождающая его музыка.

Партиту́ра (итал. – разделение, распределение) в музыке – нотная запись многоголосного музыкального произведения, предназначенного для исполнения ансамблем, хором или оркестром, в которой все партии (голоса) даны одна над другой в определённом порядке.

Ры́царь от нем. первоначально – «всадник» ; лат.- средневековый дворянский почётный титул в Европе. Рыцари – это низшее звено феодального класса, профессиональные воины, имевшие право на получение земельных наделов (феодов).

Сеньор – самый главный феодал – монарх.

Скоморо́хи (скомрахи, глумцы, гусельники, игрецы, плясцы, весёлые люди) – в восточнославянской традиции участники праздничных театрализованных обрядов и игр, музыканты, исполнители песен и танцевя, обычно ряженые (маски). Согласно словарю В. Даля, скоморох – «музыкант, дудочник, сопельщик, гудочник, волынщик, гусляр; промышляющий этим, и пляской, песнями, шутками, фокусами; потешник, ломака, гаер, шут; зап. медвежатник; комедиант, актёр и пр.»

Сечь – укрепление, внутри которого стояли церкви, хозяйственные постройки и жилые помещения (курени). Название места нахождения штаб-квартиры казаков, отсюда – казачья сечь. Сечь являлась центром деятельности и управления всеми войсковыми делами, резиденцией всех главных старшин, стоявших во главе низового казачества.

Танцевальные па (фр. – «шаг») ведут происхождение от основных форм движений человека – ходьбы, бега, прыжков, подпрыгиваний, скачков, скольжений, поворотов и раскачиваний.

Тореадор, тореро (исп. – бык), участник боя быков на арене цирка. Имеется несколько специальностей Тореадоров: хулосы (капеадоры), дразнящие быка красными платками; Пикадоры, колющие быка пиками; бан-дерильеры, вонзающие в быка короткие пики с взрывающимися петардами; матадоры (эспада; иногда называют Тореадоров.), наносящие быку смертельный удар шпагой

Тоншич – мятная трава, использовалась в обрядах. На неё обычно нашёптывают какие-то слова, а после кидают в огонь (огонь – очистительная сила). Сгорающая трава, вместе с собой, сжигает всё плохое, нечистое. Тоншич свертывали в виде стельки и вкладывали для тепла в торбаза. При Крашенинникове лучшим женским головным убором считался парик из травы. Некоторые женщины свои волосы сшивали в виде парика.

Феод – земли, пожалованные сеньором вассалу в наследственное владение, пользование и распоряжение на условиях несения вассалом военной, административной или придворной службы в пользу сеньора.

Феодал – землевладелец, по отношению к которому крестьяне находятся в крепостной зависимости. Феодалы – герцоги, графы, архиепископы, епископы, аббаты.

Фольклор (англ. – «народная мудрость») впервые был введён английским учёным Уильямом Дж. Томсом в 1846 году для обозначения как художественной (предания, танцы, музыка и так далее), так и материальной (жильё, утварь, одежда) культуры народа. Народный танец – фольклорный танец, который исполняется в своей естественной среде и имеет определённые традиционные для данной местности движения, ритмы, костюмы и тому подобное. Фольклорный танец – это стихийное проявление чувств, настроения, эмоций, выполняется в первую очередь для себя, а потом – для зрителя (общества, группы)

Хоровод (в старые времена его называли еще харагод, курагод, коло и др.) – это древний обрядовый круговой танец с элементами драматического действа. Как правило, его исполняли женщины, но бывали и смешанные хороводы. Первые весенние хороводы начинали водить со Святой недели (следующей за Пасхой) и заканчивали вечером на Красную горку.

Чако – вид огнестрельного оружия, использованного на войне.

Шаманизм – это религиозная система практики. Исторически он ассоциируется с племенами или населениями определенных регионов и заключается в вере в то, что шаманы обладают связью с потусторонним миром, благодаря чему могут исцелять больных, общаться с духами и сопровождать души умерших в загробную жизнь.

Эллинизм – это длительный период в истории искусства Средиземноморья, на протяжении которого на огромных территориях происходило широкое распространение греческих культурных традиций. Эпоха Эллинизма в искусстве длилась около 300 лет (с конца IV – до конца I века до нашей эры), а основной причиной ее появления стало покорение Александром Македонским в результате военных походов значительной части азиатского континента.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Содержание